Wir sind ehrlich. So ehrlich, wie es Mann oder Frau im Wilden Westen immer sein mussten. Bislang führten Western in unserem Kino eher ein Schattendasein. Aber nach elf Jahren stellen wir uns nun mutig zum Duell. Denn es gibt wieder neue Western. Sehr gute dazu, ästhetische, gedankenreiche und natürlich harte. Mit und ohne Mythen. Es gab bereits Anfang der 90er eine kleine Wiedergeburt des einst tot geschossenen Genres – ERBARMUNGSLOS von und mit Clint Eastwood war der Bekannteste. Jetzt geht es weiter: beispielsweise mit Jesse James und seinem Mörder oder einem Mexikaner, der gleich dreimal beerdigt wird. Haben sie keine Angst, reiten sie mit uns auf einem weißen Pferd durch eine eiskalte Nacht voller goldener Sterne. Zumindest im Kino.

April ist unser Wonnemonat für alle, die spanisch oder auch portugiesisch verstehen und sprechen. Cine
latino ist schuld daran, die traditionelle Veranstaltungsreihe, nicht nur ein Filmfestival, sondern eine
vielfältige Präsentation eines Kulturraums von gigantischem Ausmaß. Wir ergänzen durch untertitelte
Fassungen künstlerisch herausragender Filme in der Originalsprache und Kurzfilmreihen, die immer mehr
Interessenten zu uns locken. Magneten im frühlingshaften Ereignisstrudel, der regelmäßig Heidelberg
durcheinanderwirbelt.

Nur halbe Talente probieren immer wieder etwas Neues aus. Wahre Meister inszenieren ihre Obsessionen im Wechselspiel von Wiederholung und Variation. So Luis Buñuel (1900 - 1983): „Ich erzähle sehr gern dieselben Geschichten, dieselben Späße, komme mehrmals auf dasselbe Sujet zurück. Ich liebe die Wiederholung, die Besessenheit.“ Dies soll eine kleine Hommage an Buñuel für unseren Kino-Monat Oktober zeigen, eine kleine Retrospektive seiner berühmtesten Filme aus seinem Spätwerk. Buñuel war „Atheist von Gottes Gnaden“ und bekennender Surrealist, er hatte ein Faible für Waffen, Devotionalien, Insekten und Verstümmelungen. Er war ein Provokateur und ein Pessimist, den die Mehrdeutigkeit im Reich zwischen Traum und Wirklichkeit faszinierte. Film war für ihn ein Kampf gegen die Verlogenheit der bürgerlichen Gesellschaft und ihrer Repräsentanten. Er wurde dafür zensiert und ausgezeichnet. Seine Erinnerungen tragen den Titel „Mein letzter Seufzer“, ein seltenes Geräusch im Kino. Seufzen wir also ein bisschen wie Buñuel - denn er war so wunderbar einzigartig..

Eine Hommage an eine noch ziemlich junge Schauspielerin ist ungewöhnlich. Aber es handelt sich eben auch um Penélope Cruz, die aus einfachen Verhältnissen stammend schon als Jugendliche mit ihrem Talent auffiel. Der spanische Film in seiner Blütephase machte sie bekannt und erlaubte ihr einen Sprung nach Hollywood – um wieder davon Abstand zu gewinnen und sich künstlerisch neu zu orientieren. Spannend an ihr ist insbesondere, wie sie sowohl extreme Charaktere wie auch klassische Rollen auszufüllen vermag. Entsprechend facettenreich die Filme, in denen sie bereits mitgewirkt hat: der kleine Skandal, der große Frauenfilm, die geistreiche Komödie, das umwerfende Melodram. Und immer besteht der Eindruck einer Persönlichkeit, die noch für manch kraftvolle Verwandlung gut sein wird. Kein Symbol, kein Mythos, sondern Kino gewordene, weibliche Wirklichkeit. Kommen Sie, erleben Sie!

Kaum ein Filmregisseur ist so bekannt wie er. Seinen Namen hat jeder schon einmal gehört. Er steht für Mord, Horror, Schock – überhaupt alles, was einem Angst macht. Aber worin besteht das Phänomen Alfred Hitchcock? Was steckt hinter diesem so oft fotografierten, vollschlanken Herrn im Anzug? Wie hat er das gemacht? 53 Filme hat der gebürtige Engländer, der 1980 in Los Angeles starb, gedreht – im Dezember nun eine Auswahl der besten, Substrat einer längst überfälligen Retrospektive. All unseren Besuchern und Freunden wünschen wir schon jetzt schöne Festtage und viel Glück für 2010!

Als bekannt wurde, dass wir unseren Themenschwerpunkt im Monat März dem klassischen Science-Fiction-Film widmen wollen, waren die Reaktionen darauf äußerst positiv, ja geradezu euphorisch. Nicht nur, weil damit ein lang gehegter Wunsch in Erfüllung ging, sondern auch, weil fast jeder Kinogänger sich unter Science-Fiction so etwas wie „2001“ vorstellt, dann aber sofort wieder die berühmten grünen Männchen im Kopf hat, die unsere Erde bedrohen. Science-Fiction bewegt sich als Genre souverän im Kosmos zwischen Kunst und Trivialität - die Faszination, die von ihm ausgeht, liegt darin begründet. Wie, das zeigt ein kleiner Querschnitt aus acht Filmen zum Thema. Wir sehen darin: Meisterhaftes, Misslungenes, Bedrohliches, Kultiges und Legendäres der 50er, 60er, 70er und 80er Jahre. Selbstredend haben Außerirdische zu allen Veranstaltungen freien Eintritt.

Man sagt, der April macht was er will, und wir tun es ihm gleich. Darum sind wir so verrückt, uns dieses Mal gleich zwei Schwerpunkte zu leisten. Einerseits natürlich unser Stummfilm-Symposium, mit dem geradezu klassischen Thema 'Der Mensch in der Stadt', immer einer der spannendsten Momente im Leben eines Stummfilmfans. Anderseits feiert zu unserer großen Freude Aki Kaurismäki ausgerechnet im April seinen 60. Geburtstag. Als einer unserer Hausregisseure hat er unbedingt Anspruch auf eine kleine Retrospektive. Wenn man die Wortkargheit seiner Filme kennt, merkt man gleich, beides passt gut zusammen. Also kommen Sie zu dem einen Film und bleiben Sie auch bei den anderen. Denn zu reden brauchen Sie bei Ihrem Besuch wirklich nicht viel.

Wer von heute kennt noch den Ausdruck „Halbstarke“. Von Rebellen und Außenseitern jedenfalls wimmelt es allenthalben, aber wir wagen einen Sprung in die deutsche Nachkriegsgeschichte und machen uns auf die Suche. Darum hier keine Lobpreisung unseres Programms, sondern ein Aufruf. Wer von Ihnen kennt noch jemanden, der oder die damals dabei war. Dabei bei dem, was man „Die Halbstarken“ nannte. Und die heute noch davon erzählen könnten. Sprechen Sie diese Personen doch an und ermuntern Sie sie, bei uns im Kino am 17. Juni live aus jener Zeit zu berichten. Wir würden uns darüber wahnsinnig freuen.

B(erlin)-Movies: Berlin bewegt uns und gibt uns Bilder, die sich bewegen. Längst nicht mehr zu zählen sind die Filme, die in unserem geistigen Zentrum spielen. Doch die Filme, die wir bei uns jetzt daraus zeigen, sind neben der Spur, denn von dort lässt es sich am besten überholen. Sie sind eindeutig B, nicht irgendwie A (oder C). Lassen sie sich darum berlinisieren, sehen sie Komödiantisches, Dokumentarisches, Subkulturelles, doch stets aus dem wahren(!) Berlin.

Filme aus und über den Nahen Osten haben bei uns Tradition und finden auch immer ihr Publikum; im April steht nun das Thema Palästina im engeren Focus. Wir erfüllen damit auch einen großen Wunsch unserer Zuschauer. Denn über die Menschen, die dort leben, sind unlängst einige höchst bemerkenswerte Dokumentar- und Spielfilme entstanden. Es werden wahrscheinlich weitere folgen, das Thema ist und bleibt einfach spannend. Jenseits der üblichen Medienberichte dieses besondere Land einmal konzentriert entdecken: filmische Erlebnisse seien versprochen, die komplex, authentisch, direkt, manchmal auch schroff und unbequem sind. Öffnen Sie die Augen, entdecken und erleben Sie Palästina!

Sechs alternde Männer, eine Yacht und viel Zeit mitten im Ägäischen Meer: Aus Langeweile beginnen die Freunde ein Spiel, in dem sie alles, was sie tun und noch vorzuweisen haben, vergleichen und dafür gegenseitig Punkte vergeben. Aus dem Spiel wird schnell ein harter Wettbewerb und aus den Freunden werden erbitterte Konkurrenten. Denn am Ende darf nur einer den Siegerring, den Chevalier, am kleinen Finger tragen. Der Film führt mit feiner Ironie Rituale der Männlichkeit ad absurdum. „Eine grandiose Komödie über Männer am Rande der Soziopathie“, bescheinigte Georg Seeßlen in DIE ZEIT.

Athina Rachel Tsangari, geboren 1966 in Athenin Griechenland, ist Produzentin und Regisseurin. Ihr Filmdebüt gab sie 1991 als Schauspielerin mit dem Film SLACKER von Richard Linklater, bevor sie 1994 mit dem Kurzfilm FIT und 2000 mit dem Langfilm THE SLOW BUSINESS OF GOING auch hinter die Kamera wechselte. Ihr zweiter Spielfilm ATTENBERG (2010) brachte ihrer Hauptdarstellerin Ariane Labed den Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen in Venedig ein. Ihr dritter Film CHEVALIER wurde u.a. als bester Film auf dem BFI London International Film Festival ausgezeichnet.

Karfreitag starb mit Billy Wilder einer der letzten großen Kinoregisseure. Nahezu jeder, der Filme kennt, kennt auch Filme von Billy Wilder, selbst wenn ihm der Name gar nicht geläufig sein sollte, wer Filme liebt, liebt sie möglicherweise wegen Filmregisseuren wie Billy Wilder, und darüber hinaus hat manches aus seinen unvergeßlichen Filmen sogar Eingang in die populäre Kultur gehalten, z.B. die lustige Wendung, daß eben "niemand vollkommen" ist. Seine Filme aber kommen der Vollkommenheit oft bedenklich nahe, nicht zuletzt seine Komödien - und wie schwierig ist es doch, eine gute Komödie zu drehen! Mit sechs Filmen möchten wir anläßlich seines Todes an Billy Wilder erinnern, selbst wenn er dies im Grunde gar nicht nötig hat, von "Menschen am Sonntag", jenes Musterbeispiel der deutschen Stummfilmavantgarde, für das der später in die USA emigrierte Wilder das Drehbuch schrieb, bis hin zu "Buddy Buddy", seinem letzten Film. Ja, im Grunde könnte man auch noch den zweiten Stummfilm in unserem Programm, "Die Puppe", als siebten Film zu der Hommage hinzuzählen, führte doch bei ihm Ernst Lubitsch Regie, wie später Wilder ein deutscher Emigrant in Hollywood, zugleich dessen großes Vorbild und sein Lehrer. Musikalisch begleitet wird "Die Puppe" übrigens von Markus Tyroller uns seinem Ensemble!
Ein zweiter, etwas kleinerer Schwerpunkt unseres Mai-Programms, der aber eigentlich sein einziger sein sollte, bildet das Radio, ein auf den ersten Blick ganz unfilmisches Thema. Dennoch kommt das Radio immer wieder und auf bedeutsame Weise in Filmen vor! So in den Spielfilmen "Jakob der Lügner", von dem wir das Original, nicht das Remake zeigen, und "Talk Radio", so in der Dokumentation "Radio Star", die die wohl kaum unbedeutende Metamorphose deutschen Musikgeschmacks und allgemein Lifestyles unter der Einwirkung US-amerikanischer Musik vor allem im Medium des Soldaten- und Propagandasenders AFN packend nachzeichnet. Daß Medienmoguln wie Berlusconi ähnliche Verwandlungskünste gelingen, wollen wir nicht hoffen, selbst wenn diese Hoffnung vielleicht ein wenig spät ausgesprochen wird, weswegen wir das Programm um einen Film über den "vergessenen Führer" Alfred Hugenberg ergänzen!

Nun will der Lenz uns grüßen: Er ist der Monat für Alliterationen, darum frische Filme im Frühling. Spontane Gefühle und deren cinematographischer Ausdruck. Filme, die von Ausbruch und Aufbruch handeln. Die Farbe grün als Zeichen dafür, sich sonst um nichts mehr allzu groß kümmern zu wollen. Eine neue Freiheit erleben , einfach irgendwohin gehen, ohne irgendeinem davon etwas zu sagen, zum Beispiel einfach mal in unser Frühlings-Kino.

Traditionell steht der Monat August bei uns in unserem Karlstorkino im Zeichen der Filmklassiker. In ihm feiern wir Jubiläen nach und erinnern uns an Filme, die zu schön dafür sind, dass sie sonst irgendwann gezeigt werden. Dazu zeigen wir als Dankeschön an den Internationalen Ferienkurs, der im letzten Jahr so zahlreich seine Gäste bei uns vorbeischickte, zwei Literaturverfilmungen.
Ingmar Bergman ist 85 Jahre alt geworden. Wir hatten bereits vor einigen Jahren eine Retrospektive seines Filmschaffens, die große Resonanz fand. Nun zeigen wir zu seinem Geburtstag noch einmal vier typische Filme des schwedischen Meisterregisseurs.
Die schauen sich natürlich auch unsere VorführerInnen an. Beschämenderweise jedoch geben wir erst jetzt dem hartnäckigen Drängen eines unserer dienstältesten Vorführer nach und zeigen zumindest zwei seiner Lieblingsfilme, nämlich "Pink Panther" und "Dr. Strangelove". Auf dass niemand hier bei uns die Arbeit verweigert.
Die Probleme einer Literaturverfilmung sind längst Forschungsgegenstand, denn es soll ja tatsächlich Menschen geben, die sich statt des Romans lieber den Film darüber anschauen. Das sollte erlaubt sein. Darum prozessiert bei uns im August im Kino Kafka gegen Orson Welles und Thomas Mann stapelt mit Felix Krull sommerlich hoch.
Die Idee zu einem klassischen August stammt übrigens wie so vieles von unserem Kinoreferenten Jörg Tiedjen, dem "Createur" unseres Karlstorkinos. Vor kurzem hat er seine Arbeit bei und für uns beendet, um sich neuen Aufgaben zuzuwenden. Viel Glück!

„Erotic Tales“ – ein vielversprechender Titel für einen Monats-Schwerpunkt (am 26.3. mit Einführung). So etwas ist nicht ohne Risiko, denn unter Erotik versteht ja nunmehr jede/r was anderes. Was uns hier bei der kleinen, aber feinen Auswahl an Filmen besonders wichtig war: erotische Momente sollen einer interessanten Geschichte zu Grunde liegen, in der sich diese geeignet und vielleicht auch anregend entfalten können. Wir sind auf Ihre Reaktionen gespannt! Darüberhinaus stellt dieser März schon deshalb etwas Besonderes da, weil bisher noch selten so viele Sondervorstellungen (mit Einführungen, Regisseuren, Aktionen etc.) innerhalb eines Monats bei uns zu sehen waren. Da wird es ganz sicher wieder einige unvergessliche Momente geben – ganz herzlich willkommen bei uns im Kino!

Vor 30 Jahren, am 11. September 1973, wurde in Chile Salvador Allende vom Militär mit Hilfe des CIA gestürzt. Es folgte die Militärdiktatur unter Pinochet, in der viele Oppositionelle ermordet wurden oder gezwungen wurden, das Land zu verlassen. Mit "Amnesia", einem Film von Gerardo Justiniano, möchten wir daran erinnern. Ein anderer Film für September, "Junta- Garage Olimpo" handelt vom Terror der argentinischen Militärs am Beispiel einer jungen Frau. Damit öffnen wir den Blick auf das Thema jugendlicher Erfahrungswelt. So diskutiert ein Junge in Teheran im Auto mit seiner Mutter darüber, dass. so meint er zumindest, die Frau dem Mann untertan zu sein habe ("Ten" von Abbas Kiarostami). Die Mutter sieht das allerdings anders. Auch in "Le fils", dem neuesten Film der Brüder Dardenne geht es um einen Erwachsenen und einen Jugendlichen.
Britisches Kino ist bei uns leider immer etwas unterrepräsentiert. Wir möchten dem abhelfen, darum Vorhang beiseite für den Regie-Star Mike Leigh sowie für das Filmdebüt "My Brother Tom" von Don Rotheroe. Daneben zeigen wir natürlich wieder Klassiker, auch wenn dabei schätzungsweise 30% der Zuschauer das Kino vorzeitig verlassen: "Sálo" von Pasolini ist wieder im Verleih und bei uns. Aber wir freuen uns auch auf Schönes, den "guten" Film über Frida Kahlo, der weltberühmten mexikanischen Malerin, von Paul Leduc aus dem Jahr 1984.
Eines liegt uns noch besonders am Herzen. Am 27.9 und am 28.9 läuft der Dokumentarfilm "Contergan: Die Eltern" von Andreas Fischer. Am 27. 9. wird dabei auch unsere Frau Oberbürgermeisterin Beate Weber voraussichtlich erstmals in unserem Kino anwesend sein. Es wird ihr bei uns gefallen!

Im November wagen wir wieder die Verwissenschaftlichung unseres Kinos. Ob Mathematik oder Informatik - in Zusammenarbeit mit der Heidelberg Laureate Forum Foundation (HLFF) präsentieren wir Dokumentarfilme über herausragende Persönlichkeiten besagter Disziplinen. Wir zeigen aber auch, dass Wissenschaft und Technik sehr wohl im Einflussbereich der Politik und Ökonomie stehen. Vieles davon wird im Kino sonst kaum zu sehen sein. Zu jedem Film ist ein Experte zu Gast, der in den Film einführt und die anschließende Diskussion begleitet.

Vom 3. bis 13. Mai ist es wieder soweit: Vorhang auf für cine latino 2012! Die Schau nichtkommerzieller Filmproduktionen Mittel- und Südamerikas locken traditionell neugierige Besucher, die zum ersten Mal zu uns kommen, ebenso an, wie das geschätzte Stammpublikum, das von Anfang mit dabei ist. Es reizt die prickelnde cineastische und kulturelle Authentizität, die es sonst anderweitig zu diesem Thema kaum zu sehen gibt. Man kann sich bei den Filmen über Politik und Kultur informieren, etwas spanisch oder portugiesisch lernen oder sich einfach aufs Beste unterhalten fühlen. Bleiben Sie neugierig, freuen Sie sich auf diesen cine latino Jahrgang mit vielen Gästen und Überraschungen. Hasta luego!

Im Mai ist es wieder soweit, unser Cine Latino präsentiert Ihnen eine Werkschau aktueller Filme aus Süd- und Mittelamerika. Einige sind dabei, auf die Sie vielleicht schon lange warten, denn wir lieben die Suche nach einem willkommenen Anlass. Hierbei wirkt Cine Latino wie ein Rahmen, der das Gezeigte umso sichtbarer werden lässt. Und es gibt nicht nur Film, sondern sehr viel Atmosphäre. Wir fühlen große Vorfreude.

Es gibt Filmemacher, deren Wiege war der Regiestuhl. Andere brauchen länger. [Link Reihe=105]Theo Angelopoulos[/Link] brauchte ein abgebrochenes Jura-Studium, dann eine Zeit als Journalist und Kritiker. Nach dem ersten missratenen Filmprojekt, dem ersten Kurzfilm, debütierte der 1936 geborene Athener 1970 mit "Anaparastassi". Jetzt plant er eine Trilogie über die Geschichte seiner Nation im letzten Jahrhundert. In seinen Filmen hat er nicht nur seinen besonderen, so typischen Stil entwickelt, sondern er repräsentiert darüber hinaus den Anspruch seines Landes auf kulturelle Eigenständigkeit. Die griechischen Beiträge zu unseren Filmtagen des Mittelmeers geben davon Zeugnis. Unsere kleine Retrospektive mit seinem neuesten Werk und einigen seiner bekanntesten Filme soll Ihnen jetzt erneut Gelegenheit geben, sich von Theo Angelopoulos ein großformatiges Bild zu machen.
Für Westeuropäer wurde der russische Film lange in der Hauptsache von Andrei Tarkovskij repräsentiert. Aber heute, fast 20 Jahre nach seinem Tod existiert ebenfalls eine kreative Filmproduktion, die zunehmend Beachtung findet, auf den großen Festivals prämiert wird, dabei oft in seinem Geist weiterarbeitet. Die Familie und die Landschaft sind dabei die großen Themen, so auch bei unseren Filmbeispielen [Link Film=645]"Vater und Sohn"[/Link], [Link Film=638]"Koktebel"[/Link] und [Link Film=651]"Die Rückkehr"[/Link].
Jugend und Sexualität sind ebenfalls große Themen im Film, bei Larry Clark ist diese Verknüpfung eine Obsession, die die Gemüter erhitzt. [Link Film=646]"Ken Park"[/Link] wurde gefeiert und verdammt, ein guter Grund, ihn bei uns zu zeigen, der schon traditionellen Abspielstätte für unbequeme Filme.

Im März erinnert sich das Karlstorkino seiner Tradition. Da wäre etwa die Pflege des klassisch-französischen Films, wie er etwa durch Claude Chabrol verkörpert wird. [Link Reihe=127]In Zusammenarbeit mit dem Ciné Club des deutsch-französischen Kulturkreises zeigen wir drei seiner Filme[/Link], die allesamt nicht ganz so bekannt sind wie etwa die Verfilmung der "Madame Bovary" oder "Eine Frauensache". Uns geht es eher darum, über einen Schaffensraum von 35 Jahren hinweg, von 1960 bis 1995, das Typische bei Chabrol zu zeigen, den feinen Linien der Handschrift dieses Regisseurs nachzufühlen, um damit einem unserer cineastischen Ehrengäste - Chabrol hat uns begleitet, seit es uns gibt - wieder einmal galant den Kino-Vorhang zu öffnen.
Kommt der Franzose auf die Leinwand, kommt der Finne ebenso und geht auch noch nebenan im Saal des Karlstorbahnhofs durch die Tür. [Link Reihe=128]Markku Peltola[/Link] ist Rockmusiker mit eigener Band und auf Tournee. Der gute Ruf, den sich der Karlstorbahnhof in Sachen Konzerte erarbeitet hat, führt ihn in den Saal. Aber da er auch Schauspieler ist, zeigen wir in unserem Kino auch noch [Link Reihe=128]zwei Filme von ihm, entstanden unter der Regie von Aki Kaurismäki[/Link] und bekräftigen damit die gute Zusammenarbeit mit dem Karlstorbahnhof.
Wenn das so ist, soll auch unsere Freunde des türkischen Films nichts mehr aufhalten. Wir räumen die stets knappen Parkplätze vor unserem Haus für das Raumschiff vom Planeten [Link Film=749]G.O.R.A[/Link] und bitten zur Oriental-Space-Comedy. Das ist schon ein Experiment, aber hatten wir jemals Angst vor etwas?

Bis jetzt wird die Filmkopie per LKW in einem Paket hoffentlich rechtzeitig angeliefert und dann hoffentlich fachgerecht über unseren Projektor vorgeführt. Das wird sich ändern. Wir zeigen Ihnen wie. Die Kino-Zukunft nämlich wird sein, dass die Filme über Telefon oder Parabolantenne in die Kinos gefunkt werden und dann mittels eines Beamers von einem Server (Computer) aus projiziert werden. Der Verleih Salzgeber hat darum mit verschiedenen Kooperationspartnern ein Projekt gestartet, das sich als Testläufer dieser neuen Kino-Technologie versteht. Wir wollen von Anfang an mit dabei sein, um diese kritisch zu begleiten. Darum zeigen wir im Rahmen der Reihe "Delicatessen" auf diese neue Weise in zwei Staffeln von März bis Mai sowie von September bis November jeweils am Mittwoch einen Film, den wir mindestens einmal an einem anderen Tag wiederholen. Wir beginnen mit vier Dokumentarfilmen: "Die Seele Neapels", "Durchfahrtsland", sowie "Horst Buchholz? Mein Papa", eine vielbeachtetes Porträt des deutschen Schauspielers, geschaffen von seinem Sohn, sowie "Pommerland", eine Produktion von Volker Koepp, einem der wohl profiliertesten deutschen Dokumentarfilmer. Wir sind sehr gespannt, ob alles klappt, und wie es Ihnen gefällt.
Oder mögen Sie es lieber konventionell? Es gibt im September bei uns Liebe aus Österreich, alte Männer aus Dänemark, eine israelische Mauer, wunderbaren Flamenco und Kurzfilme aus Brasilien. Wir bleiben uns treu und verändern uns, aber nur ein bisschen.

Sie kommt aus der Normandie, Truffaut gab ihr die Chance zur ihrer ersten Filmrolle, dem Scriptgirl in „Die amerikanische Nacht“. Michel Piccoli, einer ihrer späteren Filmpartner, beschrieb Nathalie Baye so: „Nathalie ist sanft, weich, doch auch bestimmt, spitzbübisch und zugleich ein Kumpel. Dann wieder schaut sie einen mit durchdringendem Blick an, dass man unwillkürlich nachdenkt, was man eben falsch gemacht hat.“ Als eine der profiliertesten Schauspielerinnen Frankreichs, die Anfang der 1980er gleich dreimal in Folge den französischen Filmpreis, den César, bekam und oft zusammen mit Gérard Depardieu spielte, ist Nathalie Baye bis heute, auch am Theater, sehr aktiv. Die Zeit für eine kleine Hommage ist überfällig, drei Filmbeispiele mögen ihre große Kunst beweisen. Vorhang beiseite für eine Grande Dame des europäischen Kinos!
Und unser Vorhang bleibt dann offen für zwei große alte Herren. Natürlich kennen Sie Laurel & Hardy als Dick & Doof in deutscher Synchronfassung im öffentlich rechtlich Vorabendprogramm von einst. Aber es gibt auch Aufnahmen, auf denen sie sich persönlich mit unserer schweren (deutschen) Sprache abmühen. Und diese präsentieren wir jetzt am Aktionstag der Kommunalen Kinos, der traditionell am 31. Oktober begangen wird. Wir alle sind gespannt, wie sich das anhört.

Natürlich war der gewaltsame Tod von George Floyd auch ein Grund. Aber es ist darüber hinaus überfällig, sich endlich damit zu beschäftigen, wie filmisches Engagement gegen Rassismus nicht nur gegenüber dem afroamerikanischen Teil der US-Bevölkerung in den letzten Jahren aussah. So fassen wir zusammen und präsentieren Schlaglichter, zum Teil sehr erfolgreiche Filme, die gerade in deren geschichtlichen Rückblick viele Aspekte aufgreifen und damit das Thema in einen breiteren Kontext stellen.
Doch das reicht nicht. Zudem präsentieren wir eine Werkschau von Andrej Tarkowskij, praktisch komplett, denn sein Werk hat uns von Beginn an begleitet. Sind wir zu ehrgeizig? Wenn, dann nur wegen Ihnen. Wir freuen uns!

Geboren wurde sie am 16. März 1955 in Paris. Ihr Vater war Sicherheitsingenieur, ihre Mutter Englischlehrerin. Schauspielunterricht nahm sie mit 14, ihr Filmdebüt gab sie 1971. Heute ist sie als Darstellerin tiefgründiger, fragiler und willenstarker Charaktere die wohl mit berühmteste Schauspielerin Frankreichs. Zeit für eine Hommage an sie, Isabelle Huppert. Wir zeigen mit „La Dentellière“ sowie „Loulou“ zwei frühe Filme, mit „La Séparation“ einen ihrer typisch-französischen Melodramen sowie denjenigen Film, mit dem sie weltberühmt wurde, „Madame Bovary“, gedreht von ihrem „Hausregisseur“ Claude Chabrol. Denn Stars gehen auf und fallen, KünstlerInnen entwickeln sich weiter.
Wir danken dem Bureau du Cinema, Berlin für die freundliche Unterstützung. Die Filmreihe erfolgt in Kooperation mit dem BCU / dfK, Heidelberg.

In diesem März flattern wir durch die Nacht, denn sie gehört zu uns. Und wir beißen zu und saugen das Blut derer wir begehren. Es gab vor langer Zeit schon einmal einen Monat mit Vampirfilmen bei uns im Karlstorkino, er war einer der Höhepunkte unserer nächtlichen Kreativität. Endlich kommt die Fortsetzung. Die Aktualität dieser Thematik mit all ihren Verfallsformen ist uns bewusst. Aber wir sind unsterblich und überdauern die Jahrhunderte.

Auf der Flucht vor Wölfen verliert eine Eisbärenmutter ihr Kleines. Um sie zu trösten, stiehlt ihr Mann für sie ein Menschenkind. Jahre vergehen. Der Junge wächst unter den Eisbären auf,
bis sein Vater ihn wiederfindet und zurück nach Hause bringt. Doch dort wird er nicht glücklich. Er fühlt sich fremd unter den Menschen und wünscht sich nichts sehnlicher, als ein Eisbär
zu sein … Poetische Verfilmung eines Inuitmärchens, die mit lichten Aquarellzeichnungen und bezaubernden
Harfenklängen ins ewige Eis entführt. Eine Geschichte vom Aufwachsen, von der Beziehung zwischen Mensch und Natur und der Freiheit, selbst zu entscheiden, wer man sein möchte.

Frisch renoviert riskieren wir im Januar etwas, was wir so bisher noch nicht gemacht haben. Denn wir vergleichen zwei (Real-)Satiren miteinander und lassen darüber den Regisseur, zumindest den einen, darüber zu Wort kommen. Gut, Vergleiche setzen etwas zu Vergleichendes voraus. Wir werden sehen, wo BORAT - ja, wir wagen es diesen Streifen auch bei uns zu präsentieren - und DECKNAME DENNIS, so das quasi deutsche Pendant, die üblichen und die unüblichen Ähnlichkeiten und Unterschiede aufweisen. Thomas Frickel, der DECKNAME DENNIS-Regisseur, wird anwesend sein, um locker durch den Abend zu führen. Vielleicht wissen wir dann anschließend, warum wir lachen - und lachen trotzdem weiter.

Ob man mit diesem Regisseur gerne zusammengearbeitet hat? Schauspieler tratschen, er hätte oft gesagt: „Das war ganz toll, also gleich noch mal!“ Er lies manche Szenen bis zu 50 Mal wiederholen, die Kunst gibt ihm später recht, der Ruhm sowieso. Stanley Kubrick ist weit mehr als einer der berühmtesten Regisseure, er ist die Verkörperung von Kino - einem der Effekte, der Verführung und der Gefühle. Er hat das Kino großartig gemacht, es über andere Kunstformen erhoben. Sein Werk ist schmal, er drehte nur wenige Filme, dies aber perfekt. Er brillierte in allen Genres und blieb doch immer sich selbst treu. Stanley Kubricks Filme waren auch in der Vergangenheit öfters Gast bei uns im Kino, jetzt aber gibt es eine beinahe vollständige Retrospektive zu sehen. Dem Argument mancher Cineasten, die mit Kubrick groß geworden sind, ihn also auch vom Kino her gut kennen, muss entgegen gehalten werden, dass jüngeren Filmfreunden seine Meisterwerke heute oft nur vom Hörensagen bekannt sind. Auch darum öffnen wir unseren Vorhang nun ganz weit für einen der ganz Großen der Filmgeschichte.

Wir hatten vor Jahren schon einmal eine Retrospektive mit Filmen der Coen-Brüder, aber die beiden arbeiten so fleißig, dass wir nun erneut eine kleine Werkschau machen wollen, die erneut beweist: Joel und Ethan Coen sind derzeit die vielleicht kreativsten, witzigsten und respektlosesten Regisseure. Ferner hat der große Erfolg mit unserem Thema-Schwerpunkt „Religion“ aus dem letzten Dezember uns Mut gemacht, uns quasi zu spezialisieren. Die Weltreligion „Buddhismus“ rückt in unser cineastisches Auge und damit zugleich auch die Konfliktregion Tibet. So starten wir darüber ebenfalls eine kleine Filmreihe, die nicht nur informieren und begleiten soll, sondern auch Rezeptionsklischees über den Dalai Lama in unserer westlichen Kultur anspricht. All unseren Besuchern und Freunden wünschen wir schon jetzt schöne Festtage und viel Glück für 2009!

Audrey Hepburn ist eine der Künstlerinnen, die einen ganz eigenen Stil begründeten. Waren Sie vielleicht vor ein paar Jahren in der Ausstellung im Frankfurter Filmmuseum? Erinnern Sie sich an Ballettschuhe in allen Farben und an den verschrammten Motorroller? Requisiten, die Sie nun erneut werden sehen können. Dort wo sie hingehören: in die Filme mit Audrey Hepburn. Der Wonnemonat Mai wird zum Monat der Hommage. Geboren 1929 in Belgien (Audrey Hepburn würde am 4.5.2009 ihren 80. Geburtstag feiern), aufgewachsen in den Niederlanden und später in England kam sie in die USA und wurde dort schnell für Hollywood entdeckt. Audrey Hepburn wurde weltberühmt, aber leider zu oft auf die Rolle einer Kindfrau reduziert. Es ist an der Zeit, zu begreifen, welches Können in dieser zierlichen Person steckte, die 1993 in der Schweiz verstarb und sich in ihren letzten Lebensjahren sehr für humanitäre Zwecke engagierte.

Schwerpunkt „Kinderkriegen“: nein, mit kommenden Elternfreuden unseres derzeit (fast rein männlichen) Programmgestaltungsteam hat dies nichts zu tun. Stattdessen war wohl das Charisma der Regisseure Silvia Haselbeck und Erich Langjahr, die mit ihrem jüngsten Werk GEBURT einen außergewöhnlich schönen Dokumentarfilm gedreht haben und diesen im Juni auch persönlich bei uns vorstellen werden, der Anlass für diesen eher ungewöhnlichen Schwerpunkt. Es soll eben um Geburt, Kinder und Nachwuchs gehen - und vieles, was mit diesen Themen zusammen hängt. Besonders hinweisen dürfen wir diesen Monat auch auf unseren „Film des Monats“: MAMMOTH – MAMMUT von Lukas Moodysson. Ein Film, der eindringlich ein paar empfindsame Seelen dieser Welt beleuchtet und manchmal melancholisch, aber nie hoffnunglos einige grundsätzliche Fragen des Lebens sehr angemessen behandelt. Wir wünschen einen wundervollen Monat und freuen uns auf Ihren Besuch!

Flucht und Fremde haben wir unser ehrgeiziges Projekt für den Schwerpunkt im März genannt. Spiel- und Dokumentarfilme darüber was es heißt, seine Heimat verlassen zu müssen. Sie formulieren damit eine cineastische Antwort auf Vereinfachungen, genährt von Ressentiments und Ängsten. Interessant, wie vielfältig unsere Filme zu diesem Themenkomplex dabei ausfielen und wie inspiriert manche dabei gerieten.

heute keine Vorstellung

Nach heftigen Diskussionen erfüllt sich im Februar ein geheimer Wunsch: Einmal in unserem Karlstorkino einen so richtig schlechten Film zu zeigen. Aber Kultfilm darf er dabei schon sein, also etwa etwas von Ed Wood und dank James Francos Biopic auch „The Room“. Boshaft sei hier vermutet, es gibt bei uns nämlich Cineasten, die auch solch einem „Filmkunstwerk“ ein paar positive Elemente zugestehen würden.

Extremsportarten im Kino, das mag ungewöhnlich sein. Aber es gab in den letzten Jahren tatsächlich diese auffällige Anhäufung an Spiel- und vor allem auch Dokumentarfilmen zu dieser Thematik. Wobei natürlich dann konkret immer die Frage bleiben wird, ob die eine oder andere Sportart wirklich extrem genannt werden kann oder sich überhaupt noch als Sport verstehen lässt. Sei es drum, die spannendsten und besten Filme über Sport sind auch in einer Form gehalten, die ähnlich extrem ausfällt wie das Dargestellte. Und so wiederum ist eine solche Filmreihe längst überfällig bei uns im Kino. Auch extrem unsportliche Zuschauer sind herzlich willkommen.

Filme über Bildende Kunst versprühen ihren besonderen Reiz. Denn das eine bildhaft darstellende Medium nähert sich dem anderen an, allerdings ganz verschieden. So gibt es Filme über Kunst und Künstler, die den Stil des jeweils Porträtierten aufgreifen, ja nachahmen. Und andere verhalten sich ganz bewusst distanziert und neutral dazu. Beides sind mögliche Wege, dem Thema gerecht zu werden. Unser Schwerpunkt für April präsentiert Beispiele für Fiktionalisierung künstlerischer Arbeit, für Dokumentation oder für die suggestive filmische Rekonstruktion einer Aura, die vom Kunstwerk ausgeht. Schön dabei, dass es hier ein Wiedersehen mit Filmen gibt, die früher schon große Erfolge bei uns im Karlstorkino waren. Aber auch viele Heidelberger Erstaufführungen sind bei den insgesamt 9 verschiedenen Filmen mit dabei.

Traditionell ist der Januar der Monat, in dem wir uns alle in Schale schmeißen. Denn dann werden wir das Mekka aller sonnenverwöhnten Cineasten. Bereits zum 18. Mal finden die "Filmtage des Mittelmeers" statt. Wir freuen uns sehr auf ihren großen Ansturm.
Mit unserem regulären Programm möchten wir dazu pointierte Gegenakzente setzen, insbesondere in filmgeographischer Hinsicht. Es muss nämlich nicht immer Marseille sein, Barcelona, Lissabon, Jerusalem oder Kairo. Nein, wie wäre es zum Beispiel mit einem Film von dort, wo Köln am langweiligsten ist: Westend, ein Viertel ganz weit weg vom Dom-Tourismus. Ausgerechnet dort drehte Markus Mischkowsi seinen gleichnamigen, ersten abendfüllenden Film, geradewegs von der Straße, wo die Trinkhalle steht.
Es gibt wahrscheinlich auch dazu ein "Ostend", etwa die Einöde mancher osteuropäischen Siedlungen, wie etwa in Mähren. Dort wurde "Wilde Bienen" gedreht, eine Komödie mit sozialkritischem Einschlag, die vor allem eines sein möchte, unverwechselbar und anders als die Filme, die man sonst über Leute sieht, die nichts tun, außer warten, dass etwas geschieht.
Mit "In this world" von Michael Winterbottom, einem preisgekrönten Film, wagen wir uns wieder einmal an ein Thema, das uns in unserem Kino schon öfters angesprochen wurde, das Problem der Migration und das Problem, für deren filmische Darstellung, eine authentische Form zu finden. Michael Winterbottom ist dies gelungen.
Nach Norden möge unsere Reise dann auch noch gehen. Hoch hinauf nach Island in die Welt von Friðrik Thór Friðriksson. "Islandfalken" heißt sein neuester Film, ein schön fotografiertes Melodram um eine gestörte Vater-Tochter-Beziehung, in dem jene seltene Vogelart eine besondere Rolle spielt.
Und dann gibt es neben "Derrida", einem Portrait des französicshen Philosophen, noch einen gefiederten Klassiker, nein, nicht Hitchcock; die Vögel, die wir zeigen sind intelligenter, nicht bösartig und haben vor allem uns etwas zu sagen: gemeint ist Pasolinis "Große Vögel, kleine Vögel". Hört ihnen zu und geht in unser Kino!

Ungewöhnliche Themen sind der Schwerpunkt unseres Märzprogramms 2004. Dabei geht es uns weniger darum, im allgemeinen Tabu-Bruch-Wettbewerb mitzumachen, sondern darum, zu zeigen, dass es Filme gibt mit einem Thema, das noch nicht verfilmt wurde. "Claire- Se Souvenir des Belles Choses" von Zabou Breitman ist zum Beispiel solch ein Film: Sehr einfühlsam schildert er die Geschichte einer Liebe im Zustand der Erinnerungslosigkeit und des Gedächtnisverlusts. "Choses Sécrètes - Heimliche Spiele" von Jean-Claude Brisseau hingegen entwickelt in strenger Künstlichkeit ein Spiel von der Macht der Körper im Kampf der Geschlechter Mann und Frau. Und "Empathy" von Amy Siegel wiederum führt uns, nicht ohne ironisches Augenzwinkern, ins Reich der Psychoanalyse und Psychoanalytiker.
Eine besondere Ehre für uns ist es, in unserem Karlstorkino ein Werk eines Regisseurs zu präsentieren, der wahrlich zu den ganz großen seiner Zunft gehört: John Cassavetes "Opening Night" fand damals beim Publikum kein Verständnis und verschwand schnell darum aus dem Verleih. Jetzt ist es wieder zugänglich. Auf solche Glücksmomente arbeiten wir hin.

Einmal meinte jemand, wenn man sich einen Film einmal angesehen hat, dann würde das auch reichen. Die Erfahrung des Kinogängers aber verhält sich anders. Sich einen Film nochmals ansehen und ihn sich immer wieder ansehen zu müssen, ist ein bekanntes Phänomen. Die einen gehen nach der Premiere gleich noch mal rein, damit sozusagen der visuelle Sog, in den er den Zuschauer gezogen hat, nicht nachlässt. Andere dagegen sehen ihren Lieblingsfilm mit zeitlichem Abstand immer wieder an. Als Zuschauer hat man sich verändert, gilt das auch für den Film?
Die Klassiker, traditionell Schwerpunkt unseres Programms für den Monat August, leben davon, sie sich zum xten Mal anzuschauen. Als vor einigen Jahren in unserem Karlstorkino einst "Down by law" lief, lachten unsere Gäste bereits bei den ersten Szenen schallend los. Nicht nur, weil die ersten Gags bereits so gut sind, sondern natürlich auch, weil sie wussten, dass der ganze Film so weitergeht, man lachte, um sich einzustimmen.
Soweit Jim Jarmusch, der außerdem noch in "Blue in the face" einen Kurzauftritt hat, doch wie wird es Ihnen gehen, wenn sie Filmklassiker wie "Blow Up" oder "A bout de souffle" noch mal erleben? Werden sie zuvor einen Wagen stehlen und dann einen Polizisten erschießen oder bringen sie wenigstens ihren Fotoapparat ins Kino mit? Sie wissen, dass wir ein Fotolabor haben?
Aber vielleicht ist alles ganz anders. Wir nämlich machen ebenso die Erfahrung, dass viele Filmklassiker nicht bekannt sind, das liegt auch an den Verleihen und dem Umstand, dass Filme nicht ewig halten. Also sehen sie besser jetzt, bevor es zu spät ist, den kleinen visuellen Unterschied zwischen einer 35 mm Kopie, einer DVD oder einem Video.
Und der August vergeht bei uns nicht ohne kleine Sensation: "Love and Duty" ist das, was man eine Ausgrabung nennt, ein Blick in das Filmland China der frühen 1930er Jahre Diesen Film wird wohl kaum einer schon einmal irgendwo gesehen haben, es sei denn Sie sind ein alter Chinese. Wir zeigen den Film nämlich als europäische Erstaufführung. Wenn das der Fall sein sollte, wünschen wir Ihnen beim Wiedersehen ein ganz besonderes Vergnügen.

Wenn wir etwas sein möchten, dann ein Kino für politische Filme. Der schöne, ja großartige Erfolg, den wir im Februar letzten Jahres mit unserer ersten "Globale" hatten, gibt uns den Mut, dieses in Heidelberg wohl einzigartige Festival diesmal aus organisatorischen Gründen im Juni fortzuführen.
Die Filme, die wir sonst in diesem Monat zeigen, verstehen sich zum Teil dazu durchaus als Ergänzung. Sei es in Form eines Science-Fictions mit politischer Thematik wie in "Code 46", dem neuen Film von Michael Winterbottom, sei es in den Dokumentarfilmbeiträgen zur diesjährigen Afrika-Woche im Karlstorbahnhof. Gerade der beklemmende "Darwins Alptraum" sorgte im Vorfeld für viel Aufsehen.
Aber auch eine so scheinbar harmlose wie liebevoll ins visuelle Detail verliebte Satire wie Jacques Tatis "Trafic" offenbart uns unsere alltäglichen Absurditäten, über die wir maulen und jammern, um sie danach wieder hinzunehmen. Also essen wir in diesem Monat keine Barsche und fahren nicht mit dem Auto ins Kino? Unsere slowenischen Filme jedenfalls mögen erneut beweisen, wie filmkreativ die kleinen europäischen Länder zur Zeit sind und darum haben wir zwei für Sie noch unbekannte Beispiele ausgewählt und freuen uns auf ihr Kommen. Der stetig steigende Zuspruch für diese cineastischen Landschaften macht uns einfach Laune.

Nein, leider konnte dann Ryan Gosling doch nicht bei uns im Kino vorbei schauen, um in Heidelberg ein paar seiner Filme persönlich vorzustellen. Aber nun würdigen wir ihn schon beinahe zu Jugendzeiten – einen Schauspieler, der mit gerade einmal 32 Jahren weltweit zu einem der angesagtesen derzeit zählen dürfte. Seinen Durchbruch hatte Ryan Gosling bekanntlich mit DRIVE, wo er einen grundsätzlich guten Menschen in einem schlechten Milieu spielt. Einen Typus, den er in einer ähnlichen Art auch in anderen Filmen verkörpert – wenn auch nicht immer unumstritten, wie zuletzt in Cannes zu ONLY GOD FORGIVES. Doch auch für die Komödie ist er tauglich, war zudem schon Serienheld und ist auch erfolgreich unterwegs als Musiker mit eigener Band (Dead Man’s Bones). Wir wünschen einen schönen Kino-Sommer!

Selbst ins Leben gerufenen Traditionen sind zumeist solche, die man auch gerne fortführt. Vor einigen Jahren hatten wir die Idee für „Junges Amerikanisches Kino“ im Sommer – es stellte sich ein überraschender Erfolg ein, der uns bis heute weitermachen lässt. Damit möchten wir auch zeigen, dass so ein Ferienmonat wie der August cineastisch nicht nur gnadenloses Chill-out bei gehobenen Temperaturen heißen muss, sondern sehr wohl auch Reiz, Kontroverse und Anregung bedeuten kann – oder einfach nur die große Schönheit. Die wir auch in LA GRANDE BELLEZZA in Rom finden werden, einem mehr als bemerkenswerten italienischen Beitrag, der in Heidelberger Erstaufführung bei uns läuft (natürlich nur in OmdtU). Lustwandeln Sie also mit uns in großer Schönheit durch diesen Sommer – zu uns ins Karlstorkino!

„Innerhalb der wuchernden Medienlandschaft stellt der Dokumentarfilm eine ebenso beglückende und notwendige Einzigartigkeit dar wie auch permanente Herausforderung an die gesellschaftlichen und ästhetischen Möglichkeiten der siebten Kunst“, so lautet die Eingangsthese von „Poeten, Chronisten, Rebellen“ eines Porträts internationaler DokumentarfilmerInnen, herausgegeben von Verena Teissl und Volker Kull, Vorstandsmitglied des Heidelberger Medienforums. Dokumentarfilme stehen weiter im Brennpunkt cineastischen Interesses. Darum haben wir jetzt im Juli wieder einen besonderen Akzent auf sie gelegt und freuen uns besonders auf spektakuläre Werke wie „Workingman’s death“ oder Musikalisch-Sinnliches wie „Opernfieber“. Auch „El perro negro – stories from the Spanish civil war“ oder „Mädchen am Sonntag“ , unsere Antwort auf den Theatermarathon, beweisen erneut die enorme Vielfalt dessen, was unter dem Etikett „Dokumentarfilm“ mittlerweile eigentlich gar nicht mehr zu fassen ist.
Aber auch der italienische Spielfilm in untertitelter Originalfassung soll nicht zu kurz kommen, darum „Dopo Mezzanotte“, ein wunderbares Beispiel für intelligentes und immer auch ein bisschen verspieltes europäisches Kino. Wenn man schlicht Lust hat, bei all den immer wieder kommenden „summer events“ einfach nur mal wieder einen schönen Film zu sehen, so nach Einbruch der Dunkelheit, wenn die ersten Sterne aufziehen.

Es gibt nicht nur ständige Remakes im Kino. Es gibt auch Filme, die zu anderen Filmen ihres Regisseurs in Beziehung stehen. Das wollen wir im Filmmonat März verdeutlichen. Zum Beispiel an Alejandro Gonzalez Inárritus Trilogie oder auch an den großartigen Filmen von Chan-wook Park oder Clint Eastwood. Filme, die ein gemeinsames Thema haben, das immer wieder raffiniert variiert wird und damit zusammen eine besonders übergreifende und komplexe Erzählung darstellen.

Dazu gibt es wieder eine Retrospektive eines berühmten Regisseurs. Sie erinnern sich vielleicht noch an unsere Hommagen an Wim Wenders, Rainer Werner Fassbinder oder Ingmar Bergmann? Nun haben wir Woody Allen im Angebot. Sagen Sie nicht, Sie kennen die meisten seiner Filme schon. Eine Präsentation en bloc hat ihren ganz eigenen Charakter, zumal Melodram wie Komödie und auch endlich sein zweitjüngstes Werk MATCH POINT den Weg in unser Kino gefunden hat. Stationen und Obsessionen eines Künstlers, der sich selbst zum Markenzeichen eines melancholischen Humors gemacht hat, in dem er die Absurdität der Existenz verdeutlicht.

Wir vom Karlstorkino haben uns bei unserem Schwerpunkt im Oktober für Filme mit Scarlett Johansson entschieden. Die gebürtige New Yorkerin gab bekanntlich schon vielen wichtigen Filmen bedeutender Regisseure ihren Charakter, was sicherlich an ihrer einzigartigen Verbindung von erotischer Ausstrahlung und schauspielerischem Können liegt. Eine kleine Werkschau von frühen Filmen wie aktuellen Produktionen möge genügen, ihre charakteristisch raue Stimme hörbar zu machen; ebenso ihre strengen Gesichtszüge zu offenbaren, bei denen immer ein Geheimnis übrig bleibt.

Diesen Dezember haben wir uns einen ungewöhnlichen Schwerpunkt vorgenommen. Und zwar einen für viele Millionen von Menschen. Etwa 34 Millionen haben am letzten „Kumbh Mela“ teilgenommen. Das größte Fest der Hindus, das „Fest des Kruges“, gründet auf einem komplexen Mythos und wird in einem speziellen Turnus an vier verschiedenen Orten Indiens ausgerichtet. Im Zentrum stehen rituelle Waschungen in einem großen Fluss und das Treffen der Mönche, genannt Sadhus. Das nächste Treffen findet laut Wikipedia im Jahr 2015 in der Nähe der indischen Stadt Nashik im Bundesstaat Maharashta statt. Doch zuvor sollten Sie sich vielleicht genauer informieren. Zum Beispiel über unsere vier Dokumentarfilme zu diesem außergewöhnlichen Thema. Wir wünschen spirituelle Unterhaltung!

Wann haben Sie zuletzt einen aktuellen Film aus Italien gesehen? Vielleicht seit unserem letztjährigen „cinema! italia!“ nicht mehr. Die Wiederaufnahme dieser Reihe in unser Kino-Programm entpuppte sich als wahrer Glücksgriff, denn cineastisch geriet sie zu einem unserer Höhepunkte mit teilweise künstlerisch überragenden Filmen, inhaltlich spannend, formal atemberaubend – keine Übertreibung! Jetzt geht es weiter und wir garantieren adäquate Fortsetzung. Ergänzt wird dies durch besondere zeitgeschichtliche Dokumentationen oder ausgesucht ästhetische Filme aus Ostasien. November ist im Heidelberger Kulturjahr traditionell eine Zeit höchster Betriebsamkeit. Wir haben dazu einen markanten Gegenakzent gesetzt, der Ihren Erwartungen gerecht werden wird.

Welcher ist derzeit der wichtigste Filmregisseur? Eine müßige Frage, aber Wong Kar-wai ist ganz sicher eine richtige Antwort. Geboren in Shanghai 1958, aufgewachsen in Hongkong, studierte Wong Kar-wai Grafikdesign und dreht seit 1989 Spielfilme. Ist z.B. CHUNGKING EXPRESS noch ein typischer Vertreter des einst in den 90ern stürmisch gefeierten Hongkong-Films, schuf er mit IN THE MOOD FOR LOVE und der Fortsetzung 2046 cineastische Kunstwerke von höchster Originalität. Mit MY BLUEBERRY NIGHTS hat er nun einen Stilwandel und Ortswechsel vollzogen, nur um sich weiter treu zu bleiben: einst neonlaut in der Metropole, nun sanft und ruhig in der Weite der USA. Der Zeitpunkt einer ersten Bestandsaufnahme diese Ausnahmeregisseurs liegt also ideal, legitim auch dadurch, weil viele seiner Filme Bezug aufeinander nehmen. Wong Kar-wai: unser Schwerpunkt für den Kinomonat März. Sind sie in Stimmung für die Liebe, die Liebe (nicht nur) zum Kino?

Keine Programmplanung ohne Grundsatzdiskussion. Junges amerikanisches Kino ist wieder angesagt. Der große Erfolg der Reihe im letzten Jahr ermutigten uns zu einer Wiederholung. Was ist ein junger Film? Wenn etwa der Regisseur jung ist? Wenn ein junger Mann einen Film dreht, wie ihn ein Altmeister nicht besser hingekriegt hätte (siehe Paul Thomas Anderson)? Oder wenn Larry Clark erneut einen Film vorlegt, den auch ein Debütant nicht schwungvoller und aggressiver hinbekommen hätte? Unser Auswahlergebnis ist ein Beispiel für Gesprächskultur ohne Ausgrenzung anderer Ansichten. Wir hoffen sehr, diese gefällt auch Ihnen!

Cine Latino war und ist schon immer ein ganz besonderes Festival. Zunächst ist es ein Musterbeispiel einer gelungenen Zusammenarbeit zwischen einzelnen Kinos in Deutschland und Europa, die ebenso diese Reihe präsentieren oder Kooperationspartner sind. Darüber hinaus zeigt es nicht nur Filme aus diesem Subkontinent, sondern integriert die Vorführungen in eine umfassende Schau (Festival Latino) der aktuellen Situation dieser Länder. Was uns ebenso wichtig ist: während der Cine Latino Zeit spielt das Karlstorkino ganz besonders intensiv für den interessierten Zuschauer, es unterhält ihn, es beglückt ihn, es mutet ihm aber auch etwas zu. Denn das Kino dieser Regionen versteht sich aufs Experimentieren. Oft nämlich provozierte Lateinamerika mit seiner Entwicklung die übrige Filmwelt und genauso selbstverständlich greifen dortige Regisseure häufig Themen auf, die sie stilistisch oft betont eigenwillig umsetzen. Filme als Herausforderung, typisch südamerikanisch. Nehmen Sie doch diese Herausforderung an, wir würden uns freuen! Schwerpunkt dabei ist das aktuelle Filmschaffen aus Mittelamerika und eine Retrospektive zum kubanischen Film (im Mai).

Das Karlstorkino kümmert sich wie kaum ein zweites Kino in Deutschland um den Kurzfilm. Seit 10 Jahren präsentieren wir Vorfilme vor jeder Vorstellung. Zusätzlich zeigen wir regelmäßig ausgesuchte Kurzfilmprogramme wie den „Deutschen Kurzfilmpreis Unterwegs“, die Kurzfilmrolle „Augenblicke“ oder seit einigen Jahren auf den „Heidelberger Filmabenden“ und später bei „Zum Goldenen Hirsch“ auch die Highlights aus der regionalen Filmszene. Nach acht ausverkauften „Hirschen“ seit September 2007 ist das Karlstorkino für die große Abschlussveranstaltung nun zu klein geworden: wir ziehen um in den großen Saal des Karlstorbahnhofes für DEN GROSSEN ENDHIRSCH, unserem gleichzeitiges Schwerpunkt des Monats Juli. Dabei wagen wir auch zum ersten Mal in der Geschichte unseres Kinos eine Open Air Vorstellung vor dem Kino. Lassen Sie sich überraschen, wie bunt und vielfältig die regionale Filmszene ist! Und besuchen Sie das hochwertige Begleitprogramm, welches nur durch die Hilfe zahlreicher Partner, Sponsoren und Unterstützer möglich geworden ist. Dafür sagen wir: herzlichen Dank!

cinema! italia! ist einer unserer beliebtesten Monats-Schwerpunkte; eine Reihe, die bei uns regelmäßig im November wiederkehrt. Und auch weiterhin einen repräsentativen Querschnitt der italienischen Produktion der letzten Jahre abbildet. Einerseits, was die Genres betrifft – andererseits, was die Geografie anbelangt. Komödie, Beziehungsdrama oder Krimi (natürlich auch ein Mafia-Film); Lecce, Bologna, Mailand, die Dolomiten oder einfach nur ein Schwimmbad. Allesamt Beweise einer cineastischen Vitalität, die auch ein Berlusconi nicht zerstören kann. Lieben Sie Italien – und kommen Sie im November zu cinema! italia!

Nach unserem sehr erfolgreichen Stummfilmsymposium 2009 wollen wir uns in diesem Monat erneut dem Stummfilm zuwenden – diesmal zum Thema „Palästina - das Heilige Land im frühen Film“. Freuen Sie sich schon jetzt auf zwei besondere Tage, die versuchen werden, über ein ausgewähltes Programm, Einführungen und ausreichend Zeit für Diskussionen tiefer in die (Film-)Geschichte dieses Landes einzudringen. Ganz besonders im April auch zu empfehlen: DER RÄUBER, unser Film des Monats. Zu Recht kürzlich auf der Berlinale euphorisch gefeiert, weil ein ausgesprochen dynamischer, Kraft strotzender, ernster, glaubwürdiger, in Zwischentönen auch komischer Film über einen faszinierenden Fall aus der österreichischen Kriminalgeschichte.

Junges amerikanisches Kino schert sich nicht um das Alter des Regisseurs. Es geht auch eher dabei um Vitalität, um das freche Spiel mit traditionellen Formen ebenso wie dem mutigen Erzählen neuer Geschichten. Augenfällig ist oft eine schnörkellose Direktheit der Darstellung. Man geht den Dingen auf den Grund, greift sie von der Straße. So oder ähnlich lässt sich der Reiz des nicht primär kommerziellen US-Gegenwartskinos beschreiben. Wir denken, so etwas passt ganz gut zu einem Monat des Aufbruchs.

Erinner dich, vergiss es! Filme über das Gedächtnis, über das Erinnern und das Vergessen bilden unseren Juli-Schwerpunkt. Es soll dabei weniger um das poetische, das künstlerische Erinnern als Voraussetzung der Produktivität gehen, sondern darum, wie sich „Erinnern und Vergessen“ im Film wiederfinden lassen, sei es im Spielfilm, sei es in der Dokumentation. Auffällig dabei ist natürlich das Thema des Gedächtnisverlusts, eine Anomalie, von der aus dieser Schwerpunkt maßgeblich angegangen wird. Besonders hinweisen dürfen wir auch auf eine Sonderveranstaltung des Films AUF DER SUCHE NACH DEM GEDÄCHTNIS (Sonntag 4.7., 19 Uhr) mit Einführung zum Thema "Gedächtnis aus neurobiologischer Perspektive". Nicht zu vergessen: unser Film des Monats, der großartige MOON von Duncan Jones, der international bereits völlig zu Recht als einer der besten Science Fiction Filme seit BLADE RUNNER beschrieben worden ist. Wir wünschen einen erinnerungswürdigen Kino-Monat!

Cinema Italia präsentiert uns dieses Mal eine besonders breite Auswahl an Filmen aus Italien, einige von ihnen haben sehr ungewöhnliche Themen wie etwa über das Liebesleben siamesischer Zwillinge oder über die Zeugen Jehovas. Andere präsentieren uns Lieblinge wie Toni Servillo oder Altmeister wie Gianni Amelio. Das vermeintliche Lieblingsland der Deutschen bleibt auch weiterhin cineastisch ungebrochen attraktiv.

Tanz und Film, was haben sie gemeinsam? Die Bewegung im Raum sicherlich, wahrscheinlich noch vieles mehr. Filme können wie Tanz sein, sie können auch Tanz zeigen. Letzteres bestimmt unseren Schwerpunkt im März, ersteres ist dabei nicht ausgeschlossen. Die Dokumentation, ein Blick auf die Arbeit der Künstlerinnen und Künstler, ist dabei primär. Zudem auffallend: die Thematisierung, wie Nichttänzer zu Tänzer werden können. Denn: „Jeder ist ein Tänzer, eine Tänzerin.“ (Anna Halprin). Film als Verführung zum Tanz. Also tanzen Sie in den März. In unserem Kino – und dann gerne noch anderswo. Wir danken dem Theater der Stadt Heidelberg für die großartige Unterstützung!

Der Monat April gehört der Frau und ihrem Film. Eben nicht nur als Schauspielerin, sondern als Regisseurin oder als Frau hinter der Kamera. Es wird glücklicherweise wieder verstärkt angesprochen, es gibt davon einfach zu wenige! Und wir wollen darum ein Statement setzen – für die Frau als Filmschaffende. Konsequent darum, dass auch bei unserem traditionellen Stummfilmsymposium Regisseurinnen im Mittelpunkt stehen.

Ein gutes Jahr hat das italienische Kino in seiner Heimat hinter sich, in Deutschland war davon leider noch nicht so viel zu sehen. Darum: cinema! italia! – noch italienischer als bisher, soll heißen: die ausgewählten sechs Filme (plus einem Bonus-Film) sprechen noch stärker Themen an, die man bei uns oftmals mit Italien verbindet. So besonders die Familie und die Familienverhältnisse. Die Beziehungen zwischen den Partnern und den Generationen werden zu den eigentlichen Schwerpunkten, mit denen man sich auch historischen und politischen Sujets nähert. Das ist natürlich nur ein roter Faden, den man bei aller sonstigen formalen Vielfalt durch diese ausgewählten Filmbeispiele ziehen kann. Gerade wer aber schon wiederholt bei cinema! italia! zu Gast war, wird ein Auge für solche Auffälligkeiten haben. Natürlich sind alle Filme wie immer im Original mit deutschen Untertiteln zu sehen. Also avanti!

?Frauenwelten I?, das wir im März bei uns hatten, war ein schöner Erfolg. Es gibt eben doch dieses Interesse von Frauen an besonderen Filmen über sie selbst. Und nun legen wir nach: Im Rahmen der ?Frauenwelten II? zeigen wir endlich auch einmal so ästhetische Filme wie ?The Piano?, dazu eine exklusive Heidelberger Erstaufführung mit dem in Cannes preisgekrönten, neuesten Film von Samira Makhmalbaf ?At 5 in the afternoon? und ? man höre und staune - als absolutes Highlight mit ?Real women have curves? von Patricia Cardoso eine echte Deutschlandpremiere.

?Cine Latino Spezial? dagegen brennt nach wie eine Überdosis Tabasco: Noch einmal ?Junta? und dazu ?Japón?. Wir wären eben nichts ohne unsere spanisch sprechenden Filmfreunde und Freundinnen.

Hatten Sie darüber hinaus nicht auch bislang den Eindruck, dass man bei uns zwar oft gute, ja sehr gute Filme schauen kann, aber so etwas richtig Lustiges es jedoch eher selten zu sehen gibt? Das liegt - wir geben es zu - in erster Linie an dem bisweilen sehr seltsamen Humorverständnis mancher Mitarbeiter, die sich die Maxime, Humor, sei, wenn man trotzdem lache, zu sehr ans Herz gelegt haben. Wenn alle Zuschauer betreten dreinschauten, einer der Mitarbeiter aber unangemessen schmunzelte, dann lief der Film wahrscheinlich im Karlstorkino. Das muss sich ändern. Wir lachen jetzt, wenn Sie lachen. Deutsche haben bekanntlich eher wenig Sinn dafür, darum zunächst zwei Musterbeispiele aus dem Ausland: ?Die Rebellion? kommt frisch aus Italien und spielt in einem Krankenhaus, ?Das Leben des Brian? bekanntlich in Palästina. Gerade dieser Monthy Python Film hat Testcharakter für weitere Aufführungen mit dieser zuletzt beinahe zu Grunde ?gekulteten? Komikertruppe, die es auch schon lange nicht mehr gibt.

Und zu guter Letzt zu etwas was völlig Anderem: Sie können sich nach dem Kino nicht mehr bewegen, weil der Film Überlänge hatte und sie nichts davon wussten, aber zu sehr vom Film fasziniert waren, um aus gesundheitlichen Gründen das Kino rechtzeitig zu verlassen? Dann waren sie natürlich erst recht bei uns, den Langfilmspezialisten. ?Elsewhere? ist ein Dokumentarfilm über die Grenzgebiete dieser Erde, geht verträglich vier Stunden und gilt als einer der spannendsten Dokumentarfilme der letzten Zeit. verreisen sie in voller Länge mit!

Über Italien wird wieder gesprochen, seine Schulden, seine Regierung und so weiter. Es ist wieder an der Zeit darum, über den italienischen Film zu sprechen. Den von heute natürlich, der, der er auf sein Land und dessen Lage reagiert, gleich in welcher Form. Es ist Zeit für Cinema Italia 2018, wie immer eine Schau der aktuellen künstlerisch anspruchsvollen Produktion und wie immer mit ein bisschen „dolce vita“, egal was passiert. Avanti!

Eine junge Dame aus den USA wird der Fußball Europameisterschaft 2012 trotzen. Michelle Williams heißt sie, schon drei mal für den Oscar nominiert, bekannt durch Serien wie DAWSON’S CREEK. Hat sich im großen Kino wie BROKEBACK MOUNTAIN oder LAND OF PLENTY bereits profiliert wie ebenso in den sogenannten kleineren Filmen wie WENDY AND LUCY, in denen ihr unverwechselbarer, ausgesprochen sympathischer Charakter besonders zum Vorschein kommt. Wir zeigen eine Auswahl ihres bisherigen Schaffens. Eine charakterstarke, unverwechselbare Schauspielerin, auf deren weitere künstlerische Entwicklung man sehr gespannt sein darf ... Wir wünschen einen wunderschönen Juni, im Kino und anderswo!

„Endless Summer“, ein Schwerpunkt des Monats wie ein Popsong, der einem entspannt dahindösen lässt und dabei sanft streichelt, himmelweiten Raum für Gedanken und Gefühle schafft, auf dass Tage und Wochen wie diese niemals enden mögen. Ein Schwerpunkt, in dem der Dokumentarfilm eine ganz besondere Rolle spielt. So steht unser August also für eine Lebenseinstellung als solche, die zum Auge drängt und wie ein Film über diese flirrt. Erwähnenswert auch ein paar weitere Highlights: unsere monatliche „Film und Wein“ Veranstaltung Ende August; kurz zuvor die Heidelberg-Premiere des Abschluss-Films KALIFORNIA mit Gästen bei freiem Eintritt! Wir wünschen einen wunderschönen Kino-Sommer.

Filmisches Erzählen ist mittlerweile eine Phrase aus dem Feuilleton, die auf diesen und jenen Roman passen soll. Dennoch aber gibt es Schriftsteller und Schriftstellerinnen, die betont mit beiden Medien arbeiten. Man denke hier an Paul Auster, an Alain Robbe-Grillet oder eben an Marguerite Duras. Berühmt wurde sie mit ihrem Roman "Der Liebhaber", wichtig aber mit ihrer Vielzahl von Prosaübungen, die sich oft wie ein Film lasen. Aber Marguerite Duras drehte auch selber Filme. Wir hatten vor Jahren schon einmal eine kleine Retrospektive, nun zeigen wir einerseits Filme, bei denen sie selbst Regie führte, andererseits sie die Vorlage schrieb, schließlich sogar einen Film über sie selbst.
Man ahnt, der Monat Juli wird ungemütlich, denn wir zeigen Filme wie "Route 181". Es gibt viele Filme über Israel, aber keine vierstündige Dokumentation eines Israelis und eines Palästinensers, die darin den Mut fanden, im Gespräch mit Leuten ihrer Heimat diese mit unbequemen Tatsachen ihrer politischen Lage zu konfrontieren.
"5 Uhr am Nachmittag - Panj è asr" ist der ruppige, unerzogene Film einer jungen Frau mit einem zumindest für Kinofreunde bekannten Vater, Samira Makhmalbaf. Wir haben lange darum gekämpft, unseren Gästen dieses außergewöhnliche Werk in Heidelberg präsentieren zu können.
Julio Medem dagegen ist fast schon zu populär für unser Kino. Obwohl es bei uns mit ihm in Heidelberg anfing. Jetzt, wo er sich soeben mit einer Dokumentation über die Basken seinem Ruhm wieder ein Stück weit verweigert, haben wir die Zeit gefunden, nach "Tierra" nun noch eine kleine Reihe seiner Filme dranzuhängen. Mit den frühen von ihm, "Vacas" ("Kühe") sowie "La ardilla roja" ("Das rote Eichhörnchen") sei begonnen.
Wir hoffen, dass draußen nicht wieder 40 Grad im Schatten sind, wenn wir unsere Glastür öffnen, es sollen lieber 1000 Grad sein, ob Kälte oder Hitze, aber auf unserer Leinwand. Wir lieben einfach Intensität.

Kulturarbeit ist ein Kampfsport, die Arbeit für den nichtkommerziellen Film besonders hart. Groß ist darum oft unsere Freude, wenn es nach all dem Telefonieren, Faxen und Mailen geklappt hat, wenn wir Ihnen dann doch endlich den Film präsentieren können, von dem wir unbedingt wollten, dass er bei uns läuft. Im Monat April gibt es dafür einige Beispiele: "Samaria" etwa, der Nachfolgefilm von jemandem, der wohl verdientermaßen endlich so richtig bekannt wurde und damit schon zu groß für unser Kino werden drohte. Ähnlich ist es auch bei "Suite Habana": Keine Maus hätte mehr Platz gehabt, als im letzten Jahr Regisseur Fernando Pérez uns bei Cine-Latino besuchte, um bei der Preview dabei zu sein. Jetzt kommt "Suite Habana" offiziell in die deutschen Kinos und zu uns. Auch auf "9 Songs" freuen wir uns, ein kleines wildes Werk eines weltweit angesagten Regisseurs. Und Osteuropa bzw. die neuen EU-Länder dürfen auch nicht vergessen werden, hinter dem wunderbar schrägen Titel "Sex in Brno" versteckt sich nichts anderes als ein wunderbar schräger Film über Möglichkeit und Unmöglichkeit der Liebe. Auch die ist manchmal ein Kampfsport.

Trotz allen Kampfsports möchten wir nicht versäumen, Sie auf unser alljährliches Cine Latino aufmerksam zu machen, das dieses Jahr bereits im April stattfindet. Vom 21. April bis 1. Mai könne Sie sich wieder auf aktuelle und interessante und unterhaltsame Filme aus Lateinamerika freuen.

Unser vielfältiges Februar-Programm ist da – mit einem Haupt-Schwerpunkt: dem diesjährigen Stummfilm-Symposium zum Thema „Silent future“ (Science Fiction)! Großartige Zukunftswelten aus der tiefsten Vergangenheit, so ließe sich das in aller Kürze beschreiben. Aber auch einer der großen Altmeister der Regiekunst kommt mit einer kleinen Filmreihe zu seinem Recht: Roman Polanski, der jüngst wieder durch beachtliche Produktionen auf sich aufmerksam machte. Wir ergänzen dabei zwei seiner besten Filme aus jüngerer Zeit mit einer Dokumentation, die viele Legenden über sein Leben und seine Arbeit aufklärt. Außerdem freuen uns sehr auf den Besuch von Jeanine Meerapfel, die gleich zu Beginn des Monats, am 1. Februar, ihren Film DER DEUTSCHE FREUND persönlich in Heidelberg vorstellen wird.

And the Winner is …? Es geht jetzt im Februar um Filme, die für den diesjährigen Oscar nominiert sind. Sehr wohl eine Werkschau, die einem aber auch zeigen könnte, was zu würdigen vergessen wurde. Hoffentlich nicht unkritisch also, aber ein Blick auf Tendenzen. Vielleicht haben wir vom Karlstorkino diese Idee, da wir in den letzten Jahren auch immer wieder Filme im Programm hatten, die diesen goldenen Mann dann auch bekamen. Aber gleich, wie es diesmal ausgeht, erleben sie jetzt einfach bei uns wieder großes Kino mit Anspruch!

MOViE AGAIN: Es geht weiter, wir wagen einen Neubeginn unter schwierigen Umständen, die Liebe zu unserem Kino treibt uns dazu. Wir hoffen, sie verstehen uns und kommen uns besuchen. Wir werden sie dabei schützen, vor Corona natürlich, nicht aber vor dem was sie wieder bei uns ganz vorne auf der Leinwand erleben werden.

Kroatien als Filmland ist diesjähriger Schwerpunkt der „28. Filmtage des Mittelmeeres“, auch dieses Jahr wieder in bewährter Kooperation mit dem Montpellierhaus, Heidelberg. Das Mittelmeer schwappt nach Osten, um sich dort mit dem Balkan zu berühren. Filme aus dem Balkan waren bei unseren Mittelmeerfilmtagen stets präsent, nun zeigen wir noch mehr davon – und freuen uns sehr darauf, den Regisseur Nebojsa Slijepcevic zu seinem Film GANGSTER OF LOVE in Heidelberg begrüßen zu dürfen! Eine filmische Entdeckungsreise durch das neue EU-Land Kroatien lohnt sich jedenfalls sehr, soviel sei schon mal versprochen. Natürlich gibt es aber nicht nur Hochkarätiges von dort zu sehen, sondern wie immer aus vielen Ländern, die an das Mittelmeer angrenzen. Auf eine schöne Festivalzeit; wir freuen uns auf ein Wiedersehen!

Die räumliche Orientierung des Menschen mit seinen Augen funktioniert so, dass zwei verschiedene Bilder auf der Netzhaut zu einem mit räumlicher Tiefe zusammengeführt werden. Dieser Effekt lässt sich auch simulieren, bekannterweise besonders gut im Kino – und jetzt auch in Heidelberg! Eine Stadt setzt sich schwarze Brillen auf, das Karlstorkino eröffnet das 3D-Zeitalter! Deshalb nun ein Querschnitt aus bemerkenswerten, z.T. auch aktuellen 3D-Filmproduktionen quer durch die Genres bei einem leichten Dokumentations-Schwerpunkt. Wie wäre es also im Juni statt Fussball mal mit gutem 3D? Wir sind ausnehmend gespannt auf die Reaktionen unseres geschätzten Publikums!

Stummfilm mit deutschen Zwischentiteln

Es stimmt schon, viele renommierte europäische Autorenfilmer reproduzieren mittlerweile ihre Ideen, wenn gleich auch auf hohem Niveau. Wirklich Inspiriertes und Frisches kommt zur Zeit oft aus Amerika, wo eine Generation junge/r FilmemacherInnen eine Reihe von Filme realisiert hat, in denen besonders das visuell-innovative, filmische Erzählen entschieden weiterentwickelt wurde. Viele dieser Filme sind bereits einem größeren Publikum bekannt, aber eine Werkschau des jungen amerikanischen Kinos gibt Gelegenheit zur Einordnung und zum Vergleich. Darum haben wir herausragende junge Filme aus den USA - wie etwa von Sofia Coppola oder Michel Gondry - zum Schwerpunkt unseres August-Programms gemacht. Damit soll eine Konstellation und ein Stil sichtbar werden, wie er bei sonst üblichen, normalen Filmvorführungen wohl kaum zu erkennen ist..

Buster Keaton musste es wissen. Denn für ihn war er der Lustigste: Arthur Stanley Jefferson, berühmt als Stan Laurel; in Deutschland eher bekannt als der Doofe neben dem Dicken. Geboren am 16.6.1890 im englischen Ulverston verstarb er am 23.2.1965 in Santa Monica, Kalifornien. Sein 50. Todestag ist nunmehr ein würdiger Anlass für unser Schwerpunktthema im Februar – mit vier seiner berühmtesten Langfilme, die mit seinem Freund und Kollegen, dem ebenso unvergleichlichen Oliver Hardy, entstanden sind. Von wegen gut gemachter Klamauk! Laurel & Hardy waren großartige Künstler, ihre Filme zutiefst lustige Komödien, die bis zum heutigen Tage herzerfrischend sind. Erleben Sie daher erneut dieses unvergessliche Komiker-Duo, das die Filmgeschichte so bedeutsam mitgeprägt hat.

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#SupportYourLocalCinema!
Kinos retten, Filme gucken!

Solidarisches Streamen über den Vimeo-Kanal von 'Grandfilm'. Dieser Filmverleih bietet nun ausgewählte Filmkunst aus seinem Programm als 'Video on Demand' an. Die Einnahmen werden geteilt mit den Partnerkinos, u.a. auch mit uns, dem Karlstorkino.

Weitere Filmtitel und Infos findet Ihr hier:
grandfilm-shop.de/vod/

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Vitalina Varela ist nicht nur der Titel des Films und Name der Hauptfigur, sondern auch der Name der Hauptdarstellerin, die hier ihre eigene Geschichte spielt: Kurz nach dem Tod ihres Mannes, der sich als Tagelöhner in Portugal verdingt hatte, kommt die von den Kapverden stammende Vitalina in Lissabon an. Nie hat sie erfahren, warum ihr Mann sich nicht mehr gemeldet hat, mit dem sie doch in der Heimat begonnen hatte, ein Haus zu bauen. Sie bezieht seine heruntergekommene Bleibe in den Slums von Lissabon und spürt seiner verlorenen Seele nach… In beeindruckenden Schwarzweißbildern überwiegend bei Nacht gedrehtes, düsteres Meisterwerk von einem der renommiertesten Filmemacher Portugals.
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Zum solidarischen 'Video On Demand'
von Grandfilm:

Jetzt auf vimeo streamen

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Österreich, ein Land in der Mitte Europas, eine Kulturnation, Mozart(kugeln) und Thomas Bernhard (und so viele andere). Aber Filme? Bisher haben wir im Karlstorkino noch zu wenige aus diesem Land gezeigt. Aber nun ist immer öfter zu hören vom „neuen österreichischen Kino“. Ein oftmals ganz persönliches, ganz eigenständiges seiner Art. Das fand bereits international Anerkennung. Als Person sei hier stellvertretend der Regisseur Stefan Ruzowitzky erwähnt, der 2008 den Oscar für DIE FÄLSCHER bekam. Und natürlich auch Ulrich Seidl und Wolfgang Murnberger. Lassen sie sich also bitte schön ein auf diese filmkulturelle Eigenständigkeit; nur dann werden Sie so richtig verstehen, welch großartig-tiefschwarze Filme diese besondere Form der Kreativität und Kritik hervorbringt.

Der Wonnemonat Mai beschert uns mal wieder: cine latino, regelmäßig wiederkehrendes Highlight in unserem Programm. Insgesamt 17 Filme über einen Subkontinent mit all seinen Facetten – Kunst und Information, Verführung und Erkenntnis. Schwerpunkt ist dieses Jahr Argentinien, ein Land mit einer großen filmischen Tradition. Wir zeigen eine berauschend-lebendige Filmkultur: Sinnliches, Dokumentarisches und auch wieder Filme mit besonders künstlerischen Ambitionen – so pikant wie ein Pfefferkorn im Salat. Zur kulturellen Identität gehört in Argentinien besonders auch der Tango, der sich auch in der Region Heidelberg / Mannheim einer großen Anhängerschaft erfreut. In Zusammenarbeit mit den „3. Tangotagen Heidelberg“ zeigen wir als besonderes Highlight die Dokumentation EL ÚLTIMO APLAUSO in Anwesenheit des Regisseurs German Kral. Herzlich willkommen zu cine latino 2010!

Es muss zum Jahresbeginn endlich einmal klar gesagt werden: Die Filmtage des Mittelmeeres sind das qualitativ beste Filmfestival der Region. 2017 erstreckt es sich über Ende Januar bis in den Februar hinein. Schwerpunkt wird diesmal Tunesien sein. Das erinnert langjährige Gäste natürlich an unsere Anfänge, als wir dem Heidelberger Kinopublikum dieses Filmland näher brachten. Bekanntlich hat sich dort sehr viel ereignet und es stellt sich sofort die Frage, ob dies auch einen cineastischen Niederschlag gefunden hat. So erinnern wir uns im Filmmonat Januar und blicken zugleich selbstbewusst und neugierig nach vorne.

Man mag den Animationsfilm, unseren Schwerpunkt des Monats August, definieren wie man will. Um schließlich und endlich doch nur die Unzulänglichkeit einer solchen Definition zu bemerken. Künstlerisch wichtig jedoch und für den Zuschauer von Genuss ist das zusätzliche Element der Phantasie, das der Animationsfilm der Filmgeschichte beschert hat: die Befreiung des Körpers von seinen physikalischen Gesetzen; Körper vollziehen Bewegungen, die sie in der Realität so gar nicht oder nur kaum vermögen. Das ist natürlich nur ein kleiner Teil des gesamten Themenkomplexes, aber er führt schon recht gut ins Zentrum der Faszination, die vom Animationsfilm ausgeht. Wir jedenfalls offerieren Ihnen hiermit in eine kleine, einigermaßen repräsentative Auswahl der letzten Kinojahre, die sich unter dieser Kategorie einordnen lassen. Zudem machen wir einen Ausflug in den Animationskurzfilm und tauchen innerhalb einer Sonderveranstaltung (bei freiem Eintritt) in den ganz frühen Trickfilm ein. Seien Sie davon doch bitte animiert!

„Junges amerikanisches Kino“ präsentieren wir in diesem Jahr im September, nach 2008 und 2009 die dritte Ausgabe dieses erfolgreichen, beim Publikum recht beliebten jährlichen Sommer-Schwerpunktes. Erneut haben wir großen Wert darauf gelegt, die Kriterien ein wenig ernster zu nehmen. Das bedeutet: junge Regisseure, junge Schauspieler und solch junge Filme, die sozusagen cineastisch (noch) unverstellt sind. In denen also die Macht der Gewohntheit auf der Leinwand noch nicht zur Normalität geworden ist. Wir versprechen anregende, inspirierende Kinoabende und wünschen einen goldenen Spätsommer!

Mit Cine Latino öffneten wir einst die Augen des cineastischen Entdeckers für den lateinamerikanischen Film. Mit Cine Latino 2017 öffnen wir sie jetzt noch weiter. Mit den diesjährigen Filmen widmen wir uns sowohl dem Dokumentarfilm als auch dem Spielfilm und interessieren uns dabei noch genauer für die Geschichten dieses Subkontinents. Dabei ermöglichen wir Ihnen Identifikation, garantieren Weiterbildung und versprechen geistvolle Unterhaltung. Das macht unser Cine Latino so besonders. Wir freuen uns auf Sie!

Bei all den Großevents heutzutage zeigt sich wie wichtig auch die kleineren (Film-)Festivals sind. Denn sie führen Traditionen fort, in denen sie den Blick auf das Wesentliche entwickelt haben: die unmittelbare Ermöglichung ästhetischer Erfahrung. Besonders wenn sich das Dargebotene und Gezeigte doch deutlich von dem sonst üblichen abhebt. Musterbeispiel ist cinema! italia!, ein Festival, welches nun wieder bei uns zu Gast ist. Komprimiert auf sechs repräsentative Filme (plus ein Extra-Film) liefert es eine kleine Werkschau eines großartigen Filmlandes, das seit Jahren konstant eine große Fangemeinde bei uns hat. Einen Geburtstag feiern wir diesen Monat auch: 15 Jahre Karlstorkino – mit einem schönen Sonderprogramm und vielen Gästen. Und wer sich mal wieder einen richtig langen Kinoabend gönnen möchte, dem seien die 5 1/2 Stunden CARLOS mehr als empfohlen. Wie dem auch sei: schön Sie alle wieder bei uns zu sehen! Und natürlich: schöne Feiertage und einen guten Rutsch > 2011! Das ist nun schon 10 Jahre nach Kubrick ...

Kein Schwerpunkt im September für dieses Mal, sondern eine Begegnung. Eine sehr blonde Dame in sehr gefährlicher Mission trifft einen jungen Mann mit kindlichen Gesichtszügen und Klingeln im Ohr. „Atomic Blonde“ und „Baby Driver“ sind Filme von denen man spricht. Aber gibt es heimliche Verbindungen zwischen ihnen? Was bewirken diese im Kopf des Zuschauers? Verändern sie gar sein Bewusstsein? Wir versprechen Ihnen für den September jedenfalls sehr rasante Erfahrungen.

Tilda Swinton sei unser Februar Schwerpunkt gewidmet. Keine sonderlich schwere Entscheidung. Die kluge, schottische Künstlerin ist gerade wieder in den letzten Monaten ausgesprochen präsent - und bleibt trotzdem rätselhaft. Das liegt vielleicht an ihrer Aura aus Kühle und Überschreitung herkömlicher Weiblichkeit. In Interviews jedoch gibt sie sich immer herzlich und zuvorkommend. Nun, was uns natürlich besonders interessiert: ihre künstlerische Entwicklung, von der Derek Jarman Muse zu eine der weltweit angesagtesten Schauspielerinnen, bereits mit einem Oscar ausgezeichnet. Retrospektiven reizen jedenfalls mit einem Kribbeln im Bauch über die Beständigkeit eines Charakters mitsamt der Wandlungsmöglichkeiten einer Persönlichkeit. Ein schönes Gefühl; freuen Sie sich mit uns auf Tilda Swinton!

"Der Film, das ist die Wahrheit 24mal in der Sekunde," sagte Jean-Luc Godard einmal, und wenn eines für den Film, der schließlich auch vielfach als das "Schlüsselmedium des 20. Jahrhunderts" gilt, besonders kennzeichnend ist, so ist es sein besonders intensives Verhältnis zur Zeit. Aber was ist überhaupt Zeit? Darüber streiten sich schließlich die Philosophen seit alters her! Wenn schon der Begriff selbst nicht ganz faßbar ist - wie die Zeit! -, so kann man aber doch immer darauf verweisen, wo Zeitliches vorliegt, zum Beispiel in den allermeisten Filmen dieses Programms, das wir aus Anlaß des unter dem Motto "Zeit und Ewigkeit" stehenden, Mitte des Monats beginnenden Festivals "Heidelberger Frühling" einmal ganz dem Thema "Zeit und Film" gewidmet haben. Anlaß vor allem auch, eine ganze Reihe Klassiker mit ausgewählten Werken Revue passieren zu lassen, vom paradigmatischen "Citizen Kane" von Orson Welles über Bergman, Antonioni, Resnais und Straub/Huillet bis hin zu Tarkovskij, der in diesem Programm gleich mit zwei Filmen vertreten ist, "Nostalghia" und "Opfer". Zugleich möchten wir aber auch die Freunde - mutmaßlich! - einfacherer Kost, nämlich der in diesem Zusammenhang unumgänglichen Science fiction, nicht zu kurz kommen lassen, indem wir neben dem Action-Spektakel "Die totale Erinnerung" mit dem unsterblichen Arnold Schwarzenegger und dem ebenso spannenden wie intellektuellen "Moebius" auch den Klassiker "2001" zeigen, einen, wenn nicht den Zeit-Film par excellence! Oder sollte man nicht eher Mekas' fünfstündigem Experimentalfilm "Glimpses of Beauty" dieses Prädikat zukommen lassen? Wer aber für derart schwergewichtige Filmmonster keine Zeit hat - es gibt ja noch die Kurzfilme in unserem Programm!

Im Juni beansprucht das Karlstorkino erneut, Zentrum der regionalen Anime-Film-Freunde zu sein. Darum präsentieren wir ihnen einerseits „No Game No Life: Zero“, den neuesten Anime voller Bildgewalt. Andererseits zwei aufreizende Wiederentdeckungen aus dem Werk Eichi Yamamotos, beide voll japanischer Sinnlichkeit, entwickelt an orientalisch-antiken Stoffen. Lassen sie sich davon verzaubern oder überwältigen.

Patrice Chéreau war zuletzt Mitglied der Jury beim Filmfestival von Cannes. Seine umjubelte Inszenierung von Racines "Phädra" war vor kurzem auch in Deutschland zu sehen. Sein Film "Intimité" gewann in Berlin 2001 den Goldenen Bären, auch sein neuester Film "Son Frère" fand große Beachtung. Kurz, Patrice Chéreau ist ein Multitalent und in aller Munde. Schlagartig bekannt wurde er Anfang der 70er in Bayreuth mit seinen Richard-Wagner-Interpretationen. Seit ungefähr dieser Zeit macht er auch Filme. Jetzt, wo immer wieder einmal in den Medien ein Interview oder ein Bericht über ihn kommt, ist es eigentlich angebracht, in einer kleinen Werkschau eine Übersicht zumindest seines Film-Schaffens zu präsentieren: In der Vielfalt Gemeinsames entdecken.
"Johannes Agnoli im Gespräch" ist nur ein Video von 70 min Länge. Aber es porträtiert einen der einflußreichsten Denker der europäischen Linken, und weil wir vom Karlstorkino uns in lichten Momenten sehr wohl als ein autonomes Seminar zu verstehen wagen, freuen wir uns, Sie zu dieser Lektion in Globalisierungskritik und Systemüberwindung einladen zu dürfen. Regisseur Burgmer ist zudem anwesend - mehr als genug Anlaß für eine interessante Diskussion!
Danach folgt unsere cineastische Geschichtsstunde. Thema ist das 16. Jahrhundert. Denn sowohl Patrice Chéreaus "La reine Margot" als auch Ermanno Olmis "Der Medici-Krieger" beziehen ihren Stoff aus dieser Epoche.
Besonders aufmerksam möchten wir auf "Ndyesaan - Le prix du pardon" aus dem Senegal machen, mit dem wir unseren Beitrag zu den Afrika-Wochen des Eine-Welt-Zentrums leisten möchten.
Und das heimliche Highlight unseres Kinos leuchtet auch schon wieder. Norbert Ahlers fand wieder genügend Jungfilme für seinen Heidelberger Filmabend. Mal sehen, was diesmal gerade noch fertig geworden ist!
Man sieht vielleicht, unser Juli-Programm hat schon beim Eintippen Spaß gemacht. Die Klimaanlage bei uns wird bis dahin wohl auch noch funktionieren.

Es ist bei uns in unserem Karlstorkino schon Brauch, dass der diensthabende Vorführer an Heiligabend selbst den Film auswählt, den er vorführt. So entschied sich diesmal unser Mitarbeiter Christian Weiß für "Barry Lindon" von Stanley Kubrick, der mit betörender Stilsicherheit Billder einer Karriere im 18. Jahrhundert zeichnet. Davor erlauben wir uns Kult und Unterhaltung aus Frankreich, um es dann mit Kürze zu würzen. Etwas verständlcher: Wir präsentieren einen munteren Querschnitt typisch französischer Filme wie "Diva" oder gar "die große Sause" mit Louis de Funès, dem jetzt endlich auch wir die Ehre erweisen.
Dann ist der Deutsche Kurzfilmpreis unterwegs und macht auch bei uns an gleich zwei Abenden Station, wo Kurzfilme seit Jahren fester Bestandteil unseres Programms sind. Wer dabei nicht genug kriegen kann, dem sei unser Heidelberg-Filmabend empfohlen.
Zwei Höhepunkte für Dezember seien noch extra erwähnt. Zum einen unseren Film zum Welt-Aidstag am 1.12.: "Fickende Fische" von Almut Getto, ein vielbeachteter Film darüber, wie schwer es ist, jung zu sein.
Zum anderen widmen wir uns Uri Avnery, einem der profiliertesten Publizisten aus Israel und einem unermüdlichen Kämpfer für Gerechtigkeit und Aussöhnung. Im Heidelberger Palmyra Verlag ist in diesem Herbst soeben ein neues Buch von ihm erschienen: "Ein Leben für den Frieden. Klartexte über Israel und Palästina." Und am 20. September wurde Uri Avnery 80 Jahre alt. Anlass für uns, endlich die Dokumentation von Yair Levy zu zeigen, um damit unser cineastisches Auge wieder auf den Nahen Osten zu werfen, eine notwendige Tradition, die wir gerne fortführen möchten.

Bekanntlich zeigt unser Medienforum nicht nur Filme in seinem Karlstorkino, sondern dreht dank seiner aktiven Medienarbeit auch selbst welche. Das sind meistens Kurzfilme, es gibt Ausnahmen wie [Link Film=664]"Akhir dil hi to hai - Und schließlich siegt das Herz"[/Link], eine Komödie von Sadashiv Rao, der früher in Neckargemünd gelebt hat und mittlerweile in Halle arbeitet. Die erfolgreiche Frankfurter Premiere seines neuesten Films [Link Film=663]"Sanyogita - The Bright in red"[/Link] ist für uns in Heidelberg Anlass zu einer kleinen Werkschau, auf dass unsere Kinofreunde die Augen wieder nach Osten zum indischen Subkontinent hin wenden.
Aber vielleicht möchten sie doch lieber gen Westen schauen, wohin einst Columbus segelte, um eben dieses Indien zu suchen. Dann finden sie wieder einmal Südamerika. Ciné Latino Spezial präsentiert den beliebten uruguayischen Film [Link Film=669]"El ultimo trén" ("Der letzte Zug")[/Link] über die alten Männer und ihre Dampflokomotive, aber auch den neuen, so außerordentlich vielbeachteten Dokumentarfilm [Link Film=668]"Memoria del saqueo" ("Chronik einer Plünderung")[/Link] von Altmeister Fernando Solanas über den Protest seines argentinischen Volkes gegen das Regime von Carlos Menem.
Aber wo bleiben die Klassiker, wo bleiben die Filme, die uns einst so beliebt gemacht haben? Gemeint sind Filme aus Frankreich, Meisterwerke der dreißiger oder frühen fünfziger Jahre, etwa von Marcel Carné oder Jean Renoir. Nun, drei von ihnen zeigen wir wieder, drei Beispiele für die wohl prägnanteste Form eines Kunstfilms, den poetischen Realismus. Wir ergänzen sie um ein Stück "neorealismo" und öffnen unser Kino für Rossellini. Dann dürfen Sie wieder einmal erleben, wodurch ein wirklich guter Film sich auszeichnet.

Cine Latino Spezial, Cinéfête, Frauenwelten, Indien im Film und dazu unser Weihnachtsprogramm mit Beklemmung, Unterhaltung und Klassik. Sie als unser Gast müssen Grund zur Annahme haben, wir wollen zu viel des Guten. Sie haben Recht, wir wollen es. Das hat natürlich auch ein bisschen Tradition. So mögen die Filme die wir dank unserer Zusammenarbeit mit dem Ciné Club des deutsch französischen Kulturkreises zeigen können, unsere unstillbare Sehnsucht nach authentischen Filmgenuss bestätigen.
Die Frauenwelten mit ihrem Schwerpunkt der Filme über das Leben von Frauen in islamisch geprägten Ländern fanden von Beginn dieser Filminitiative an großes Interesse. Darum machen wir damit weiter.
Indien im Film dagegen ist ein cineastisches Dokument unserer Hartnäckigkeit. Überzeugt vom künstlerischen Gehalt vieler Produktionen aus Indien allem Bollywood zum Trotz werden wir nicht müde, durch ausgesuchte Filmkunstwerke neueren aber auch älteren Datums Ihnen dies zu beweisen.
Man merkt, das Dezemberprogramm 2004 gleicht einem üppigen Gabentisch unterm Baum (der noch fehlt). Es sei Ihnen gegönnt. Das kommunale Kinojahr hat seine laufenden Attraktionen gehabt, jetzt erleben wir das Grande Finale. Vor der opulenten russischen "Krieg und Frieden" Verfilmung hatten wir gerade wegen ihrer Opulenz stets ein wenig Scheu vor der Präsentation, aber jetzt nicht mehr. Draußen soll es tief verschneit sein, drinnen sollen sie übers Jahr in eine andere Welt entschwinden.

Natürlich präsentieren wir im Januar wieder unsere „Filmtage des Mittelmeeres“, die nunmehr 27. Ausgabe dieses traditionsreichen Filmfestivals, in bewährter Kooperation mit dem Montpellierhaus, Heidelberg. Sie wandeln sich immer mehr von einer Länderschau der jeweiligen Filmproduktion zu einem Festival des europäischen Spitzenfilms. Gerade weil hier konsequent das Film-Ästhetische zu seinem Recht kommt, und es nicht darum geht, primär irgendwelche Wohlfühlfilme zu zeigen. Wer die sonstige regionale Filmfestivalszene kritisch zu beobachten vermag, wird dem durchaus beipflichten. Also mehr Form und künstlerisches Wagnis, das möge vielleicht auch weiterhin der beste Weg sein. Und dazu noch die Wärme dieser Region auf der Leinwand und zwischen den Plüschsesseln. Herzlich willkommen!

Ein kurzer Blick ins Programm lässt einen schon schwärmen. Doch, liebe hochverehrte Cineastinnen und Cineasten, die 34. Filmtage des Mittelmeeres haben noch zugelegt, gleich vier Gäste und noch einen Tag länger, soll heißen, wir fangen einen Tag früher an. Es bleiben selbstverständlich die bis zu dreistün­digen Werke für tiefe Seele und scharfen Verstand aus zahlreichen Ländern des Mttelmeerraumes. Und dann ehren wir natürlich auch den ewig großen, jetzt schon 100 Jahre alten Federico Fellini.

Gibt es im letzten Monat des Jahres ein schöneres Thema als „Glück“? Filme zum Thema Glück wollen wir zeigen – nicht nur Filme, die glücklich machen, sondern auch insbesondere solche, die von Glück handeln. Was aber ist Glück überhaupt? Wie kann man es erlangen und möglicherweise doch ein wenig festhalten? Mögliche Antworten auf solche Fragen: so facettenreich wie individuell. Vielleicht ist es an der Zeit, sich dieser Frage zumindest cineastisch ein Stück weit anzunähern. Denn auf jeden Fall gibt es das Glück hier bei uns im Kino!

Les glaneurs et la glaneuse widmet sich spielerisch und assoziativ der heute noch lebendigen Tradition der „Nachlese“: Menschen, die manchmal freiwillig, manchmal aus Not, nach der Ernte oder den Wochenmärkten, auf Feldern oder Schrottplätzen, Dinge auflesen, die andere weggeworfen haben. Die Sammler, das sind die „Ährenleserinnen“ auf Millets berühmtem Gemälde. Das sind Obdachlose, die die überschüssigen Kartoffeln aus den Feldern holen. Das sind Spitzenköche, die das besondere Aroma der überreifen Trauben schätzen, französische Familien, die zur
Apfelernte ziehen, oder auch Künstler, die aus Schrott ihre Werke basteln.
Die Sammlerin, das ist die Regisseurin selbst, die Bilder und Impressionen sammelt, von dem, was in einer Wegwerfgesellschaft „übrig bleibt“, und von denen, die davon leben. Wie nebenbei entwirft sie dabei auch ein facettenreiches Porträt Frankreichs.
Ein Dokumentarfilm in der Tradition der Nouvelle Vague, der in Frankreich Warteschlangen vor Kinos und eine Flut begeisterter Zuschauerpost provozierte!

Was einst der Karlsruher Karl Freiherr von Drais erfand und was daraus wurde: Heidelberg ist eine Stadt voller Radfahrer. Deswegen ist sie aber noch lange keine Fahrradstadt. Sagen zumindest die Radfahrer. Jetzt aber leisten wir vom Karlstorkino einen kleinen, bescheidenen Beitrag: Wir zeigen Filme, in denen das Fahrrad als solches die heimliche oder tatsächliche Hauptrolle spielt. Ein kräftiger Tritt in die Pedale der Mobilitätsgeschichte also. Radeln Sie zu uns, hinein in unser Kino geht leider noch nicht.

Cine-Latino 2014 ist Schwerpunkt im Mai – unsere traditionelle Werkschau der Filmproduktion des süd- und mittelamerikanischen Kontinents. Konstant interessant einerseits wegen der ästhetischen Eigenart vieler Filme wie andererseits auch der sozusagen cine-latinischen Sicht auf die Menschen und Dinge dieser Welt. Und provokant gesprochen: ein bisschen südamerikanische Verhältnisse in Verbindung mit einem südamerikanischem Lebensgefühl schaden unserem Kino auch nicht wirklich. Wir freuen uns jedenfalls sehr, Sie wieder bei uns begrüßen zu dürfen!

Ein berühmtes japanisches Filmstudio stellen wir diesen Monat in unseren Mittelpunkt. ‚Ghibli’ wurde 1985 in Japan gegründet und sollte frischen Wind in die Welt des Anime-Films bringen. Heute ist es ein sorgsam gehegtes Refugium der klassischen Techniken dieses Filmgenres – im Gegensatz zur sonst allgemein üblichen Computeranimation. Einer der Mitgründer ist der heute weltweit verehrte Regisseur Hayao Miyazaki, von dem wir innerhalb unseres „Studio Ghibli Film Festivals“ und gleichzeitigen Schwerpunkt des Monats die meisten Filme zeigen werden, darunter auch THE WIND RISES – WIE DER WIND SICH HEBT, seinem wahrscheinlich letzten Film, der gerade erfolgreich in Deutschland angelaufen ist. Sie werden verzaubert sein!

Am 29. Mai 1982 verstarb im Alter von 43 Jahren Romy Schneider - Frau, Filmstar, Mythos. Unvergleichbar war bei ihr die Einheit von Leben und Werk, ihre Leidenschaften und Tragödien auf der Leinwand wie im Leben. Einzigartig ihr Weg von der Jugendrolle der unschuldigen Sissi bis hin zu einer der wichtigsten Schauspielerinnen im französischen Kino der 60er und 70er Jahre. Beeindruckend die Intensität ihrer Spielweise auch in nicht immer gelungenen Filmen. Kleine Widersprüche, die ihren großen Nachruhm begründen. Anlässlich ihres 25. Todestages präsentieren wir nun eine Auswahl ihrer wichtigsten und auch spektakulärsten Filme, die die Bandbreite ihres schauspielerischen Könnens und die Präsenz ihrer Person eindrucksvoll beweisen.

Jurys können irren. Doch manchmal treffen sie um so sicherer die richtige Wahl. Cannes 2007 war dafür
ein eindrucksvolles Beispiel. Mit großer Mehrheit wurde dem rumänischen Film 4 MONATE, 3 WOCHEN, 2 TAGE von Cristian Mungiu die „Goldene Palme“ zugesprochen, ein überragender Film. Hinzu kamen vor einigen Wochen Auszeichnungen beim 20. Europäischen Filmpreis („Bester Film“ und „Bester europäischer Regisseur“). Nun wurde uns vom Verleih sogar eine seltene rumänische Fassung, gleichwohl deutsch untertitelt, versprochen. Ein Tribut den zahlreichen Rumänen gegenüber, die in der Region leben und natürlich gegenüber allen Filmfreunden, die solch eine Version einer deutschen Synchronfassung vorziehen. Zudem die ideale Vorbereitung zu unseren „Filmtages des Mittelmeeres“, die ab dem 17. Januar wieder bei uns stattfinden. Ohne die enge Zusammenarbeit mit dem Heidelberger Montpellier-Haus wäre es auch dieses Mal nicht möglich gewesen, an die Highlights dieses renommierten Festivals, dem „Festival international du Cinema Mediterraneen“, heranzukommen. Für diese großartige Unterstützung danken wir dem Montpellier-Haus ganz herzlich! Ein separates, ausführliches Programmheft zu den „Filmtagen des Mittelmeeres“ (mit nicht weniger als 20 Filmen) liegt überall aus!

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#SupportYourLocalCinema!
Kinos retten, Filme gucken!

Solidarisches Streamen über den Vimeo-Kanal von 'Grandfilm'. Dieser Filmverleih bietet nun ausgewählte Filmkunst aus seinem Programm als 'Video on Demand' an. Die Einnahmen werden geteilt mit den Partnerkinos, u.a. auch mit uns, dem Karlstorkino.

Weitere Filmtitel und Infos findet Ihr hier:
grandfilm-shop.de/vod/

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Der erst seit einigen Jahren veröffentlichte Briefwechsel zwischen Ingeborg Bachmann und Paul Celan ist die Basis für eine ungemein lebendige und einfühlsame Inszenierung, in der Beckermann die Briefe beider von zwei Schauspielern vortragen lässt und dabei beobachtet, wie die Leidenschaft und Intensität der Briefpartner sich auf die Psyche der Akteure überträgt. Denn Ingeborg Bachmann und Paul Celan hatten in ihren Biografien große Gemeinsamkeiten, aber auch große Unterschiede. So war Bachmanns Vater bei der NSDAP, während Celans Eltern durch die Nazis umgebracht wurden. Andererseits litten beide an den Verhältnissen in der damaligen Bundesrepublik. Zudem war ihre eigene Liebe von permanenter Annäherung und Distanz gekennzeichnet. Besonders interessant jedoch ist hierbei, wie sehr ihnen Politik und Privatheit als Merkmale künstlerischer Existenz eins werden.
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Zum solidarischen 'Video On Demand'
von Grandfilm:

Jetzt auf vimeo streamen

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Niemand, der das Kino mag, hätte etwas dagegen, einen Themenmonat über den Schauspieler Klaus Kinski zu gestalten. Es kommt aber darauf an, dies zu realisieren. Und siehe da, es gelang, denn manche Wunder sind die Geschwister der Skepsis, und so können wir für den Monat Mai – auch anlässlich des neuen Films JESUS CHRISTUS ERLÖSER - eine repräsentative Werkauswahl mit Filmen, in denen Klaus Kinski als Haupt- und Nebendarsteller mitwirkte, in unserem Kino vorführen. Wichtig dabei ist uns besonders die langjährige Zusammenarbeit Kinskis mit Werner Herzog, die darum wiederum einen Schwerpunkt im Schwerpunkt bildet. Daneben erhellen auch zwei Dokumentationen den Mythos um den Künstler, seine Exzesse, seine Hingabe, seine Leidenschaft. Und bei soviel Mythos sei auch eine kleine Einführung zu Klaus Kinski erlaubt.

Ab dem 15. Februar: Viele frische deutsche Filme im Karlstorkino mit neuer Belüftungsanlage: das passt richtig gut. Viele sind Debütfilme, erste Langfilme noch unbekannter Absolventen der Filmhochschulen, allesamt Heidelberger Erstaufführungen. Unausrottbar dabei das Gefühl beim Zuschauer: jetzt sieht man etwas Richtiges, der Regisseur oder die Regisseurin haben es gut hingekriegt, ja geradezu vollbracht. Nicht selten werden Erstlingsfilme aber auch schnell wieder vergessen, andere dagegen werden berühmt und können künstlerisch nicht mehr übertroffen werden. Oft sind deutsche Debütfilme sehr ambitioniert, manchmal so gedreht, dass das Team augenscheinlich froh sein muss, es überhaupt geschafft zu haben. Ganz gleich, was Sie denken – sehen sollten Sie diese besonderen deutschen Filme aber schon, und wer weiß: vielleicht drehen sie anschließend Ihr ganz eigenes Debüt …

Im Dezember zeigen wir als Schwerpunkt Dokumentarfilme über Künstlerinnen. Über Kunst und Künstler zeigten wir schon vieles, aber jetzt erweitern wir unser Spektrum. Mancher wird sagen, endlich haben auch wir es begriffen, die Kunst ist weiblich. Welche Filme wir dafür nehmen, darüber diskutierten wir ausdauernd, neue spannende Produktionen motivierten uns zusätzlich. Es ist immer ein besonderes Gefühl, zum Ende des Jahres noch etwas zu machen, was längst überfällig war. Also bitte, seien Sie kunstinteressiert!

Auf der Flucht vor Wölfen verliert eine Eisbärenmutter ihr Kleines. Um sie zu trösten, stiehlt ihr Mann für sie ein Menschenkind. Jahre vergehen. Der Junge wächst unter den Eisbären auf, bis sein Vater ihn wiederfindet und zurück nach Hause bringt. Doch dort wird er nicht glücklich. Er fühlt sich fremd unter den Menschen und wünscht sich nichts sehnlicher, als ein Eisbär zu sein... Poetische Verfilmung eines Eskimomärchens, die mit lichten Aquarellzeichnungen und bezaubern- den Harfenklängen ins ewige Eis entführt. Eine Geschichte vom Aufwachsen, von der Beziehung zwischen Mensch und Natur und der Suche nach sich selbst.

Was steht an im Januar? Natürlich die „Filmtage des Mittelmeeres“, die es nun schon seit 25 Jahren gibt und die entsprechend dem 15-jährigen Jubiläum des Karlstorbahnhofes nun 15 Jahre bei uns im Kino stattfinden, natürlich weiterhin in bewährter und enger Zusammenarbeit mit dem Montpellierhaus in Heidelberg. Dieses Mal steht das Filmland Türkei ganz besonders im Mittelpunkt. Denn nicht nur der jüngste Erfolg von BAL – HONIG beweist, wie künstlerisch wichtig zahlreiche türkische Filme jüngeren Datums sind. Sie haben oft ihre besondere Form, eine besondere Erzähltechnik, vor allem aber haben sie eine Poesie, die sie so völlig einzigartig macht. Genießen Sie bei uns unverwechselbares Kino!

Deutschland im Herbst 1977 ist das Thema im Oktober. Die Schleyer-Entführung und die Folgen, was davor passierte und wie es danach kam. Wir hatten dies bereits 1997 angesprochen. Nun ergreifen wir die zweite Chance, zumal seitdem viele neue Filme dazu gedreht wurden. So gerät die RAF erneut ins Spannungsfeld zwischen Historisierung und sublimer Präsenz.

Man wird nicht sonderlich überrascht sein; unser Schwerpunkt im Mai heisst: cine latino! Längst eine Institution bei uns geworden, nun noch unabhängiger, noch vielfältiger, noch schöner, wie immer mit Gästen! Wir präsentieren das filmgewordene Leben eines Subkontinents, Oscar-prämierte Schmuckstücke, Entdeckungen, Dokumentarisches, Essayistisches oder einfach nur (bisher) verborgene schwarze Perlen. Vor allem aber freuen wir uns auf Sie, auf die, die immer dabei sind und auf die, die zum ersten Mal den Weg zu uns finden werden. Ganz neu bei uns: Das Karlstorkino zeigt ab sofort einen ausgewählten türkischen Film im Monat. Der Beginn einer Filmreihe, die sich ‚artsinematürkis’ nennen wird, unterstützt und kuratiert vom Deutsch-Türkischen Wirtschaftszentrum, Mannheim. Denn das immer größer werdende Interesse am türkischen Film, wie zuletzt auch sehr bei unseren ‚Filmtagen des Mittelmeeres’ festgestellt, verlangt nach einer besonderen Form der Präsentation.

Beinahe schon aus Tradition sind die Filmtage des Mittelmeers unserer cineastischer Höhepunkt im Januar. Wir freuen uns mit Ihnen wieder auf ein vielfältiges Programm an Spielfilmen der Länder dieser kulturell so reichen Region. Letztes Jahr wurde das Festival auf zehn Tage verlängert, der Erfolg gab dieser Idee recht, und so haben wir sie selbstverständlich beibehalten. Ein paar Höhepunkte gefällig? Als da wären der in Israel bei der Premiere sehr umstrittene Film "Kadosh" von Amos Gitaï oder der tunesische Beitrag "La saison des hommes" von Moufida Tlatli. Immer wieder nachgefragt wurde auch "Solas" von Benito Zambrano, es ist soweit. Übrigens gleich vorweg: Keine Angst, wenn Sie ihren Lieblingsfilm verpassen, was besonders beliebt war, zeigen wir ihn wie im letzten Jahr gerne in den darauffolgenden Monaten noch einmal.
Aber der Januar hat mehr als zehn Tage, so runden wir das mediterrane Programm gerne mit ein paar Filmen aus Frankreich ab, darunter dem vielgewünschten Klassiker "Kinder des Olymp" oder auch einer Heidelberger Erstaufführung wie "Ressources humaines".
Afghanistan rückte in den Mittelpunkt der Weltöffentlichkeit, unsere bisher gezeigten Filme über dieses Land waren gut besucht und wurden angeregt diskutiert, darum präsentieren wir noch zwei weitere Filme wie den selten gezeigten DDR-Dokumentarfilm "Afghanistan 1362" sowie die Dokumentation "Ein Traum von Kabul", der von einer Zeit handelt, als viele unbedingt dorthin wollten.
Einen Film möchten wir ihnen besonders ans Herz legen. "Coming apart" ist die cineastische Ausgrabung des Jahres, ein erotischer Experimentalfilm aus dem Jahr 1969, ein Film, der in Deutschland eigentlich nur in Berliner Trend-Stadtteilen in irgendwelchen Hinterhöfen zu sehen war. Wir haben darauf verzichtet, dorthin zu pilgern, wir haben den Film hierher gebracht.

Unser Mai gehört Cine Latino. Kein Länderschwerpunkt dieses Mal, aber eine repräsentative Werkschau der cineastischen Produktion eines Subkontinents, sowohl beim Dokumentarfilm wie beim Spielfilm. Ein kleines feines Festival, das davon lebt, wie neugierige Erstbesucher(innen) sich mit geliebtem Stammpublikum in die Sitzreihen zwängen. Wir freuen uns.

Encore une fois: Der große Erfolg mit unserer kleinen Truffaut-Retro drängt uns zur Zugabe. Sechs „Truffauts“ darum im Oktober, manche weltberühmt, manche eher selten gezeigt. Stets jedoch begleitet mit Einleitungen durch ein fast schon bewährtes Team aus Romanistinnen, Filmkritikerinnen und einem ganz gewöhnlichen Cineasten. Alles im Rahmen der Französischen Woche in Zusammenarbeit mit dem Deutsch-Französischen Kulturkreis e. V.

Eventuell bekommen Sie bei der Lektüre unseres Programms den Eindruck,
dass es dieses Mal ziemlich chaotisch zugeht. Nun ja, wir würden es
nicht gerade als chaotisch bezeichnen, aber kunterbunt ist es schon,
unser Oktoberprogramm. Das liegt in der Natur unserer Arbeit, denn wir
lieben die kinematographischen Randgebiete. Zum einen Länder, die im
deutschen Kino unterrepräsentiert sind, wie die Niederlande zum
Beispiel: "No Planes, no Trains" von Joe Stelling ist eine
´Bahnhofscafé-Story. Oder wir reisen in Gegenden, die gar nicht weit weg
genug sein können, und was ist weiter weg als der Kaukasus mit seinen
Männern? Dort drehte Stefan Tolz seinen sehr ästhetischen Dokumentarfilm.
Oder vielleicht doch lieber nach Italien. Wir werden mit Marco Colli
einen leibhaftigen italienischen Regisseur zu Gast haben. Er spricht mit
uns über einen Film, der von einem sorgenfreien Menschen handelt. Wer
möchte nicht wissen, wie das geht? Italienische Lebenskunst naturale.
Nachträglich zum Welttierschutztag am 4.10. widmen wir uns den
Lebewesen, die uns insgeheim schon immer fasziniert haben, den Insekten:
"Mikrokosmos" porträtiert die Krabbeltiere im Großformat, auf dass wir
erleben, zu was diese fähig sind. Es müssen nicht immer zweibeinige
Schauspieler sein, sie dürfen auch einmal tausend Füße haben.
Was aber wäre ein Programm von uns ohne Beiträge aus Südamerika und
Indien? So erlauben wir uns eine Nachlese zum diesjährigen CineLatino
und zeigen erneut zwei im Mai sehr beliebte Filme aus Argentinien,
ergänzt durch eine Heidelberger Premiere aus Mexiko. Darüber hinaus
präsentieren wir mit "Uttara" einen indischen Spielfilm, der genauso
ist, wie man sich ihn vorstellt. Sehr am Herzen liegt uns auch der
"Bengalische Abend" am 6.10. Mit einem Video porträtieren wir einen
unseren heimlichen Lehrmeister, der den Geist unseres Kommunalen Kinos
beflügelt hat und weiter beflügelt, den Dichter Alokeranjan Dasgupta.
Die Öffnung unseres Filmprogramms für Kino aus anderen Kontinenten,
nicht nur aus Indien, wäre ohne seinen sanften, aber stetigen Einfluss
undenkbar.

Sci-Fi im Frühling, Science Fiction, die sich verkürzt hat. Keine großen Szenarien mehr, es geht nur noch darum, wie wir leben wollen. Dort, wo es immer enger, heißer und künstlicher wird, auf der Erde nämlich. Wir haben freche filmische Antworten gefunden, oft nicht so ganz ernst gemeint, darum umso ernsthafter formuliert. Wir versprechen Ihnen jedenfalls viel visuelle Inspiration für ihre persönliche Frühlings-Zukunft. Dank dabei auch an den Heidelberger Frühling!

Ein Regisseur als Monatsschwerpunkt, erscheint dem Cineasten ein quasi natürlicher Zugang zur Filmkunst zu sein. Und im Falle eines Alfonso Cuarón Orozco mag dieser sich sogar auf dem Höhepunkt seines Schaffens befinden. Der Mexikaner, Jahrgang 1961, kam übers Fernsehen zum Film und bewies sich als Meister durch außergewöhnliche Vielfalt der Themen sowie ausgeprägtem Gefühl für Ästhetik, gleich in welchem Genre er bislang arbeitete. Gerade wurde er für den Film "Roma" mit drei Oscars ausgezeichnet für seine Regie- und Kameraarbeit und als "Bester fremdsprachiger Film". Jetzt schauen wir auch auf sein bisheriges Werk. Schauen Sie doch bitte mit!

Viele Filme sind zu Unrecht keine Klassiker. Sie sind vergessen, zerstört oder verrotten in Archiven. Denn ein "Klassiker" zu sein meint auch einem Selektions-, Ordnungs- und Verdrängungsbegriff zu unterliegen. Aber die Filme, die diesen Beinamen tragen, sind Musterbeispiele der Filmkunst. Und es bedarf wohl schon ausgemacht boshafter Spitzfindigkeit, sich zu fragen, ob dabei nicht doch einer diesen Beinamen zu unrecht trägt. Doch berechtigt oder nicht, die alten Filme sterben aus. Sie sind nicht mehr im Verleih, und immer mehr werden aus ihm herausgenommen. Aber ein Kommunales Kino ist ohne sie nicht denkbar, denn der Rückgriff auf die cineastische Tradition ist notwendige Voraussetzung für heutiges Filmverständnis.
Der diesjährige Heidelberger Frühling hat die Musik aus der neuen Welt zu seinem Schwerpunkt gemacht. Die Filmmusik spielt dabei eine herausragende Rolle, da die Emigrationswelle europäischer Komponisten nach Beginn des Dritten Reichs in die USA auch Avantgarde-Komponisten an den Broadway und nach Hollywood verschlagen hat. Dies waren die stärksten Auftragsgeber, bei denen die Komponisten sich gewissen ästhetischen uns funktionalen Regeln beugen mussten. Dabei entwickelten sie einen neuen Stil, die klassische Filmmusik, die die Bilder begleitet und die Stimmungen und psychologischen Begebenheiten untermalt und deutet. Dieser Stil hat sich bis heute gehalten und prägt die Wahrnehmung von Erzählmustern im audiovisuellen Bereich und konsequenterweise auch den Einsfluss der Musik auf die Zuschauer. Zudem haben diese Komponisten den Orchestersound, der bis zu diesem Zeitpunkt in den Konzertsaal verbannt war, popularisiert. In ihren Kompositionen benutzen sie Motive und Auszüge von Werken der E-Musik und sie entwickelten eine Technik, bei der vor allem das Leitmotiv-System Wagners übernommen wurde.
In diesem thematischen Rahmen zeigen wir als Produkt unserer Zusammenarbeit Klassiker, bei denen die Filmmusik eine ganz besondere Rolle spielt und von europäischen Emigranten wie Max Steiner und Franz Waxmann erarbeitet wurde. Es sind die "richtigen" Klassiker, wie "Gone with the wind" ("Vom Winde verweht"), "Casablanca" oder auch Alfred Hitchcocks schön schaurige "Rebecca".
Und da der Klassikerbegriff sich immer weiter ausdehnt, fasst er auch einen Film wie "Blue Velvet" von David Lynch, der seiner Zeit in den 1980ern mit seinen visuellen Provokationen das Publikum fesselte.
Es ist zwar müßig, sich bei der heutigen Filmproduktion zu überlegen, wer von den neueren Filmen das Zeug zum Klassiker hätte, aber "Son frère" von Patrice Chéreau etwa, einem Film über das Sterben oder "Ararat", in dem der weltweit erfolgreiche Atom Egoyan die Wurzel seiner Heimat Armenien sichtbar macht, sind beides Filme, die einen bewegen, die einen Eindruck auf die Zuschauer hinterlassen, der nicht mehr aus dem Kopf geht. Darauf kommt es uns bei unserer Programmgestaltung an, ob es sich um einen Klassiker handelt oder nicht.

Drogen sind eine (gefährliche) Macht. Erfahrungen mit ihnen sind Thema der Kunst, auch des Films. Im September möchten wir dies belegen. In Dokumentation und Fiktion. In Tragödie und beinahe Komödie. In Kultfilmen zelebrieren wir nicht ohne Augenzwinkern die Folgen von Begegnungen mit Substanzen teils unbekannter Art, die schon in kleinster Dosis alles verändern. Wie manch guter Film eben. Vor allem aber freuen wir uns auf unseren Stargast Werner Pieper, Verleger und Ex-Dealer. Er wird uns mit grüner Kraft in den Dschungel unseres erweiterungsbedürftigen Bewusstseins führen und so manche Anekdote aus dem Heidelberg der 1970er Jahren erzählen. Wenn das mal nicht ein spannender Abend wird!?

Cinelatino ist nicht nur das Filmereignis im Monat Mai, sondern neben den Filmtagen des Mittelmeers das Filmereignis im Kinojahr des Karlstorkinos. Traditionell veranstalten wir das Festival lateinamerikanischer Filmkultur mit dem Cinelatino in Tübingen. Schwerpunktland ist in diesem Jahr Kuba. Wir erwarten sehr gute Filme und namhafte Gäste nicht nur aus Kuba, sondern vom gesamten Subkontinent, darunter als Highlight der zur Zeit bekannteste und erfolgreichste kubanische Regisseur Fernando Pérez. Außerdem freuen wir uns, als Gäste zu begrüßen: Juan Carlos Zaldívar, Exilkubaner aus Miami, der seinen prämierten Film "90 millas" vorstellt. Sein Aufenthalt wird großzügig unterstützt durch das DAI Heidelberg, Eliane Caffé, Newcomerin aus Brasilien mit ihrem Film "Narradores de Javé" ("Erzählungen aus Javé") sowie Marcela Arteaga ("Recuerdos"), Dokumentarfilmerin aus Mexiko und Uli Steltzner ("Testamento") sowie Roberto Sánchez ("Das Land der 100000 Witwen") aus Deutschland. Darüber hinaus haben wir uns wie immer erlaubt, das Tübinger Programm durch zusätzliche beliebte Filme aus dem Cinelatino-Fundus zu bereichern, so etwa "Quién diablos es Juliette?" ("Wer zum Teufel ist Juliette?") oder - wenn Fernando Pérez schon einmal da ist - "La vida es silbar" ("Das Leben ein Pfeifen"). Daneben soll es an Komödien nicht fehlen wie "Casate conmigo" ("Heirate mich") oder die Geschichte der Lokomotive "Heart of Fire", zu sehen in "El ultimo trén" ("Der letzte Zug"). Und last but not least zeigen wir den Filmerfolg aus Mexiko "El crimén del Padre Amaro" ("Die Versuchung des Padre Amaro").
Im Anschluss an Cine Latino 2004 wagen wir von New York aus einen kubanischen Epilog und präsentieren mit "Before night falls" Julian Schnabels Verfilmung des Lebens und Schreibens von Reinaldo Arenas, des großen kubanischen Dichters, der ins US-amerikanische Exil gehen musste.
Außerdem zeigen wir zwei Erstlinge: "Osama", der erste Aufsehen erregende Film aus Afghanistan nach dem Sturz der Taliban sowie der erste Film der französisch- italienischen Ausnahmeschauspielerin Valeria Bruni-Tedeschi, bei dem sie auch selbst Regie führte: "Il est plus facile pour un chameau" ("Eher geht ein Kamel durchs Nadelöhr").
Unsere Kinopforte ist größer, wir freuen uns auf ihr zahlreiches Erscheinen. Wir würden auch ein Kamel hereinlassen, aber nur vierbeinige natürlich.

„In was für einer Gesellschaft wollen wir leben?“ fragt die ‚Aktion Mensch’ – und präsentiert dazu innerhalb eines Filmfestivals ausgesuchte Spiel- und Dokumentarfilme, die bundesweit durch die Kinos touren, im November an sechs Tagen nun auch bei uns Kino zu sehen. Die Inklusion von Menschen mit Behinderung ist das diesjährige Thema. Ob nun Sehbehinderung als Einschränkung und Chance zugleich, Gehörlosigkeit und Performance, Biotechnologie und Behinderung, Sex für Behinderte oder ein Porträt zweier Zwillingsbrüder, von denen einer nur halb so groß ist wie der andere. Gerade die exponierte, provokante Auslotung dieser Thematik verspricht einen spannenden und informativen November! Genauso wie die vielen Sonderveranstaltungen, die wir wieder im Programm haben. Wir freuen uns auf ihr Kommen!

Ohne Zweifel, es gibt ein stetig wachsendes Interesse an Dokumentarfilmen. Und ebenso zweifellos gehört es zu den Aufgaben eines Kommunalen Kinos, dem gerecht zu werden. Unser Filmmonat Februar möchte dies wieder einmal unter Beweis stellen. Dabei ist es auch unser Ehrgeiz, zu zeigen, wie verschieden das Ergebnis ausfällt, was dann als Dokumentarfilm klassifiziert wird. Denn es gibt Dokumentarfilme, die so sehr mit fiktionalen Sequenzen durchsetzt sind, dass sie grenzüberschreitend sind, andere wiederum stellen sich bewusst in eine Tradition nüchterner Darstellung.
Oft sind Dokumentarfilme schlicht das Ende einer Suche. Der Regisseur und sein Team hat dann etwas gefunden, was er verschwunden glaubte. Er erblickt in seinem gefundenen Stück dokumentierter Realität ein Gegenstück zu dem, was sonst allgemein unter Wirklichkeit verstanden wird, ein Partikel Utopie in dem, was zu vergehen bestimmt ist. Erich Langjahrs "Hirtenreise ins 3. Jahrtausend" ist dafür ein wunderbares Beispiel. Nicht müde wurde er, uns, da wir doch im "ländlichen" Heidelberg unser Kino betreiben, seinen Film anzupreisen. Mögen nun die letzten Schweizer Hirten samt ihren Lämmern uns die Berge hinan führen, auf dass wir droben erblicken, wem wir entronnen sind. Wir brauchen erhöhte Positionen, um wahrnehmen und denken zu können. Auch der Dokumentarfilm "Carpatia" zeigt uns Lebensformen im Vergessenen. Aber er öffnet uns auch den Gebirgswald zur Kulturlandschaft Osteuropa, um zunächst einmal zu zeigen, dass es so etwas Homogenes gar nicht gibt, sondern eine atemberaubende Unterschiedenheit, die nur gut sein kann. Aber jetzt genug davon: Wenn Ihnen das zu ländlich ist, gehen Sie in den Nachtclub mit John Cassavetes, laden sie mit Lucas Belvaux einen Terroristen zu sich ein, oder betreten sie ein dänisches Frauengefängnis. Zum Schluss landen sie eh wieder einer Kuh. Aber die kommt aus Polen und kann fliegen. Haben Sie nur Mut, wir wollen hier bei uns alles außer einem Kino für Memmen.

Okzitanien als Filmlandschaft wird uns im Oktober zum Schwerpunkt. Gleich, ob der Film in dieser Landschaft oder in diesem Kulturraum spielt, ob er sie explizit abfilmt oder gleichsam nur streift. Große Regisseure und berühmte Filme sind auf jeden Fall dabei. Reden danach und Wein trinken dabei ist auch gestattet. Ein bisschen was anderes als sonst, aber gerade in seiner gewissen Vagheit umso spannender.

Unlängst musste noch ein ungläubiger Gast in unserem Kino belehrt werden: Doch, es gibt im Karlstorkino wirklich ein Festival über Mathematik und Informatik im Film. Das gibt es bei uns schon lange und dank der Laureate-Stiftung. Wie immer, zumeist selten bis einmalig gezeigte Dokumentarfilme, spannend zudem, zu erleben, wie dabei das traditionelle Kinopublikum auf gestandene Mathematiker*innen trifft. So hoffentlich auch dieses Mal wieder.

Liebe Gäste, bitte bemerken Sie, dass wir uns für April etwas beinahe Unmögliches vorgenommen haben. Denn „Zeit“ als Schwerpunktthema berührt eine der Grunddimensionen unseres Daseins im Allgemeinen und des Films als Abfolge von Bildern mit zeitlicher Ausdehnung im Besonderen. Abgesehen davon gibt es eine Vielzahl an Filmen, die – mal humorvoll, mal ernst, mal kryptisch – versuchen, Zeiterfahrungen filmisch umzusetzen, z.B. durch Beschleunigung, durch Verzögerung oder durch Wiederholung. Wir freuen uns sehr auf Ihren Besuch, um gemeinsam über einen guten Film die Zeit auch mal zu vergessen. Ab 23.4. werden wir unser Kino dann für eine Woche schließen – um es, wie viele andere in Deutschland, für die Zukunft zu rüsten. Denn der technische Fortschritt – die 2K Digitalisierung – lässt sich nicht aufhalten, selbst wenn wir weiterhin und immer wieder auf das bewährte Format 35mm zurückkommen werden.

cine latino: so heißt unser traditioneller Mai-Schwerpunkt. Dieses Mal bedeutet dies, eine Tradition unter neuen technischen Bedingungen fortzuführen. Denn die Digitalisierung (4K) hat im Karlstorkino Einzug gehalten und auch cine latino wird, so unser aller Hoffnung, mit besonders brillanten Bildern davon profitieren (bitte Daumen drücken, das technisch alles klappt). Dieses traditionsreiche Filmfestival zu lateinamerikanischen Themen steht nach wie vor für ästhetische Experimente und soziales Engagement – für einen Kinoblick auf einen Subkontinent, von dem sonst über das Jahr nur wenig im Kino zu sehen ist. Natürlich gibt es dazu erneut ein umfassendes Rahmenprogramm für unser begeisterungsfähiges Publikum, bei dem bestimmt wieder Stammgäste auf neugierige Erstbesucher treffen. Auch Schulvorstellungen sind möglich. Alle Infos: www.festivallatino.de

Liebe Cineasten, wir waren gespannt wie die Kino-Initiative und Kino-Innovation „Delicatessen“ in unserem Karlstorkino ankommt. Technisch war alles kein Problem. Besonders erfreulich aber war der Zuspruch, den gerade einige Dokumentarfilme bei uns fanden. Filme, bei denen auch wir uns zunächst überlegen, ob man in Heidelberg dafür wenigstens ein kleines Publikum dafür findet. Doch der Dokumentarfilm weckt international zusehends größeres Interesse. Formal weitaus vielfältiger, als der Kinogänger vielleicht glaubt, zeigt er uns in einem Ausschnitt einen genaueren Blick auf ein Stück Wirklichkeit. Darum wurde und wird unsere Reihe „Delicatessen“ zu einem Forum des Dokumentarfilms. Nicht nur natürlich, aber eben doch in einem besonderen Maße.
Das Internationale Filmfestival Mannheim-Heidelberg findet wieder in den Räumen des Karlstorbahnhofs und in unserem Karlstorkino statt. Bitte beachten Sie die zahlreich ausgelegten Programme. Und wir sind erfreut darüber und schmücken das Festivalprogramm davor mit unserem Markenzeichen, dem Latino-Film in Originalsprache. So mögen das Novemberprogramm Publikumslieblinge wie die so blutrote wie nachtschwarze mexikanische Gangsterfilmparodie „Nicotina“ oder die bei unserem diesjährigen Cine-Latino-Festival ausgesprochen beliebte Musik-Dokumentation „Tango real“ ergänzen.
Vielleicht haben Sie jetzt längst bemerkt, dass Heidelberg im diesjährigen Kulturherbst wieder so richtig „brummt“. Inmitten all der „Events“ organisieren wir im Vergleich dazu fast intime Kino-Abende mit spanischer Film-Avantgarde der 1920er und 1930er Jahre oder einer Werkschau der Dokumentarfilmer Rosenthal. Genau für das jedoch sind wir hier in Heidelberg seit je her bekannt.
So wünschen wir wieder einmal viel cineastisches Vergnügen!

Nachdem die Proteste um Polizeigewalt gegen Afroamerikaner*innen nicht abklingen und die US-Wahlen vor der Tür stehen, werden wir unsere Reihe zur Protestbewegung #BlackLivesMatter intensivieren und sind sehr glücklich darüber, gleich zwei Klassiker zeigen zu können, die sich schon vor längerem diesem Thema angenommen haben: Spike Lees „Do the Right Thing“ ist bei uns in einer schönen 35mm-Kopie zu sehen und mit „Mississippi Burning“ gedenken wir zugleich dem großen britischen Allroundtalent Alan Parker, der am 31. Juli 2020 verstarb.

Aber auch unser weiteres Programm birgt neue Highlights aktuellen Filmschaffens und wirft Schlaglichter auf die Filmgeschichte. Und so freuen wir uns auf anregende Begegnungen mit Filmen und mit unserem Publikum.

Keine Angst vor Jubiläen. Darum: Mozart forever! Delicatessen macht es möglich und wenn die Mozartaufnahmen, die wir Ihnen präsentieren, keine Delicatessen sind, was dann. Vorher schon haben wir den Heidelberger Frühling gefeiert und wo ist er in Deutschland schöner als in Alt-Heidelberg? So zeigen wir Mut zu Kitsch und Gefühl und verlieren wieder unsere Herzen dort, wo man sie eh immer verloren zu haben glaubt. Höhepunkt ist die „Student-Prince“ Verfilmung Ernst Lubitschs, die live am Klavier begleitet wird. „Faust“ gibt es auch noch mit lebendiger Klaviermusik.
Weiter freuen wir uns auf Jeanette Wagner, auch eine Heidelbergerin, und ihrem Abschlussfilm „Liebeskind“ sowie auf die exzellente Dokumentation “12 Tangos“ und so weiter und so fort. Das April-Programm ist überreichlich vielfältig geraten wie in den jugendlichen Frühlingstagen unseres Karlstorkinos. Erblühen sie mit uns!

Der Monat Mai beschert uns wieder das Cine-Latino als einer der absoluten Höhepunkte unseres Karlstorkino-Jahres. Es war unser Ehrgeiz, noch mehr Filme aus verschiedenen Süd- und mittelamerikanischen Ländern zu zeigen, dabei auch die verschiedenen Genres noch stärker auszudifferenzieren. Wohin entwickelt sich der Latino-Film? Das soll unser Filmfestival ganz deutlich machen.
Immer die Frage, wie man so ein Event attraktiv ergänzt. Wir haben uns zum Beispiel für den Aufsehen erregenden spanischen Mittelmeerfilmtage-Beitrag „Te doy mis ojos“ entschieden, weil er auch kulturell an das Cine-Latino anknüpft.
Was gibt es noch schönes? Gegen Monatsende taucht ein Projekt auf, das den mysteriösen Titel „The cremaster cycle“ trägt, ein insgesamt siebenstündiges Performance-Projekt des US-amerikanischen Multitalents Mathew Barney. Seine Ehefrau Björk ist noch etwas bekannter. Diesen Mega-Film zu zeigen, ist ein cineastisches und ästhetisches Wagnis, das nur ein Kommunales Kino, wie wir es verstehen, angehen kann. Filmkunst als Zumutung, der man sich aussetzen muss und die die gewöhnlichen visuellen Vorstellungen von Film allgemein weit hinter sich lässt. Es wird schon ein spannender Kino-Monat werden, dieser Mai.

Wenn ihre Mutter mal wieder vergessen hat, sie von der Schule abzuholen, wartet die achtjährige Elsa manchmal stundenlang allein auf der Straße. Eines Tages nimmt sie ein kauziger
Nachbar mit in seine Wohnung. Die wimmelt nur so von Schmetterlingen aller Größen, denn Julien ist leidenschaftlicher Schmetterlingssammler. Er hat sich eins geschworen: einmal in seinem Leben Isabelle zu fangen, einen seltenen, wunderschönen Nachtfalter, der in den Bergen lebt! Und Elsa weiß sofort, auf die Reise will sie mitfahren. Schließlich hat sie noch nie in ihrem Leben eine echte Kuh gesehen! Als Julien aufbricht, den Falter zu suchen, hat er einen blinden Passagier an Bord ...
Eine witzige und spannende Entdeckungsreise in die Natur beginnt.

Der August gehört bei uns einmal mehr dem unabhängigen US-Amerikanischen Kino. Für den / die geneigte Besucher/in eine gute Möglichkeit, unkonventionelle Filme zu sehen, die ansonsten eher selten im Kino gezeigt werden. Dieses Mal kreisen die ausgewählten Produktionen oftmals um Ausnahmesituationen – über Momente, in denen die Lage eskaliert oder kaum mehr zu kontrollieren ist. Daneben gibt es einige außergewöhnliche Dokumentationen zu entdecken. Filmästhetische Erfahrungen sind garantiert – denn gerade der US-independent Film bleibt im cinematographischen Gedächtnis oftmals besonders lange hängen.

Geboren am 20. Januar 1946 als Sohn eines US-Regierungsbeamten studierte David Lynch in Philadelphia und realisierte 1967 dort seinen ersten Kurzfilm. Dem folgte 1970 ein 35 minütiges Werk namens THE GRANDMOTHER, der eigentliche Beginn von Lynchs Schaffen als Filmemacher, stets begleitet von seinen Tätigkeiten als Maler, Fotograf, oder Designer.

ERASERHEAD, entstanden in fünfjähriger zäher Kleinarbeit und der einzige Film, über den Stanley Kubrick bekannte, bei diesem gern selbst Regisseur gewesen zu sein, wurde dank kontinuierlich nächtlicher Ausstrahlung in den Programmkinos als „midnight movie“ zum Kultfilm. Dieser frühen Phase im Schaffen David Lynchs gilt unser Juni-Schwerpunkt, ergänzt durch seine aktuelleren Projekte sowie BLUE VELVET, mit dem Lynch seinen künstlerischen Durchbruch erzielte. MULHOLLAND DRIVE – STRASSE DER FINSTERNIS von 2002 entstand aus einer geplanten TV-Serie. Und LOST HIGHWAY aus dem Jahre 1997, irgendwo zwischen Film noir, Horrorfilm und Psychothriller angesiedelt, gilt bis zum heutigen Tag so manchem Fan als der beste aus seinem Wahnsinns-Werk. 2006 dann hatte INLAND EMPIRE in Venedig Premiere, ein Werk, in das Lynch auch Teile seiner Kurzfilmreihe „Rabbits“ aufgenommen hat. Die Kombination aus (nicht nur) frühen Kurzfilmen und derzeitig aktuellem Film zeigt die Genese im Werk David Lynchs und hellt ein wenig das Verborgene auf, das ihn wie eine finstere Aura umgibt und ihn zum Mythos macht, der ihm einen sicheren Stammplatz in unserem Kino garantiert.

Quentin Tarantino und Ingmar Bergman: zwei Meisterregisseure, unterschiedlicher wie es kaum geht. Und dennoch verkörpern beide die Faszination, die vom Medium Film herrührt. Die Kombination einer kompletten Werkschau Quentin Tarantinos mit WILDE ERDBEEREN, einem der berühmtesten Werke von Ingmar Bergman, besitzt natürlich ihr tragisches Moment, verstarb doch kürzlich mit Bergman einer der bedeutendsten Künstler überhaupt. Immer wieder hat sein Schaffen bei uns seinen Platz im Programm gefunden. So schließt sich der Kreis aus Hommage, Bestandsaufnahme der gegenwärtigen Produktion sowie möglicher Perspektiven künftiger Arbeit. Der 1963 geborene Quentin Tarantino nimmt hierbei eine Schlüsselposition ein. Verbindet sich doch bei ihm Trivialität mit Ästhetik, die B-Movie-Tradition der Vorstadtkinos mit virtuos inszenierter Filmkunst. Er gilt dabei als Prototyp einer Reihe von Autorenfilmer, die alle wichtigen Aspekte ihrer Arbeit selbst bestimmen. Zweifellos haben seine Filme zunächst mehr provoziert, als die Zustimmung der Kritiker gefunden. Aber Provokation ist oft die Grundvoraussetzung für Anerkennung. Es war ein langer Weg für Tarantino, auch zu uns ins Karlstorkino. Aber jetzt ist es soweit.

Im Juni werden „Junge europäische Komödien“ unser Schwerpunkt sein. Die Komödie ist eine Form filmischer Erkenntnis der Realität, bei der einem bisweilen auch mal gerne das Lachen im Halse stecken bleiben kann. Zuvor jedoch würden wir Sie gerne lachen hören. Oder machen Sie sich doch einmal das indiskrete Vergnügen und hören den anderen beim Lachen zu. Im Kino gibt es so wunderbar verschiedene Typen von „Lachern“. Laute und leise, verstohlen oder befreiend. Es gibt Filmszenen, bei denen jeder lacht. Dann der Typus Besucher, der kommende Szenen bereits auswendig kennt und daher schon mal gerne im voraus lacht. Und natürlich diese spontanen „Einzellacher“, bei denen man den Film am liebsten anhalten würde, nur um die betreffende Person zu fragen, was denn jetzt gerade so lustig sei?! Wie dem auch sei: viele Lachanfälle in diesem Juni wünscht Ihnen Ihr Karlstorkino!

"Kunst? Mit dem, was man macht, versucht man, sein Publikum auf eine bestimmte Weise zu sensibilisieren für's Leben, für die Umwelt. Das ist ein Sensibilisierungsprozeß, den man mit sich selbst vorgenommen hat und den man übertragen muß auf sein Publikum - mehr ist es nicht." Vermeintlich schlichte Formulierungen, tatsächlich aber essentielle Selbstauskünfte zu Leben und Werk von Rainer Werrner Fassbinder, der vor zwanzig Jahren starb. Der "Basis-Film Verleih" Berlin bringt darum in Zusammenarbeit mit der "Rainer Werner Fassbinder Foundation" eine Werkschau dieses Filmkünstlers heraus, von der wir Ihnen eine Auswahl in unserem Kino präsentieren. Es sind Anfangswerke darunter, Melodramatisches wie Satirisches, natürlich fehlen auch die Filme nicht, mit denen er berühmt wurde.
Voller Erleichterung können wir darüber hinaus endlich wieder einmal die Filme zeigen, die in Heidelberg schon längst schmerzlich erwartet werden. Also, wo bleibt der so vielgelobte Film aus dem Milieu der Putzkolonnen in Kalifornien, "Bread & Roses" von Ken Loach? Er kommt. Ferner setzen wir nicht nur für die expliziten Freunde des französischen Films die Reihe unseres Ciné-Club fort, und wir wiederholen zusätzlich mit "Solas" bereits das erste Highlight der "Filmtage des Mittelmeers" vom Januar, denn gerade ein solcher Film darf ruhig mehrfach angesehen werden.
Und schließlich geht unser Blick ganz weit in den Osten ins ferne Japan, das mit dem Animationsfilm "Prinzessin Mononoké" wieder bewiesen hat, wie überragend in diesem Land diese Filmgattung beherrscht wird. Ja, und manchmal loben Filmkritiker auch schwierige und sperrige Filme, ganz besonders viel Aufsehen erregte "Eureka", eine über drei Stunden lange Meditation über ein Leben nach der Gewalt. Kein Wort zuviel hier über die Relevanz eines solchen Themas, unendlich viele könnte man jedoch über dieses Meisterwerk verlieren! Aber kommen Sie doch einfach vorbei und erleben es selbst.

Japan und der japanische Film sind unser Schwerpunkt im Monat Juli. Schon längst ist eine Retrospektive des japanischen
Films überfällig, denn derzeit kommen aus kaum einen anderem Land derart eigenwillige Filme, so virtuos wie wagemutig und unkonventionell. Es sei hier nur an ein Opus wie LOVE EXPOSURE erinnert. Den zeigen wir jetzt auch wieder, und einige andere mehr. Eine Art verspätetes cineastisches Sakura matsuri (Kirschblütenfest). Wir wünschen einen wunderbaren Kino-Sommer!

„Junges amerikanisches Kino Vol. 5“ heisst unser Schwerpunkt im Herbst. Vielleicht mag ja der / die ein oder andere spotten, weil diese Reihe nun nicht mehr wirklich jung, sondern schon ein bisschen zur Tradition geworden ist. In ihr vermischt sich die Suche nach Neuentdeckungen im US-Kino (diesmal inklusive des ein oder anderen Ausflugs nach Europa) mit der Lust darauf, meist unbekanntere, gleichwohl sehenswerte Produktionen im Kino zu entdecken. Bleiben Sie neugierig! In diesem Monat liegt zudem ein besonderer Augenmerk auf dem Dokumentarfilm – so viele interessante Dokus auf einmal waren schon länger nicht mehr bei uns im Programm zu sehen gewesen. Nicht zu vergessen: unsere Kinotage in der Heiliggeistkirche! Wir wünschen anregende Kinostunden und einen wundervollen Herbst!

Es gibt ein wachsendes Interesse an Filmen mit politischen Themen. Sie finden bei internationalen Filmfestivals zunehmend Anerkennung, im Programm unseres Karlstorkinos hatten sie von je her einen festen Platz. Mit dem globalisierungskritischen Filmfestival ?Globale 2003? zeigen wir nun eine Reihe von Filmen, die sich als visueller Beitrag zu allgemeiner Globalisierungskritik verstehen. Dabei arbeiten wir mit der regionalen Attac-Gruppe Rhein-Neckar in Heidelberg zusammen. Beim Spielfilm entschieden wir uns für ?Ressources humaines?, dem Erstlingswerk von Laurent Cantet über einen Vater-Sohn Konflikt am Arbeitsplatz. Ergänzt wird dabei unser Programm mit ?The big one?, einem hierzulande eher unbekannten Film des allseits bekannten Michael Moore, zynisch, boshaft und hellsichtig.
Auch die anderen Filme passen gut zu diesem Gesamtkonzept. Das Filmkunstwerk ?Abschied von Matjora?, mit dem wir Elem Klimow gedenken, schildert die Zerstörung traditioneller Lebensformen durch rigide Industrialisierung. Die letzte Szene in ?Edipo re? von Pier Paolo Pasolini wiederum ist ein Musterbeispiel politischer Kritik mit ästhetischen Mitteln: Sie zeigt einen blinden Mann, der von einem Freund an Fabriken vorbeigeführt wird, aus deren hohen Schornsteinen der Rauch aufsteigt, Symbol kapitalistischer Herrschaft. Der Mythos von Ödipus ist in der Moderne angelangt.
Wenn auch unpolitisch, dafür aber umso ästhetischer ist ?Dolls?, ein in deutschen Kinos bislang wenig beachteter Film von Takeshi Kitano. Er besticht durch seine Pracht der Bilder und der Ausstattung. Darum sind wir stolz, ihn endlich bei uns Ihnen zu präsentieren.

Natürlich können Sie jeden Tag indische Filme in Heidelberg Tag sehen. Einfach in einem der zahlreichen indischen Schnellrestaurants ein Lamm-Curry bestellen und en passant an die Wände schielen. Dort hängt oft ein großer Fernseher und man sieht etwas mit lauter Musik, wilden Tänzen, viel Action und Gefühl - in einer Sprache, die man nicht versteht. Also glaubt man, das (und nichts anderes) müsse ein indischer Film sein. Dem mag sein und dennoch weit gefehlt. Denn die ungemein produktive indische Filmindustrie hat viel mehr zu bieten. Im Juli also ein paar Eckpfeiler des neuen indischen Kinos bis hin zu Bollywood und der Frage, wie das US-Kino das heutige Indien so sieht. Ganz besonders freuen wir uns auf eine Sonderveranstaltung am 31.7., bei dem wir als besonderen Gast Alokeranjan Dasgupta begrüssen dürfen, einem der bedeutendsten Lyriker der bengalischen Sprache. Er kannte Satyajit Ray, den wohl berühmtesten Filmregisseur Indiens, persönlich und wird über seine Erinnerungen an ihn sprechen; anschl. wird der Klassiker APUS WEG INS LEBEN gezeigt, der nur sehr selten im deutschen Kino zu sehen ist.

Schwarz-Weiß-Filme – unser Schwerpunkt dieses Monats. Nicht von ganz früher, sondern Beispiele aus aktuelleren, moderneren oder stilprägenden Produktionen der letzten Jahre, teils auch Jahrzehnte – bei der sich also der Regisseur aus bestimmten Veranlassungen bewusst für Schwarz-Weiß entschieden hat. Manchmal aus ästhetisch-visuellen, oftmals aus inhaltlichen Gründen. Bemerkenswerte Filme in jedem Fall: Geheimtipps, aber auch altbekannte Filme sind dabei. Freuen Sie sich mit uns also auf einen nicht ganz so bunten, aber umso spannenderen Kino-Monat! Der übrigens auch erneut eine Vielzahl an Sonderveranstaltungen (mit Gästen) beinhaltet. Die dann gewohnt farbig daherkommen.

Im letzten Jahr hatten wir Agnès Varda noch geehrt, jetzt ist sie ein Jahr später im März leider verstorben, Anlass zu einer kleinen Werkschau. Natürlich jetzt erst recht mit passionierter Einführung, denn Agnès Varda gilt schlicht als eine der wichtigsten Regisseurinnen überhaupt. Schier unendlich ihr Lebenswerk, gleichermaßen präsent sowohl im Spiel- wie im Dokumentarfilm, mit spektakulärem Debüt und lebensklugem Finale. Wer eigentlich erinnert sich noch an die Retrospektive, die wir bei uns im Karlstorkino in den späten 90ern hatten?

Wir hoffen, über das ganze Jahr Ihnen ein anspruchsvolles Programm präsentieren zu können. Aber die wahren Cineasten wissen, im Monat Januar möchten wir alles noch ein wenig überbieten. Das liegt an unseren Filmtagen des Mittelmeers, neben CineLatino im Monat Mai das wichtigste Filmereignis in unserem Karlstorkino. Es enthält, gedrängt auf zehn Tage, fast alles, was wir uns unter unserer Kinoarbeit vorstellen. Und wer unser Programm dabei kennt, weiß, es ist nicht einfach, es zu ergänzen. In diesem Januar helfen uns dabei Leo Tolstoi, Peter Sellers, der Ciné-Club, Rudolf Thome, der österreichische Humor, Cees Noteboom, eine Fahrt nach Marseille und zurück sowie - als Epilog zu unseren Filmtagen - "Solas", einer der Publikumsrenner der Filmtage aus dem Jahr 2000. Höchst unterschiedliche Werke, hier eine Komödie über die Absurditäten unserer menschlichen Existenzen, dort ein Melodram und eine Dokumentation. Alles für mehr Kino, für anderes Kino. Lassen wir 2005 temperamentvoll beginnen.

Der Wonnemonat ist diesmal eine Zeit zwischen zwei unserer größeren Film-Ereignisse, eine Zeit etwa, um Versprechen einzulösen. So zeigen wir, wenn die Bäume ausschlagen endlich den doch bei uns sehr vermissten Jacques-Rivette "L'histoire de Marie et Julien". Ebenso bekommt dann die schon vor vielen Monaten in den Medien besprochene Dokumentation "Resist" über das Leben und Kämpfen des New Yorker Living Theatres ihren Platz im Programm angewiesen. Dann aber machen wir flugs kleine und große Schritte nach Osten, sei es nach Belarus, ein Land, über das es, abgesehen von Sebastian Heinzels Reisebericht, wohl kaum einen aktuellen Film gibt, sei es nach Japan. "Nobody Knows" ist eine Heidelberg-Premiere und ein erneuter Blick auf den gegenwärtigen, oft so einprägsam originellen, japanischen Film. Dazu lassen wir das Cine-Latino vom April noch ordentlich nachbeben und öffnen dazu mit Michael Winterbottoms "Code 46" die cineastischen Augen für die Film-Globale im Juni. Ganz besonders aber freuen wir uns auf unser altes Klavier im Saal. Nein, es ist keine Attrappe, es ist nicht verstummt, es klingt und swingt wieder. Martin Münch macht es möglich, der metropolische Fritz Lang ist uns allen dazu würdigster Anlass. Keine Tradition ist so schön wie eine wiederbelebte Tradition.

2020

Das Karlstorkino wird 25 Jahre alt

Im Januar 2020 beginnt unser Jubiläumsjahr: Ein Vierteljahrhundert Karlstorkino in der Heidelberger Altstadt. Und das heißt: Mehr als 21.000 Filmvorführungen, mehr als 11.000 Filme oder 3 Mal die komplette Heidelberger Bevölkerung in unseren Kinosesseln - beeindruckende Zahlen für ein kleines Kino, das aber in Heidelberg für eine große Filmlandschaft sorgt.

In den kommenden Jahren wird unser Kino gemeinsam mit dem Kulturzentrum „Karlstorbahnhof“ seinen Sitz aus der Altstadt auf die Konversionsflächen am Rand der Südstadt verlegen. Dort werden wir Kino- und Filmarbeit etablieren. Zugleich werben wir aber auf politischer Ebene für die Idee, unsere ausgezeichnete und erfolgreiche Kino- und Filmarbeit an dieser traditionellen Stelle fortführen zu können. Wir wollen zukünftig ein Kommunales Kino mit zwei Spielstätten. Altstadt und Südstadt wären dann wie Standbein und Spielbein für unsere Programmgestaltung - und 2/3 der Bevölkerung Heidelbergs hätten ihr Kino in ihrer Nähe.

2020 feiern wir diese traditionsreiche Bildungs- und Kultureinrichtung und laden Sie/Dich/Euch dazu herzlich in Heidelbergs Kommunales Kino ein.

Ihr/Euer Team des Karlstorkinos

Der Karlstorkino-Monat August ist immer ein Monat des Sammelns. Endlich haben wir Zeit, besser als sonst auf Publikumswünsche einzugehen, und endlich können wir Filme zeigen, bei denen sich mancher fragt, warum die erst jetzt kommen. "Urga" etwa steht auf der imaginären Liste der Filme, die bei uns am besten ankamen, ganz oben. Zu weit oben, um ignoriert zu werden. So möge sich unser Vorhang wieder einmal für die Mongolei öffnen.
"In the mood for love", ein anderes Highlight des August-Programms, wurde noch nie bei uns gezeigt, Wong Kar-wais frühere Filme wie etwa "Days of being wild" dagegen schon. Danach wurde er zu berühmt und zu erfolgreich für uns. Doch jetzt läuft er.
Aber vielleicht möchten Sie bei uns Filme sehen, die ganz typisch für uns sind, bei deren Titel man einem sofort versichern kann, ein solcher Film muss im Karlstorkino laufen. So hätten wir für den August die wunderschön auf altmodisch gemachte Komödie "Skenbart" anzubieten. Er spielt in der Eisenbahn, und Sie werden sogleich ahnen wie schön es ist, wenn nicht nur drinnen dann der Zug rattert, sondern zeitgleich auch draußen. Oder Sie interessieren sich für "Yasmin", ein engagierter Film über einen Menschen zwischen den Weltanschauungen.
Erwarten Sie vielleicht noch etwas von uns für August? Einen Klassiker vielleicht? Richtig alt und richtig gut? Nun, dann erwartet sie Robert Mitchum im Dunkeln.

Fassbinder, immer wieder Fassbinder: Im November noch einer der Themenschwerpunkte des Internationalen Filmfestivals Mannheim-Heidelberg, möchten wir das wiedererwachte Interesse an ihm nun weiter ausreizen und vier frühe Filme von ihm zeigen, die ganz selten zu sehen waren. Filme, die sein komödiantisches Talent verraten, seine Faszination vom Hollywood-Kino beweisen, vor allem aber seine Herkunft vom Theater verdeutlichen. Es sind Raritäten darunter, Whity“ etwa hatte damals überhaupt keinen Verleih, die „Niklashauser Fahrt“ war nur in einer beschädigten Kopie zugänglich. Allesamt zeigen sie den wohl bedeutendsten deutschen Filmregisseur nach dem Krieg in einem filmischen Experimentierstadium, in dem er bei allem was er macht, ganz nahe bei sich bleibt.
Zuvor ehren wir mit Karl Valentin bereits einen anderen genialischen Bayern. Bei seinen Kurzfilmklassikern gibt es wieder Musik zum Film, im Februar aber nicht Klavier, sondern Saxophon und Gitarre, spannend zu erleben, ob dies einen anderen Film deswegen entstehen lässt. Varianten, die erfreuen.
Auch die Dokumentarfilm-Delikatesse findet im Februar wieder ihren gebührenden Platz. „Schattenland“ meint Masuren, zwei junge deutsche haben diese Landschaft für ihren Film bereist und lassen für uns nach „Carpatia“ oder „89mm“ Osteuropa weiterhin in unseren Karlstorkino-Augen verweilen. So wird dieses Februar-Programm eines von denen, die ganz besonders unsere Charakter- Handschrift tragen. Wir freuen uns auf Sie.

Es gibt Länder, die über eine Filmproduktion verfügen, die künstlerisch besonders herausragt. Eines dieser Länder ist zweifellos die Türkei. Werke aus diesem Land sind seit vielen Jahren fester Bestandteil unserer alljährlich stattfindenden „Filmtage des Mittelmeeres“ (die 28. Ausgabe startet am 16. Januar 2014) und bescheren dabei den Zuschauern oftmals ungemein intensive Kinoerlebnisse. Mit der erstmaligen Teilnahme am ‚TürkFilmFestivali’, einem der renommiertesten deutschen Festivals zum türkischen Kino, intensivieren wir den Focus auf dieses bemerkenswerte Filmland – seien Sie alle ganz herzlich willkommen!

Von Ecuador bis Südafrika, von Indien bis Aserbaidschan zeigt sich eine widersprüchliche Wirklichkeit: Ausbeutung und Unterdrückung, Krieg und Umweltzerstörung. Aber auch: Alternativen und Bewegung, Engagement und Widerstand, Hoffnung und Utopie.
Die globale06 in Heidelberg wird sich sieben Tage lang diesen Themen widmen: Dokumentationen, Spielfilme und Low-Budget Produktionen berichten von den Hintergründen der Globalisierung und bebildern die Fantasien im Kampf für soziale Gerechtigkeit und ein selbstbestimmtes Leben. Eindringliche Bilder und Geschichten, die den Betrachter in die kalte Welt der ungerechten Globalisierung führen und dazu anregen, Kino als einen Ort neu zu entdecken, in dem die Realität sichtbar wird. Wir wollen mit der globale06 über das Medium Film Anstöße liefern für die öffentliche Debatte um Alternativen zu einer Ideologie der Ausbeutung und Ausgrenzung. Denn das Karlstorkino ist auch politisches Kino.

In einem Monat gleich zwei Schwerpunkte zu setzen, das gab es bisher im Karlstorkino noch nie. Im Juli ist es soweit: Zum einen freuen wir uns sehr darüber, nach dem Erfolg des vergangenen Jahres erneut ein Filmfestival über Informatik und Mathematik präsentieren zu können. Herzlicher Dank geht dabei an die „Heidelberg Laureate Forum Foundation“, die wieder als Kooperationspartner mit an Bord ist. Auch der zweite Schwerpunkt ist eine Herzensangelegenheit. Das Karlstorkino Heidelberg ist Partner des bundesweiten „20 Jahre Arthaus Festival“, bei der 20 bedeutende Filmklassiker erneut und in 4K digitalisiert im Kino zu sehen sind. Das Label ‚Arthaus’ wurde 1994 gegründet und verschreibt sich seitdem der Welt des besonderen Films: Herausragende Filme des internationalen Independent-Kinos, Klassiker der Filmgeschichte, große Kino-Dokumentarfilme, aber auch umstrittene Meisterwerke – jedoch immer Filme fernab des Blockbusters. Freuen Sie sich gemeinsam mit uns auf einen wunderbaren Kinosommer!

Mexiko ist der diesjährige Länderschwerpunkt unseres "CineLatino". Ein Land mit großer Filmtradition! Erinnert sei nur an Luis Bunuel, Arturo Ripstein oder auch an die Beiträge von Sergej Eisenstein. Durch die Filme Inárritus wurde die Welt in der heutigen Zeit auf Filme aus Mexiko erneut aufmerksam. Aber natürlich gibt es noch viele weitere, vor allem junge Filmemacher, die formal äußerst vielfältig, zum Teil sehr gewagte, ja provozierende Werke schaffen, die oft unverwechselbar sind. Näheres zum umfassenden Gesamtprogramm unter www.festivallatino.de oder speziell zu den Filmen unter www.cine-latino.de.

Weiter würden wir Ihnen den neuesten Schlöndorff über die polnische Solidarnosc ans kämpferische Herz legen oder einen Film mit dem schlichten Titel DAS FRÄULEIN empfehlen. Der etwa wurde in der Schweiz gedreht, kein cineastisches "Trendland", aber eines mit einer nicht zu vergessenden Filmkultur. Oder mögen Sie etwa das ganz Besondere? Bitte sehr: THE SADDEST MUSIC IN THE WORLD dürfte Ihnen gefallen!

Alles redet wieder über Afrika. Ob Rockstar oder Politiker. Was aber wird mit diesem Kontinent geschehen? Wichtig ist in jedem Fall, dass eine Gemeinschaft existiert, die an der Basis kontinuierlich mit und für Afrika arbeitet – gleichgültig ob innerhalb oder außerhalb bestehender Medien. Die Afrikatage des Eine-Welt-Zentrums etwa sind eine Institution mit großer Tradition, und ebenso werden sie von unserem Kino regelmäßig cineastisch begleitet. Ein Musterbeispiel der Zusammenarbeit im Karlstorbahnhof. So präsentieren wir im Monat Juli eine kleine repräsentative Auswahl aktueller afrikanischer Filmproduktionen, die viele Probleme im Umgang Europas mit diesem Kontinent klar und deutlich ansprechen und darüber hinaus die so faszinierende afrikanische Mentalität verkörpern.

Die „Filmtage des Mittelmeeres“ schwappen erneut wie Wellen am Strand zu uns hinüber, im knurrenden Jänner ein zarter Hauch kommenden Sommers, eine große Woge Filmkunst zugleich und nunmehr in ihrer 29. Ausgabe. Wir haben auch dieses Jahr wieder einen Länderschwerpunkt (Italien), wir haben Gäste und vor allem haben wir tolle Filme – wie Schiffe auf dem Meer. Als Zuschauer schaut man darum gebannt und fragt sich, wer oder was da wohl kommen mag. Januar, ein Monat der Verheißung. Bleiben Sie erwartungsfroh – und lassen Sie Ihre Sehnsucht nach dem europäischen, mediterranen Film bei uns münden.

Es gibt unzweifelhaft ein wachsendes Interesse an der Religion und an Spiritualität in unserer Gesellschaft. Ursache dafür ist sicherlich auch ein gewachsenes Unbehagen an der modernen Lebens- und Erlebniswelt, die die eigene Identitätsfindung immer mehr erschwert. Das Kino hat sich in seiner Geschichte schon immer mit religiösen Themen beschäftigt. In unserem Schwerpunktthema für Dezember haben wir uns nun zum überwiegenden Teil solche Filme ausgesucht, die jünger sind und auch eine Auseinandersetzung mit dem Islam, Buddhismus und anderen religiösen Formen beinhalten - im bewusst gewählten Kontext einer Vielfalt der vorhandenen Glaubensformen. Religion und Spiritualität als Schwerpunktthema eines Kino-Programms zu wählen, versteht sich als (erster) Versuch, den unterschiedlichen Vorstellungen zu diesem Thema gerecht zu werden. Wir freuen uns auf ihre Reaktionen!

Film und Philosophie. Das kann einiges bedeuten. Zum Beispiel könnte ein bestimmter Film von einem Philosophen handeln. Oder auch bedeuten, dass einige Figuren im Film philosophische Fragen ansprechen oder dass ihr Schicksal eine philosophische Dimension hat. Doch es scheint noch mehr möglich zu sein. Nämlich die Wahrheit der Cinematographie. Demnach ist Film eine Form des Philosophierens, der Film selbst ein philosophisches Medium. Kinogänger haben das immer schon gespürt. Nun wollen wir im Juni dieser Sache genauer nachgehen. Mit Filmen, Vorträgen und einem Symposium. Ein Wagnis. Aber diese Angelegenheit bedarf nun mal der Klärung.

Unser Filmprogramm im Monat Juli korrespondiert in seinem Schwerpunkt mit den Afrikatagen des Eine-Welt-Zentrums, Heidelberg. Sie sind einer der absoluten Höhepunkte im Kulturjahr des Karlstorbahnhofs und haben sich auch entschieden weiter entwickelt. Wichtig ist uns dabei, dass der Beitrag vom Karlstorkino erkennbar bleibt, also ein kleines Afrika-Filmfestival im Gesamtkonzept bildet. Unsere Filme aus Afrika haben Tradition, sie entspringen allesamt einem großen Interesse unseres Kinos an anderen Filmkulturen. Afrikanisches Kino zu zeigen ist uns eine besondere Ehre, sind doch die Produktionsbedingungen für Filme von diesem Kontinent meist eher schwierig. Nutzen sie darum intensiv diese Chance, die sich nur einmal im Jahr in der Region bietet!

Im Kulturmonat November ist unsere Anzahl der Filme, die wir Ihnen präsentieren möchten, rekordverdächtig. Das liegt an gleich mehreren Filmreihen, Hauptschwerpunkt ist aber ‚cinema! italia!’. Ein kleines Festival auf Wanderschaft, das auch dieses Jahr bei uns Station macht und mit seinem Programm wunderbar vielfältig ausfällt. Ob beeindruckende Dokumentationen, schlichte Landeskunde oder ein Treffen mit großen Altmeistern des einst so ruhmreichen italienischen Films – dieses ‚cinema! italia!’ bietet alle Facetten und hat daher jedes Jahr seinen ganz besonderen Platz in unserem Programm.

August gehört bei uns seit einigen Jahren dem intelligenten US-Kino. Dann geben wir Filmen, die sich ansonsten zumeist in Kommerz-Kinos breit machen, eine andere Plattform – eine Möglichkeit, die künstlerischen Qualitäten dieser Produktionen überhaupt erst sichtbar zu machen. Dies ist sinnvoll - denn viele dieser US-Filme brillierten bei Kritik und Publikum, da sie Formen filmischen Erzählens belebten, die vom Vergessen bedroht schienen: eine Form ruhiger Schilderung mit sorgsam gesetzten filmischen Zeichen, stets getragen von überragend agierenden Darstellern. Stellvertretend sei hier eine Schauspielerin wie Kate Winslet genannt. Wir wünschen einen fantastischen Kinosommer mit vielen großartigen Filmen!

Wegen Erneuerung der Belüftungsanlage ist das Kino geschlossen. Wiedereröffnung: 15.2.

Mit der Eröffnung des neuen Kinos werden unsere Filmtage des Mittelmeeres von nun an im Süden sein. Bedingt durch Corona in den Sommer verschoben, können wir uns jetzt wieder dem traditionellen Wintertermin widmen. So viel ist passiert! Ist es nicht seltsam passend, unser Festival mit einem Film zu starten, der von einem Mann erzählt, der aufgrund einer mysteriösen Pandemie sein Gedächtnis verliert? Was bedeuten Erinnerungen für das eigene Selbst? Woran halten wir fest? Jedenfalls an einem aufregenden Festivalprogramm! Spannend, hochaktuell und humorvoll bietet es Filmgeschichten - menschliche, politische, poetische. Eine Auswahl von Äpfeln bis hin zu menschlichen Blumen…

Filme aus dem und über den Iran zu präsentieren, ist eines unser dringlichsten Anliegen - und das seit Bestehen unseres Kinos. Mit unserem „Schwerpunkt: Iran“ für Oktober möchten wir wieder etwas intensiver an diese Tradition anknüpfen, inklusive einer Einführung zum iranischen Kino (am 25.10. vor ZEIT DES ZORNS; in Zusammenarbeit mit kino-zeit.de). Also öffnen wir unsere Kino-Leinwand für einen Querschnitt des iranischen Filmschaffens der letzten Jahre, Koproduktionen inbegriffen.

Zudem möchten wir dem Dokumentarfilm in diesem Monat ein besonderes Gewicht verschaffen: sowohl zum Film KENNZEICHEN KOHL (der u.a. auch in Heidelberg gedreht wurde), als auch zu FRAU WALTER JENS und zu WENN EINER VON UNS STIRBT ... erwarten wir hochkarätige Gäste; Möglichkeit zu anschließenden Diskussionen inbegriffen. Wir wünschen anregende Kino-Stunden und einen angenehmen, hoffentlich sonnigen Herbst!

Ein wenig ist unser Karlstorkino in der Südstadt nicht nur seiner Einrichtung wegen zu einer Art blauen Lagune geworden, zumindest ein Baggersee im Baustellengebiet. Wer drin in unserem Foyer sitzt, kann beobachten wie sich die Neugierigen nähern, wie weit sie gehen. Gerne dürfen sie noch weiter vordringen, hinein ins Blaue und Filme erleben so frisch wie nirgendwo, seien sie etwa aus Argentinien und für zwei volle Nächte gemacht oder aus einem finsteren Japan voller Gangster. Auch hier gilt: Wer wagt, gewinnt (die Bilder).

Gerade ist das Jahr vorbei, da beginnt auch schon das neue. Wie sich die Zeit nach jedem Silvester wiederholt gibt es auch bei uns alle Jahre wieder die Filmtage des Mittelmeeres in der Frische des Januars. Diesmal besuchen und bestaunen wir natürlich Länder wie Italien, Frankreich oder Griechenland, bei deren Klang einem sofort das Rauschen des kristallblauen Meers in den Sinn kommt. Genauso sehr freuen wir uns aber auch auf Ägypten, Rumänien, die Türkei und viele weitere Länder, die uns ihre Geschichten erzählen.


Für die Filmtage des Mittelmeeres findet ab dem 8.1. ein Kartenvorverkauf bei uns im Kino statt und zusätzlich vom 8. bis 17.1. auch im Montpellier-Haus, Kettengasse 19. Außerdem bieten wir ab dem 8.1. auch einen Online-Ticketverkauf für die Filmtage über www.filmtage-mittelmeer.de und www.karlstorkino.de an. Für dieses Filmfestival sind gesonderte Eintrittspreise gültig, Kartenreservierungen sind leider nicht möglich.

Man könnte unser Programm für April eigentlich ganz kurz zusammenfassen als ein Festival, daneben ein paar Heidelberger Erstaufführungen und ein Klassiker. Freunde des "Fürsten des Films", wie Luchino Visconti in einer recht geschwätzigen Biographie genannt wird, haben wahrscheinlich schon längst seinen "Ludwig II" vermisst. Jetzt reichen wir endlich diesen so opulent ausgestatteten und hochkarätig besetzten Langfilm endlich in ungekürzter Fassung nach. Darüber hinaus präsentieren wir Ihnen das jüngste Werk des wohl mit 93 Jahren ältesten noch arbeitenden Filmregisseurs, des Portugiesen Manoel de Oliveira, "Je rentre á la maison", eine Galavorstellung für den mittlerweile auch nicht mehr ganz jungen Michel Piccoli. Wem das zu sehr in Ehren ergraut scheint, bitte, wir haben noch mit "Schwarze Tafeln" und "Suzhou River" zwei thematisch wie formal sehr überzeugende Beispiele jungen außereuropäischen Kinos anzubieten.
Und endlich ist es auch bei uns so weit, endlich sind auch wir romantisch genug für Heidelberg, romantisch genug für die "Heidelberger Romanze", den wahren Kultfilm dieser Stadt. Wir machen es gleich abendfüllend und unternehmen einen Zeitsprung in das Jahr 1952 mit Wochenschau, Kulturfilm und eben Hauptfilm. Dank dem Haus des Dokumentarfilms Stuttgart! Dank dem Kulturamt der Stadt Heidelberg!

Jetzt aber zu Cine Latino. Im letzten Jahr starteten wir den erfolgreichen Versuch, das allgemeine Publikumsinteresse für ein Filmfestival mit Filmen aus Lateinamerika zu gewinnen , auf Anhieb ein großer Erfolg, darum machen wir weiter. Es gibt wieder einige Deutschland- und Heidelbergpremieren und wir zeigen alle Filme wie gehabt im Original mit Untertitel. Schwerpunkt ist diesmal das Filmland Chile. So präsentieren wir als Eröffnungsfilm "La Fiebre del Loco" von Andrés Wood, eine phantastische Geschichte über eine vermeintlich aphrodisierende Muschel. Doch kein Festival ohne Gäste: wir freuen uns die Regisseure Peter Lilienthal aus Deutschland und Gabriela David aus Argentinien.
Neben Filmen aus Chile zeigen wir die aktuellsten Produktionen aus dem gesamten Kontinent. Wir haben dabei auch nicht "Amores Perros" von Alejandro Gonzáles Iñáritu oder "Tocá para mi" des argentinischen Regisseurs Rodrigo Fürth vergessen. Nichts ohne Rahmenprogramm: es gibt ein Konzert mit der chilenischen Sängerin Veronica Gonzalez, ein weiteres Konzert mit der cubanischen Gruppe Raices Cubanas ein Abend mit Gedichten von Pablo Neruda und José Marti, eine Fotoausstellung und Discos, Discos, Discos. Wir werden eben immer selbstbewusster und fiebern wie Irrsinnige unserem Cine Latino entgegen.

Kairo 2009, zwei Jahre vor der ägyptischen Revolution: Der Regisseur Khalid (als Alter Ego von Tamer El Said) dreht einen Film über Kairo, seine Bewohner, seine eigenen Freunde und seine Familie. Mit behutsamen Bildern und Vorahnungen nähert er sich seiner Stadt an, in der der Umbruch bereits zu spüren ist. Er bannt darin den Moment eines widersprüchlichen Landes zwischen extremer Armut, Korruption und Luxus kurz vor dem Sturz Mubaraks, entstanden unter großen Entbehrungen der beteiligten Protagonisten. Es ist ein kleines Wunder, dass dieser Film überhaupt fertiggestellt werden konnte. Ein poetisches Werk zwischen Realität und Fiktion, das noch immer Aufführungsverbot in Ägypten hat.

Tamer El Said wurde 1972 in Kairo, Ägypten, geboren, wo er auch Filmregie studierte. Sein Debütfilm IN DEN LETZTEN TAGEN DER STADT, der als Independent-Produktion entstand und sieben Jahre für die Post-Produktion benötigte, gewann neben zahlreichen internationalen Preisen 2016 auch den Caligari Film Award der Berlinale und wurde im MoMA in New York vor ausverkauftem Haus gezeigt.

Der Winter des Vergnügens: Unser Kino kann sich in diesem Dezember vor cineastischem Ehrgeiz kaum mehr retten – bei 28 verschiedenen Filme sollte doch für jede/n was dabei sein. Gleich zwei Schwerpunkte werden präsentiert: Zum einen eine Werkschau des französischen Regisseurs Olivier Assayas, der sich unlängst mit CARLOS – DER SCHAKAL endgültig im Kinogänger-Bewusstsein etabliert haben sollte. Zudem zeigen wir eine Auswahl bedeutender Literaturverfilmungen. Größe und Problematik eines Genres, so beliebt, oft misslungen, bisweilen aber schlicht großartig. Von Letzterem bei uns in diesem Monat einige Beispiele. Gleich im Januar melden wir uns dann mit den „26. Filmtagen des Mittelmeeres“ (ab 19.1.) zurück ... bis dahin: schöne Feiertage und nur das Beste für 2012!

Sommerkino – was kann das sein? Sich cineastisch an Winter und Frühjahr erinnern? Oder den Herbst erwarten? Oder vielleich etwas ganz eigenes machen. Genau das haben wir vor, doch mit bekannten Filmen. Nämlich mit Höhepunkten des Jahres, die wir Ihnen jetzt bei uns zu sehen erlauben. Das ist wie wenn Sie am Strand liegen und eben nicht an ihre Arbeit denken, sondern nur an das was unmittelbar vor Ihnen liegt. Es soll sehr heiß werden – auch bei uns.

Womanizer und Werbefigur, präsent und überpräsent in den Medien, aber George Clooney kann etwas, als Schauspieler, Regisseur und Produzent. Wir zeigen eine kleine Reihe aus seinen besten Filmen. Unser Schwerpunkt des Monats gilt aber dem Stummfilm. „Dänischer Stummfilm – Erfolg und Niedergang eines europäischen Filmzentrums“ – so der Titel des 4. Stummfilmsymposiums am 11. und 12. Februar. Unser besonderer Dank gilt den Musikern des Musikwissenschaftlichen Seminars der Universität Heidelberg (die beide Abende musikalisch begleiten) und der Kineskop Filmschule. Wem es also nicht vergönnt ist, zur Berlinale zu reisen ... bis bald bei uns im Kino!

Der Schreiber dieses Programmhefts erinnert sich, dass während der Sturm und Drangphase unseres Karlstorkinos auch ein Erotik-Filmfestival in Erwägung gezogen wurde. Aber während der Diskussion bemerkte jemand, dass unter Erotik sich ein jeder oft etwas ganz Bestimmtes vorstellt. Vielleicht gehört dieses zum Kern einer erotischen Phantasie. So ließen wir diesen Plan fallen, verzichteten natürlich keineswegs auf erotische Filme, aber versuchten stereotype Etikettierungen zu vermeiden. Im Widerspruch zu einer sich libertär gebenden, tatsächlich darin aber normierenden Auffassung von Sexualität, interessieren wir uns seit dem mehr für authentische Ausdrucksformen sexuellen Begehrens. Darum zeigen wir "Wir leben?SM" und freuen uns auf ihr Kommen.
"Tierra" ist ein weiterer Höhepunkt in unserem Film-Juni. Julio Medem wird vergöttert für "Los amantes del circulo polar" ("Die Liebenden des Polarkreises") oder auch für "Lucia y el sexo" ("Lucia und der Sex"). Als neuestes Werk drehte er eine Dokumentation über die politischen Konflikte in seiner baskischen Heimat, "La pelota vasca - la piel contra la piedra". Seine frühen Spielfilme "Vacas" und "La ardilla Roja" ("Das rote Eichhörnchen") waren bei uns schon Teil einer kleinen cineastischen Werkschau, dir sehr bald wiederholen werden. Die Filme von Julio Medem sind es wert. "Tierra" sein dritter Spielfilm, fehlte bisher.
Ein weiterer Film sei noch extra angepriesen: "7 Brüder" von Sebastian Winkels ist ein Geheimtipp unter den Dokumentarfilmen. Darin wird nur erzählt, erlebte persönliche Lebensgeschichte aus einer siebenfach geteilten dennoch gemeinsamen Perspektive.
Und last but not least möchten wir Sie auf unsere spannenden Beiträge im Rahmen der Afrika-Tage des Eine-Welt-Zentrums hinweisen. Voodoo, Madame l'eau, African Blues. Und einen Abend zu Ehren des im Februar verstorbenen großen französischen Cineasten Jean Rouch, der in Deutschland weitestgehend ignoriert wird und der aber mit seinen Filmen die internationale Kinematographie (Cinéma Vérité, Nouvelle Vague) maßgeblich beeinflusst hat. Das klingt doch spannend. Wir wünschen viel Spaß in diesem Kinosommer!

Ein Höhepunkt des diesjährigen Kulturherbstes sind die Baden-Württembergischen Literaturtage. Wir beteiligen uns daran und präsentieren den sowohl Literatur- wie auch Filmbegeisterten zwei seltene Filme über einen schwäbischen Dichter, dessen Namen ein jeder kennt, aber dessen Werke nicht jeder gelesen hat: Hölderlin.
Denn nur das Schwierige ist interessant und auch als Kinogänger reift man an den Widerständen, die man überwunden hat. Jørgen Leth weiß davon zu berichten, er drehte nämlich nach Vorgaben und Auflagen seines Kollegen Lars von Trier einen seiner Filme neu, und das fünfmal verschieden. Filmemachen wurde hier zur kreativ-sportlichen Herausforderung.
Aber noch mal zurück zu Baden-Württemberg. Unser Ländle scheint heimlicher Schwerpunkt zu sein, denn die gute ehrwürdige Wüstenrot Stiftung ermöglicht eine Tour de Provinz preisgekrönter Kurzfilme des Europäischen Kurzfilmfestes Stuttgart Ludwigsburg. Jetzt kommen sie nach Heidelberg und wir werden zum internationalen Kurzfilmzentrum.
Aber vielleicht doch lieber in die weite Welt? Ob düsteres Kanada oder spanische Inseln, ob [Link Film=625]"Spider"[/Link] von David Cronenberg oder [Link Film=623]"Lucia und der Sex"[/Link] von [Link Reihe=96]Julio Medem[/Link], der Abschlussfilm unserer erfolgreichen Werkschau dieses Ausnahmeregisseurs, das Auge unserer Projektoren kreist wieder um den Globus.
Nicht zuletzt auch dafür bekamen wir unsere Auszeichnung, vielen herzlichen Dank den Gratulanten. Wir werden weitermachen und ein noch viel schöneres Kino werden.

Wie wirken sich Krisen auf den Film eines Landes aus? Ein Gedanke anlässlich cinema! italia! Derzeit steht Italien nicht unbedingt im Zentrum einer international besonders präsenten Filmproduktion – daher besonders interessant, weil sie die Situation im Landesinneren dafür möglicherweise umso genauer widerspiegelt. Dabei muss sie nicht dezidiert politisch ausfallen, gerade das Private beweist oftmals scharfen Zeitgeist. Innenansichten zu liefern wird somit zur einer wichtigen Aufgabe von cinema! italia! 2012, dem kleinen und beliebten Filmfestival des neuen italienischen Films auf Wanderschaft durch deutsche Kinos, im Dezember auch wieder bei uns. Eine Tradition, die stetige Neugierde weckt.

Unser Sommerkino möchte dieses Mal nicht nur entspannen. Es könnte eher mit relaxten Herausforderungen beschrieben werden, soweit eine und einer sich darunter etwas vorstellen kann. Konkret kombinieren wir große Klassiker mit Berliner Schule, ganz Neues mit dem, was vor einigen Monaten das Publikum in die Säle trieb. Aber dann gibt es doch wieder so etwas wie einen Skater- oder einen Kiffer-Film, so dass der Sommer mit seinen Gefühlen nicht völlig verdrängt wird.

Der Dezember 2019 könnte ein Monat werden, in dem wir besonders stolz auf unser Programm sein könnten, weil wir besonders stolz auf uns sind. So sind wir im Oktober bei der Verleihung der Kinopreise des Kinematheksverbundes mit einem zweiten Preis in der Kategorie „Kino, das bildet“ ausgezeichnet worden. Zudem freuen wir uns, vom 6. bis 8. Dezember zusammen mit dem Mannheimer Cinema Quadrat den 15. Bundeskongress der Kommunalen Kinos ausrichten zu dürfen. Eine große Ehre, eine große Aufgabe. Und wenn der Kongress tanzt, gehen wir wieder zum Filme sehen nach Italien, zumindest öffnet sich bei uns für Cinema Italia die Leinwand. Wir versprechen hochinteressante Produktionen als Ausklang eines sehr ereignisreichen Karlstorkino-Jahres. Bella Italia, bella Cinema!

Der Kampf geht weiter. Der Kampf um gute Filme. Als wir auf Marco Tullio Giordanas "Die besten Jahre" aufmerksam wurden, waren wir sofort begeistert. Dieser sechsstündige Epos in zwei Teilen musste zu uns. Denn wir haben in unserem Karlstorkino eine große, sympathische Gemeinde für den italienischen Film. Und wir möchten erneut klar stellen, wie wichtig uns Filme mit politischen und zeitgeschichtlichen Themen sind, da einer, der lediglich nur von Film etwas versteht, Gefahr läuft, irgendwann auch von ihm nichts mehr zu verstehen. Zwar gab es zunächst Probleme, "Die besten Jahre" zu bekommen, aber wir haben es geschafft und freuen uns auf Sie.
Auch für "Following", dem frühen Werk Christopher Nolans, einem, der später sein Talent noch umso deutlicher bewiesen hat, haben wir uns eingesetzt. Sein Film, der als Vorschlag für unser Programm immer wieder auftauchte, drohte schon endgültig übersehen zu werden, aber jetzt ist es soweit. Gerade an einem solchen Werk macht es Vergnügen zu erleben, wie mehr als nur in Ansätzen sich in ihm die Formsprache späterer Arbeiten zeigt.
Mit "Auch Schildkröten können fliegen" präsentieren wir einen Film aus einem Land, dem Irak, ohne eigentliche Filmproduktion, mit "Die Mitte" einen inspirierten Dokumentarfilm, mit "Viaggio in Italia" endlich wieder einmal einen richtigen Filmklassiker, allesamt sollen sie Beispiele unserer Idee sein, auch im heißen Juli mehr Kino als sonst wo zu präsentieren. Ein Sommer ohne bewegte und bewegende Bilder ist einfach keiner.

Unseren Juni-Schwerpunkt widmen wir Terrence Malick, dessen Ruf als „Poet des US-Kinos“ sich lediglich auf sieben Filme gründet (von denen wir fünf zeigen). Geboren wurde Terrence Malick 1943 in Illinois, arbeitete u.a. als Hilfsarbeiter auf einer Farm in Texas; später erfolgte erst ein Ausflug in die Philosophie, dann wurde mit dem fulminantem Debüt BADLANDS schon sein Status als lebende Legende in die Wege geleitet – geboren aus dem Nichtstun oder ähnlich Abstrusem wie dem Filmen mexikanischer Sonnenuntergänge. Aber Terrence Malick überquerte danach eindrucksvoll den schmalen Grat zwischen Wahnsinn und Kreativität, bekam viele Preise und ist heute durch viele Genres hindurch einer der spannendsten Filmregisseure überhaupt. Ein Lebensweg hin zum Wunder, jetzt bei uns wieder und neu zu entdecken.

Was macht man nach seiner Geburtstagsparty? Gut, man räumt auf und ruht sich aus. Doch danach, ändert man irgendetwas an seinem Leben und an seiner Arbeit oder macht einfach weiter?
Wer unser Januar-Programm sich ansieht, wird bemerken, wir möchten nach dem Jubiläum einfach ein paar alte Freunde wieder treffen. Filmemacher, die kontinuierlich Gelegenheit bei uns bekommen, ihr neuestes Werk zu präsentieren oder regional arbeitende Künstler, deren Schaffen ebenso bei uns eine Chance hat. So treffen die preisgekrönten Belgier Dardenne auf den Eppelheimer Filmemacher Klaus Klingenfuss. Genauso gespannt sind wir auf das neueste Werk eines so eigenwilligen Regisseurs wie Fred Kelemen oder eines Star-Provokateurs wie David Cronenberg.
Gab es nicht noch etwas im Januar, was auch immer jedes Jahr zu dieser Zeit ist? Nicht dass man wüsste. Doch, da war etwas!!! Ja natürlich, unsere Filmtage des Mittelmeers, unser Musterbeispiel deutsch-französischer Zusammenarbeit auf Heidelberger Ebene, eine seit vielen Jahren reale Vision künftiger intereuropäischer Kulturarbeit. Programm liegt separat aus, es sind wirklich wunderbare Filme darunter, denn die Party nach der Party ist oft die Schönste.

Als Monatsschwerpunkt eine Filmwoche über Informatik und Mathematik zu lancieren – dazu gehört schon ein bisschen mehr Mut als sonst. Mit der „Heidelberg Laureate Forum Foundation“ haben wir hierbei einen Kooperationspartner gewonnen, der das umfangreiche Programm dieser Reihe erst möglich macht – herzlichen Dank dafür! Doch, es gibt sowohl zum Thema Informatik wie zur Mathematik bekannte und gute Filme, seien es Dokumentationen oder auch Spielfilme. Wir jedenfalls zeigen einen Querschnitt von Russell Crowe bis Konrad Zuse – inklusive Schulvorstellungen (in den Morgenstunden), Begleitfilme (zum Hauptprogramm) sowie viele Vorstellungen mit Einführungen und Gästen.

Monat für Monat reizt es uns, für Sie Filme zu zeigen, bei denen Ihnen sofort klar wird, diese können nur bei uns zu sehen sein. Ob ältere Literaturverfilmungen, ob Filme mit extremer Überlänge, bei denen es Ihnen trotzdem nie eine Sekunde langweilig wird, oder Kurzfilmen, die ewig dauern könnten. So erinnern wir uns wieder an Konrad Wolfs Christa Wolf-Verfilmung „Der geteilte Himmel“ und sind hoch erfreut über unseren diesmaligen Kurzfilm-Block. Nicht zu vergessen: es gibt dank Jim Jarmusch viel Musik von Neil Young und nicht zuletzt brummt und singt (!!!) der „goldene Bär von Berlin“ bei uns, nämlich die südafrikanische „U Carmen“. Da sind Frühlingsgefühle wohl erlaubt.

Im November pflegen wir echte Tradition – neues italienisches Kino. Mit cinema! Italia! präsentieren wir erneut ausgesuchte Filme aus einem Land, das bedeutende Beiträge zur Filmgeschichte geleistet hat und immer noch eine Produktionsstätte für Geschichten ist, die sich erheblich von anderen aus Europa unterscheidet. Das thematische Spektrum ist dabei weit: Familie, Politik und Geschichte, aber auch der formale Zugriff ist oft aufschlussreich. Erwähnenswert zudem die ganz besondere Atmosphäre, die regelmäßig von diesen Produktionen ausgeht und sich im Kino auf unsere Gäste überträgt. Erleben Sie auch 2013 wieder eine unserer beliebtesten Filmreihen: Forza cinema! italia!

„Nouvelle Vague allemande“: sag es auf französisch und du meinst es schöner. Es gibt nicht nur wieder „den“ deutschen Film, er hat sogar wieder Stil. Zumindest wenn seine Macher und Macherinnen aus dem Großraum Berlin kommen und dort arbeiten. „Berliner Schule“, so heißt eine Richtung im deutschen Film, die man sich merken muss. Sie ist kein Dogma, sondern ein Netz von Freunden. Viele kommen von der Deutschen Film- und Fersehakademie Berlin (dffb). Was ist ihnen gemeinsam? Die Grammatik des Sehens (neu) zu entdecken. Film wieder als Kunst zu betrachten und sich nicht mehr durch Fernseh-Ästhetik leiten zu lassen. Keine Beruhigung der Gesellschaft, kein Optimismus, keine Selbstverständlichkeiten, stattdessen Ernüchterung ohne Ausflüchte, Identitätsverlust und schwierige Beziehungen. Vorbilder sind dabei Regisseure wie Robert Bresson, Jean-Luc Godard oder die Vertreter des iranischen Kinos. Als Hauptvertreter der „Berliner Schule“ gelten Benjamin Heisenberg, Christian Petzold, Angela Schanelec oder Henner Winckler. Im September präsentieren wir ihre Filme.

Unser jährliches Stummfilm-Symposium ist eine besondere Leistung. Es befreit den Stummfilm zum einen aus dem Korsett gepflegter Sonntagabend-Unterhaltung und betont zum anderen die ästhetische Eigenart dieser Kunstform. Vor allem aber erweitert es den Kanon des vermeintlich Zeigbaren und präsentiert kontinuierlich ausgesuchte Raritäten, ergänzt durch kompetente Referate und Vertonungen / musikalische Darbietungen. Freuen Sie sich mit uns beim 6. Stummfilmsymposium auf eindrucksvolle Veranstaltungen – unser herzlichster Dank geht dabei an die Kineskop, Heidelberg (kineskop.de)!

Vielleicht erinnert sich der eine oder die andere noch: das Cinema! Italia! Es war einst bei uns zu sehen, jetzt kommt es ebenso italienisch wieder. Sieben ausgesucht schöne Filme aus Italien, alle im Original mit deutschen Untertiteln, Beispiele einer hochklassigen nationalen Filmproduktion, die sich für das deutsche Kino allgemein für zu schade hält. Also eine einmalige Gelegenheit für Kinofreude. Darüber hinaus sind wir gespannt auf ihre Reaktionen über unsere Einfärbung. Denn unser Kino bekommt einen neuen Innenanstrich und wird auch sonst endlich rundherum renoviert. Da darf sich auch unser Programmheft mehr Farbe geben. Arrividerci, schwarz-weiß Ästhetik. Bienvenuto colore!

Ein Waisenjunge macht sich auf den Weg: Nach sechzehn Jahren verlässt Daniel seine Heimatinsel Chiras, die ihm keine Perspektive bietet. Getrieben vom Wunsch, seinen Paten zu finden, kommt er in die Hafenstadt Puntarenas. Eine alte Postkarte führt ihn in ein marodes Hotel. Dort bekommt er ein Dach über dem Kopf und Arbeit beim skrupellosen Chico, der als einziger Mensch Licht in seine Vergangenheit bringen kann. Daniel trifft auch auf die junge Soledad, die für Chico arbeitet und selbst ein neues Leben sucht. Als er schließlich bei einem Schiffsunternehmen zu arbeiten beginnt, leuchtet am Horizont eine neue Zukunft.

Jeden Tag stirbt irgendwo auf der Welt ein Künstler. Am 20. November 2006 aber starb in Los Angeles Robert Altman, Regisseur von insgesamt 86 Filmen. Informationshungrigen sei Wikipedia empfohlen. Dort kann man beispielsweise erfahren, dass sein Großvater detuschstämmig und Altman bekennender Cannabis-Raucher war. Als einer der bedeutendsten Regisseure der Filmgeschichte bekam er kurz vor seinem Tod verdientermaßen noch einen "Ehren-Oscar" für sein großartiges Lebenswerk. Eine kleine Auswahl seiner Filme jetzt in unserem Februarprogramm.

Wir vom Karlstorkino haben uns für diesen Oktober sehr viel vorgenommen. Die Vielfalt unseres Programms ist nach unseren Maßstäben schon rekordverdächtig. Diesmal haben wir als Schwerpunkt die Fotografie gewählt. Anlässlich des 2. Fotofestivals Mannheim-Heidelberg-Ludwigshafen haben wir deren Filmblock um weitere Filme ergänzt, die entweder Spielfilme zum Thema Fotografie oder Porträts berühmter Fotografen sind. Wir denken, dass wir die Vielfalt, die das Thema mit sich bringt, durchaus abdecken. Weiter veranstalten wir erstmalig eine “Woche des Sehens - Kino übers Blindsein“, präsentieren Filme zum Thema Blindheit und offerieren dabei erstmalig in unserem Kino Audiodeskriptionen, direkt eingesprochene Off-Kommentare, die das gerade zu Sehende beschreiben. In einem Fall, am 10. Oktober zum Film DAS LEBEN DER ANDEREN, verzichten wir dabei sogar auf die Bilder. Ein Experiment als Herausforderung an das Kino an sich.

Gute Leute machen sich rar. Diese Beobachtung trifft zu, auch bei Filmregisseuren. Wie bei Lars von Trier oder Julio Médem. Beide waren bei uns schon gut für kleinere Werkschauen. Doch zuletzt hat man von ihnen nicht mehr so viel gesehen und gehört. Es blieb bei Projekten bzw. manche ihrer Filme fanden in Deutschland keinen Verleih mehr. Doch jetzt sind sowohl Lars von Trier mit THE BOSS OF IT ALL als auch Julio Médem mit CAÓTICA ANA zurück. So wird der Januar zu einem Wiedersehen mit zwei der wohl wichtigsten Regisseure Europas, ein spannendes Treffen mit eigenwilligen Männern. Danach schläft man vielleicht unruhig, hat aber neue Ideen und Argumente – und neue Bilder im Kopf. Nicht zu vergessen: unsere berühmten „Filmtage des Mittelmeeres“, die ab 15.1. wieder für 10 Tage cineastische Leckerbissen aus den Mittelmeer-Anrainerstaaten bieten. Nichts wie rein ins Kino!

Ein Monatsschwerpunkt zu Lars von Trier ist an der Zeit! Aber nicht nur, weil er gerade mit ANTICHRIST wieder Furore macht. Es geht um mehr: sich mit ihm zu beschäftigen, bedeutet nämlich die Begegnung, aber auch die Konfrontation, ja der Schock nicht nur mit / durch seine/r Filmkunst, sondern mit Filmkunst überhaupt, verstanden als Form der Überschreitung, der Grenzen des Zumutbaren. Auch unter den Mitarbeitern unseres Kinos ist Lars von Trier nicht unumstritten. Denn der 1956 geborene Däne, der eine schwierige, Angst besetzte Jugend verlebte, dreht keineswegs nur Filme, sondern zeigt die Möglichkeiten auf, die ein Künstler hat, wenn er den Mut aufbringt, dem Bösen und dem Grauen ins Auge zu schauen. Also schauen Sie mit – denn bereuen werden Sie es garantiert nicht!

Die Filmtage des Mittelmeeres – nunmehr zum 24. Mal in Heidelberg, in diesem Jahr mit 23 Filmen im Gepäck! Die einzigartige Möglichkeit filmischer Begegnung mit einer vitalen kulturellen Vielfalt - von Nordafrika bis zur Türkei oder hinein in den Balkan – Länder, die eine ganze Reihe von großartigen Filmkünstlern hervorgebracht haben. Besonders reizvoll war und ist nach wie vor, einen Blick in die Filmproduktion kleinerer Filmländer zu werfen. Und: einen besonderen Schwerpunkt bei den Filmtagen legen wir in diesem Jahr auf das Land Israel. Wir freuen uns sehr auf ein Wiedersehen mit vielen bekannten Gesichtern in der Menge, die sich im Foyer drängen, aber natürlich auch auf Neugierige, die sich zum ersten Mal die Mittelmeerfilmsonne ins Gesicht scheinen lassen wollen.

Wir trauern um Claude Chabrol. Mit ihm verlieren wir einen bedeutenden Regisseur, dessen Werk unser Kino immer und immer wieder beeinflusst hat. Seine Filme stehen für die Weltbedeutung des französischen Films wie Kinos. Seine künstlerische Leistung mag man umschreiben als Filmkunst, die bürgerlich orientierte Gesellschaftsschichten porträtiert und seziert. Chabrol reißt der Bourgeoisie die Masken vom Gesicht und zieht ihr die Häute von den Körpern – manchmal in heiterer Atmosphäre, oftmals aber auch in böser Absicht. Im November nun also eine durchaus repräsentative Auswahl seiner Demaskierungen.

Auch ansonsten gibt sich dieser Monat ausgesprochen frankophon – insbesondere durch unsere „Französische Filmwoche“ aus Anlass des „Deutsch-französischen Filmtreffens“ (25.11. bis 27.11.) in Heidelberg. Eine Filmreihe mit vielen wunderbaren französischen Klassikern, aber auch mit ganz neuen Filmen. Wir danken herzlich unseren Unterstützern: dem ‚Bureau de la Coopération Universitaire’ (BCU), Heidelberg und der Französischen Botschaft (Kulturabteilung), Berlin!

Vor dem Mythos spröde Fakten: Ludwig II, geboren 1845, wurde 1864 König von Bayern. Das Regieren jedoch überlies er bald seinen Ministern, die politischen Umwälzungen seiner Zeit, vor allem die Deutsche Reichsgründung liefen an ihm vorbei, denn er war pathologisch menschenscheu und damit regierungsunfähig. Er liebte dafür die Künste, förderte insbesondere Richard Wagner in Bayreuth, trieb aber infolge großer Bautätigkeit Bayern (Schloss Neuschwanstein) in große Verschuldung. !886 wurde er, nachdem man seine Geisteskrankheit medizinisch nachgewiesen hatte, entmündigt. Einige Tage später ertrank er aus nicht ganz geklärten Gründen im Starnberger See, der Mythos war geboren. Sein Leben und Sterben waren mehrfach Stoff für Verfilmungen, bekannt wurde etwa die von Helmut Käutner von 1954 mit O.W. Fischer in der Hauptrolle. Luchino Viscontis Verfilmung überragt alle anderen Verfilmungen durch die schauspielerischen Leistungen, allen voran Helmut Berger als Ludwig II, dann aber auch Romy Schneider in der Rolle der Sissi oder Trevor Howard als Richard Wagner nebst Silvana Mangano als Cosima. Darüber hinaus konnte sich in der Ausstattung des Films Visconti in seinem typischen Stil noch einmal überbieten. Ihm gelingt es dadurch, das Bild einer Epoche zu malen, die zum Verschwinden verdammt war. Der Film liegt nun in einer längeren rekonstruierten Fassung vor.

Man könnte versuchen, Trash zu definieren. Das werden wir vom Karlstorkino aber niemals tun. Denn das wäre ganz gegen den Geist des Trashs. Denn worin besteht er? Das alles irgendwie zusammen geht, dass es keinen Geschmack gibt und kein ästhetisches Empfinden, dass alles auf einen losgelassen wird und es einen packt und man sich dagegen nicht wehren kann. Es möge einem Vergnügen bereiten: das hat auf jeden Fall mit Trash zu tun, mit Trash-Filmen! Lassen wir uns darum im Juni von cineastischem Müll verprügeln! Lautes Lachen sei hiermit garantiert.

Die Literaturlehrerin Manana lebt mit drei Generationen unter einem Dach auf engstem Raum in Tiflis. Als Ehefrau, Mutter und Tochter muss sie dabei allen in ihrer Familie gerecht werden ohne Recht auf Privatsphäre. Daher verkündet sie an ihrem 52. Geburtstag, dass sie ausziehen will, um in einer ärmlichen Wohnung ein eigenes Leben zu führen und vor allem eines zu finden: Stille. Ihre Familie reagiert fassungslos. Der Film offenbart die strengen gesellschaftlichen Konventionen und die manifeste Rolle der Frau darin, deren Ausbruch und Anspruch auf Selbstbestimmung zugleich einen Angriff auf die Familie bedeutet. Ein ergreifender und wichtiger Film, wie die internationale Kritik einstimmig befand.

Nana Ekvtimishvili, geboren 1978 in Tbilisi, Georgien, studierte Drehbuch und Dramaturgie in Babelsberg. Sie arbeitet seit 14 Jahren erfolgreich mit ihrem Partner Simon Gross zusammen. Für ihren aktuellen Film MEINE GLÜCKLICHE FAMILIE erhielten sie im internationalen Wettbewerb bereits elf Auszeichnungen und neun Nominierungen.

Simon Gross, geboren 1976 in Berlin, studierte Filmregie in München. Sein gemeinsamer Film mit Nana Ekvtimishvili DIE LANGEN HELLEN TAGE (2013) gewann gleich 29 internationale Filmpreise, darunter den C.I.C.A.E. Award der Berlinale 2013 und den Grand Prix des Tokyo FILMex International Film Festivals und war als georgischer Beitrag für den Oscar prämiert.

Ein Filmmonat über die Liebe in modernen Zeiten. Der Essay des Brentano-Preisträgers Sven Hillenkamp „Das Ende der Liebe. Gefühle im Zeitalter unendlicher Freiheit“ würde ganz gut dazu passen. Die Möglichkeiten der Liebe und ihre gleichzeitige Unmöglichkeit heute. Nicht in all ihren Formen, aber in einigen sehr typischen. Vielleicht mag der / die ein oder andere protestieren: die von uns präsentierten Filmen hätte mit Liebe nichts oder nicht allzuviel zu tun hat. Worauf nur das Gegenteil zu beweisen wäre.

Ist es noch vonnöten bekannt zu geben, was der thematische Schwerpunkt unseres Kinomonats Januar ist? Die Erfahrung zeigt: es ist doch sinnvoll, unsere gemeinsam mit dem Montpellier-Haus in Heidelberg initiierten, traditionsreichen Mittelmeer-Filmtage, diesmal mit einem Focus auf das Filmland „Ägypten“, wieder lautstark zu bewerben, da sich unter den lieben Stammgästen immer wieder Cineasten hinzu gesellen, die diese Schau mit Filmen aus einer bestimmten Großregion bisher noch nicht erlebt haben. Also darum wieder: das Schönste, Sonnigste, Intelligenteste und Sinnlichste rund um das blaue Meer herum - mit allem was daran angrenzt. Wir freuen uns auf viele Besucher, hoffentlich erneut so zahlreich wie Sand am Meer!

Ende Januar scheint regelmäßig in Höhe des Karlstorkinos der sonst wintertrübe Neckar blau wie eine Lagune zu werden. Das liegt an unseren Filmtagen des Mittelmeeres, von denen wir und unsere Partner stolz behaupten könnten, das cineastisch anspruchsvollste regionale Filmfestival des Jahres zu sein. Der große Zuspruch beim Publikum motiviert uns zusätzlich. So präsentieren wir Ihnen auch diesmal wieder wirklich spannende Filme und freuen uns auf ihr Kommen. Auch dieses Jahr können Sie wieder über den Publikumspreis abstimmen. Den Gewinnerfilm präsentieren wir Ihnen in einer Sondervorführung am Samstag, 9. 2. um 19.30 Uhr. Zum ersten Mal findet ein orientalisches Konzert zum Auftakt der Filmtage statt. Die Sängerin Bouchra interpretiert Lieder der ägyptischen Diva Oum Kulthum, aber auch der berühmten Algerierin Warda Al Jazairia und der bekannten Libanesin Fayrouz: Am Samstag, 26. 1. um 21 Uhr im KlubK (oberhalb des Karlstorkinos), Eintritt 12€, ermäßigt 8€.

Kartenvorverkauf: Ab Di, 8.1. im Karlstorkino, im Montpellier-Haus & online unter www.filmtage-mittelmeer.de
Kartenreservierungen sind während des Festivals nicht möglich.

Auch wir gedenken Bruno Ganz. Denn ohne ihn wäre der deutsche Film anders, ohne ihn hätten wir darum auch ein anderes Karlstorkino. Weil Bruno Ganz sehr verschiedenes gemacht hat, beschränken wir uns wohlweislich auf sein Frühwerk, zeigen wir Ihnen ein paar eher selten gezeigte Filme. Aber die zeigen ganz wunderbar schmerzhaft, was für ein Künstler von uns gegangen ist.

Kaum eine andere Schauspielerin ist momentan so präsent wie Juliette Binoche, und dennoch findet sie noch die Zeit, bei uns vorbei zu schauen, leider nur auf der Leinwand, aber immerhin. Keine Werkschau bieten wir jedoch, sondern eher eine schnelle Aufnahme dessen, was sie zuletzt gemacht hat. Umso mehr zeigt sie dabei ihre Vielseitigkeit und ihr Gespür für den künstlerisch wichtigen Film. Wir versprechen, mit ihr wird der diesjährige Juli ein sehr beeindruckender Kino-Monat.

Architektur und Film: es lässt sich ausgezeichnet über den Zusammenhang dieser beiden Künste philosophieren. Über Statik oder Bewegung etwa. Und natürlich über den Raum. Angesichts jüngerer Architektur-Dokumentationen im Kino könnte man möglicherweise stärker darüber diskutieren, was Film in der Architektur denn überhaupt sichtbar machen kann und soll – und was besser nicht. Jedenfalls beschert uns dieser schöne Filmmonat März – nebst einiger Sonderveranstaltungen mit diversen illustren Gästen - einen Blick in eine ausgeklügelte Welt, in der der Beton manchmal unerhört weit in den Himmel reicht – am 27.3. darüber hinaus mit Einführung zum Film OSCAR NIEMEYER – DAS LEBEN IST EIN HAUCH.

Wer ist die wichtigste Person im Kino? Na gut, der Zuschauer natürlich, aber danach? Die Kassendame oder der Kassenherr? Die Programmgestalter? Es geht doch nichts ohne den Vorführer und in unserem Karlstorkino-Fall ohne Vorführerin. Ihnen soll der Monat Dezember gehören. Fast alle Filme, die wir in dieser Zeit zeigen gehen auf ihre Vorschläge zurück und man ist sehr angetan Ob Animationsfilm, ob politischer Film, ob Dokumentation, ob niveauvolle Unterhaltung: unsere acht VorführerInnen schaffen es, die gesamte Bandbreite unseres regulären Kinoprogramms mühelos abzudecken.
Das alles hat einen einfachen, aber feierlichen Grund. Wir werden 10 Jahre alt. Wer hätte das gedacht? Dank an alle, die uns unterstützt haben, wir haben mit und in unserem Kino viel erlebt und wir wollen weiterhin viel erleben. Wir haben gekämpft, wir haben diskutiert, wir haben uns gestritten und wir hatten glückliche Momente. Lächerlich, hier nostalgisch und sentimental zu werden, ebenso unsinnig hier uns eine große cineastische Zukunft zu prophezeien. Zelebreren wir hier nicht ohne Stolz die Gegenwart, die Kinogegenwart des Monats Dezember. Er möge ein, wenn vielleicht auch kalter, Wonnemonat sein.

Wir starten wieder durch. August war unser früherer Kino-Wonnemonat der erfüllten Wünsche. Nun gibt es wieder ein Riesenprogramm für die eher ruhige Zeit im Hochsommer, das ein breites Spektrum von der Dokumentation über den Experimentalfilm bis hin zum Klassiker abdeckt. Wir möchten wieder ein wenig Schwerpunkte setzen, darum haben wir jetzt als Neuanfang wegen deren 60-jährigem Jubiläum die DEFA-Filme in den Zoom genommen. Und wir zeigen nicht nur Filme, wir reden auch wieder mehr darüber. Wir sind wieder bunt, frisch und wild, so wie schon eigentlich immer, aber jetzt noch ein bisschen mehr.

François ist ein junger Französischlehrer an einer Schule in einem Bezirk des 20. Arrondissements von Paris; er unterrichtet eine schwierige 7. Klasse. Er zögert nicht, sich Esmeralda, Souleymane, Khoumba und andere Schüler in anregenden Wortgefechten zu stellen, als wäre die Sprache das einzige, was in solch einer Klasse zum tragen kommt ... „Ein kleines Wunder ist dieser Film. Dem Schauspieler Francois Begaudeau in der Hauptrolle und vielen Laien in den Nebenrollen gelingt es, den Zuschauer mitten hineinzuziehen in den kargen Klassenraum, in dem gut achtzig Prozent aller Szenen spielen (…). Nie passiert etwas Spektakuläres, nie wirkt der Film falsch oder überzogen – und doch ist er ungemein amüsant und tief bewegend." (spiegel online). In Cannes 2008 wurde DIE KLASSE ausgezeichnet mit der „Goldenen Palme“ für den „Besten Film“. Zudem nominiert für den Oscar.

Wer in der Region kennt sie nicht, die legendären “Busters”? Gegründet vor 23 Jahren in Wiesloch sind sie eine der wichtigsten deutschen Ska-Bands und stehen auch immer wieder im (zumeist ausverkauften) Karlstorbahnhof auf der Bühne (so auch am 25.2.). Doch was ist Ska, was macht den Ska der “Busters” aus und was hält eine solche Band überhaupt so lange zusammen? Im gekonnten Mix aus Live-Aufzeichnungen und Interviews mit den zahlreichen Musikern zeigt sich der Reiz, den die Band bis heute verströmt. Jonas Grosch (DER WEISSE MIT DEM SCHWARZBROT) ging in seinem Dokumentarfilm EINE BAND FÜR DIE EWIGKEIT einem Phänomen nach, das in der heutigen, kommerzialisierten Musiklandschaft immer mehr in den Hintergrund zu treten scheint: Leidenschaft für die Musik.

Am 25.2., 19:00: Vorstellung in Anwesenheit der “Busters”, die vor dem Film im Kino live einen kleinen Akustik-Set spielen werden. Im Anschluß ab ca. 21:00 Uhr: “Busters” live im Karlstorbahnhof!

Beide Filmvorstellungen (19:00 und 21:15 Uhr) in Anwesenheit des Regisseurs Jonas Grosch!

Im Norden Mexikos leben auch heute noch die „plautdietschen Mennoniten“, die im 18. Jahrhundert aus Westpreußen nach Mittelamerika kamen. In diesem von strengen, religiösen Regeln geprägten Milieu lebt der Bauer Johan, der mit Esther verheiratet ist und sechs Kinder hat. Doch dann verliebt sich Johan in Marianne und begeht damit eine in den Augen seiner Gemeinschaft unverzeihliche Sünde. Bald schon stellen sich entsetzliche Gewissensqualen ein, doch Johan ist fest entschlossen, sich der schwierigen Situation zu stellen.

Carlos Reygadas, 1971 in Mexiko-Stadt geboren, studierte zunächst Jura und gab anschließend seine Karriere als Völkerrechtler auf, um sich ganz dem Filmemachen zu widmen. Bereits mit seinem Debütfilm JAPÓN gewann er im Jahr 2002 die ‚Camera d’Or’ bei den Filmfestspielen von Cannes. 2005 folgte BATALLA EN EL CIELO und 2007 STELLET LICHT, mit dem er den Preis der Jury in Cannes gewann. Reygadas zählt mit seiner eigenwilligen Erzählform und Bildsprache zu den bedeutendsten jüngeren Filmemachern Mexikos. STELLET LICHT ist der weltweit einzige Film, der in plautdietscher Sprache gedreht wurde.

Bei diesem Gespräch wird es um Fragen gehen, wie vom Krieg als Erfahrung zu erzählen ist. Wie es sein kann, dass gerade mit der Nähe zum Geschehen das Konkrete sich immer mehr zu verflüchtigen scheint? Ist die Kamera ein Augenzeuge oder lediglich eine Aufnahme vom Tatort, deren Indizien wir nicht zu lesen verstehen, wenn wir nicht selbst auf einem Schlachtfeld anwesend waren? Ein Studiengespräch mit Gästen & Filmbeispielen

Moderation: Norbert Ahlers

Au début des années 80, abandonnant une carrière d’avocat prometteuse, Pierre Durand se consacre corps et âme à sa passion, le saut d’obstacle. Soutenu par son père, il mise tout sur un jeune cheval auquel personne ne croit vraiment : Jappeloup. Trop petit, trop caractériel, trop imprévisible, il a de nombreux défauts mais une détente et des aptitudes remarquables. De compétition en compétition, le duo progresse et s’impose dans le monde de l’équitation. Mais les JO de Los Angeles sont un terrible échec et Pierre prend alors conscience de ses faiblesses. Avec l’aide de Nadia, sa femme, et de Raphaëlle, la groom du cheval, Pierre va regagner la confiance de Jappeloup et construire une relation qui va les mener aux JO de Séoul en 1988.

6e à 10e classe

Unter Palindrome versteht man ein Wort, das vorwärts und rückwärts gelesen den gleichen Sinn ergibt, ( z. B. Rentner). Im Film von Todd Solondz („Welcome to the Dollhouse“, „Happiness“) steht „Palindrome“ für die Möglichkeit einer Parallelwelt, in der Wünsche wahr werden, die sonst unmöglich sind. Aviva Victor etwa ist zwölf Jahre alt und ihr Wunsch ist, jetzt sofort schwanger zu werden. Und sie unternimmt alles, um sich diesen Wunsch zu erfüllen. Beinahe gelingt es ihr, doch ihre Eltern können das gerade noch verhindern. Aber dann landet sie in einer anderen Welt und begibt sich auf eine ungewöhnliche Reise. Wird sie danach wieder die gleiche sein, wird sich dort vielleicht ihr Wunsch erfüllen?

SHOULDER ARMS ist eine sehr frühe Auseinandersetzung mit dem Ersten Weltkrieg – in typischer Chaplin-Manier. Noch vor Kriegsende, 1918, wird der Film in seinem Hollywood-Studio fertiggestellt. Chaplin beschreibt mit Komik und Witz die Leiden des Grabenalltags. Er spielt mit dem Wunsch, den so fernen und unbekannten Aggressor zu besiegen und all dem Leid ein Ende zu setzen.

Der Reisejournalist und Buchautor Reinhard Pantke radelte im Sommer 2009 über 7.200 km quer durch Kanada, das zweitgrößte Land der Erde. Beginn der abenteuerlichen Reise war im Mai 2009 Vancouver an der Westküste von Kanada. Mitte September endete die Reise in Halifax an der Ostküste. Dazwischen liegen vier Monate durch die spektakulären Rocky Mountains, endlosen Weiten der Prärie, riesigen Seen- und Waldlandschaften. Ergeben haben sich viele witzige und interessante Begegnungen mit der einheimischen Tierwelt. Die Besucher bekommen in diesem live kommentierten Vortrag viele Tipps und Informationen für eigene Reisen aller Art.

Dauer des Vortrages: ca. 100 Minuten
Eintritt Tageskasse: Euro 10.-, Kartenreservierungen (Eintritt: Euro 9.-) per E-Mail an: reinhard.pantke@gmx.de

Einlass: ab 15:30 Uhr / Beginn: 16:00 Uhr

Omrane kommt aus einem Dorf im Süden Tunesiens, das berühmt für seine Töpferarbeiten ist. Aber trotzdem gibt es dort keine Zukunftsperspektiven. Darum vermittelt Omrane junge Frauen als Hausmädchen an reiche Familien nach Tunis. Einen Teil des Lohns, den diese erhalten, liefert Omrane wiederum bei den Eltern der Mädchen im Dorf ab. Bei einem dieser Besuche beklagt sich die Mutter von Rebeh. Sie sei weggelaufen, es gäbe keinen Kontakt mehr zu ihr. Omrane macht sich auf die Suche, es begleitet ihn die erst neunjährige Feddah. Nouri Bouzid, Jahrgang 1946, war im politischen Widerstand und wurde inhaftiert. Später drehte er Filme wie "Mann aus Asche" oder "Bezness". Dabei profilierte er sich als Filmemacher, der brisante Themen aufgreift. Das gilt auch für "Puppen aus Ton", für den Nouri Bouzid beim 12. Internationalen Film Festival Innsbruck mehrere Preise bekam. Die Jury lobte besonders die Authentizität der Charaktere, den Einsatz von Licht und Farbe sowie die schauspielerischen Leistungen.

Israel in den 70er Jahren. Dvir ist zwölf Jahre alt und bereitet sich auf seine ‚Bar-Mizwa’ vor, als er realisiert, dass seine Mutter psychisch krank sein ist. Die beiden leben in einem Kibbuz im Süden des Landes, doch die strengen Regeln der Gemeinschaft sind für Dvirs Mutter Miri zu einer unerträglichen Belastung geworden. Umso größer ist die Erleichterung, als Stephan, der Freund seiner Mutter, seinen Besuch ankündigt. Zwar kennt Dvir den Mann noch nicht, doch er weiß, dass er ein Held sein muss – immerhin war Stephan mal Schweizer Judo-Champion. Als dieser endlich vor ihm steht, ist der Junge wie vom Donner gerührt – Stephan ist bereits um die 70 Jahre alt. Doch der Judo-Champion weiß genau, mit welchen Tricks er das Herz Dvirs erobern kann …

Ils viennent d’arriver en France. Ils sont Irlandais, Serbes, Brésiliens, Tunisiens, Chinois ou Sénégalais... Pendant un an, Julie Bertuccelli a filmé les échanges, les conflits et les joies de ce groupe de collégiens âgés de 11 à 15 ans, réunis dans une même classe d’accueil pour apprendre le français. Dans ce petit théâtre du monde s’expriment l’innocence, l’énergie et les contradictions de ces adolescents qui, animés par le même désir de changer de vie, remettent en cause beaucoup d’idées reçues sur la jeunesse et l’intégration et nous font espérer en l’avenir...

10e à 13e classe

1912, der erste Weltkrieg rückt näher, der deutsche Kunstsammler Wilhelm Uhde zieht in das französische Städtchen Senlis, um sich dem Schreiben zu widmen und sich vom hektischen Leben in Paris zu erholen. Als Haushälterin stellt er die widerborstige und unscheinbare Séraphine ein. Eines Tages entdeckt er bei Nachbarn ein kleines auf Holz gemaltes Bild, das ihn sogleich fasziniert. Zu seiner großen Überraschung stellt sich heraus, dass das Bild von seiner Haushälterin Séraphine gemalt worden ist. Von den unkonventionellen Werken begeistert, beschließt der Kunstkenner Uhde, der als Entdecker von Picasso und Rousseau gilt, die eigenwillige und von ihren Mitmenschen belächelte Séraphine zu fördern...

Mit "Séraphine" gelingt Martin Provost ein überzeugendes filmisches Porträt der wichtigen, aber immer noch weitgehend unbekannten Künstlerin Séraphine Louis – einer der zentralen Vertreterinnen der "Naiven Kunst". In Frankreich avancierte der Film innerhalb kürzester Zeit zum Publikumsliebling und gewann 2009 sieben Césars – darunter diejenigen für Besten Film, Beste Hauptdarstellerin,
Bestes Drehbuch sowie Beste Kamera.

10. bis 13. Klasse

Eine Nacht der Gewalt in Medina, Tunesien. Eine junge Prostituierte wird durch eine Bande von Einzelgängern vergewaltigt. Aus Rache bringt sie Stoufa, der Einzige, der sie verteidigt hatte, fast um. In einer düsteren Welt sind die freundlichsten Menschen meistens diejenigen, die für die Sünden Anderer bezahlen müssen – so auch der junge Mann, der quasi die Schuld anderer auf sich nimmt. Als Stoufa aber aus dem Krankenhaus entlassen wird , kidnappt er das Mädchen, um sie zur Verantwortung für ihre Taten zu ziehen. Aber sie wird ihn ein weiteres Mal verletzen ...

1979, Revolution im Iran. 1980, Revolution in Polen. Der Sturz des Schahs, des ,Königs der Könige‘ im Iran, Massenstreiks und die Gewerkschaftsbewegung Solidarno?? in Polen. Was geschah in den Köpfen der jungen Frauen und Männer, die damals an den Revolutionen beteiligt waren? Was ging in ihnen vor, als die Revolution niedergeschlagen wurde, oder – wie im Iran – eine religiös-autoritäre Elite die Macht übernahm? Regisseur Andreas Hoessli lebte damals als Forschungsstipendiat in Polen. Dort lernte er den bedeutenden Schriftsteller Ryszard Kapuściński kennen, der als Reporter von der Revolution im Iran berichtete. Kapuscinskis Aufzeichnungen bilden den Ausgangspunkt der Filmerzählung, in der Hoessli auch entdeckt, dass er selbst damals vom polnischen Geheimdienst überwacht wurde und sogar für dessen Machenschaften angeworben werden sollte.

******ONLINE-Kino ab dem 11.02.2021*******

Ab dem 11. Februar 2021 kann der Film beim Vimeo on demand ausgeliehen werden

Online-Stream

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Pressestimmen:

»Das präzise psychologische Porträt einer immer wieder erschütterten Welt.«

DOK.fest München »Beeindruckendes Filmessay über die Veränderbarkeit der Welt.«

ARD titel thesen temperamente »Klug und poetisch.« WOZ Die Wochenzeitung

Simon, 12 ans, emprunte l’hiver venu la petite télécabine qui relie la plaine industrielle où il vit seul avec sa soeur Louise, à l’opulente station de ski qui la surplombe. Là-haut, il vole les skis et l’équipement des riches touristes qu’il revend ensuite aux enfants de son immeuble pour en tirer de petits mais réguliers bénéfices. Louise, qui vient de perdre son travail, profite des trafics de Simon qui prennent de l’ampleur et devient de plus en plus dépendante de lui…

10e à 13e classe

Comme tous les adolescents, Julien rêve d’aventures et de sensations fortes. Mais lorsqu’on vit dans un fauteuil roulant, ces rêves-là sont difficilement réalisables. Pour y parvenir, il met au défi son père de concourir avec lui au triathlon « Ironman » de Nice : une des épreuves sportives les plus difficiles qui soit. Autour d’eux, c’est toute une famille qui va se reconstruire pour tenter d’aller au bout de cet incroyable exploit.

6e à 10e classe

Eine Nacht in Buenos Aires: Die junge Mutter Julieta ist mit ihren beiden Kindern Teo und Valentín allein in ihrer komfortablen Stadtwohnung. In der angespannten Atmosphäre kommt es immer wieder zu Kämpfen, in denen Spiel und Streit ununterscheidbar werden. Unter den permanenten Forderungen der Kinder, inmitten von Lärm und Chaos, Geschrei und Telefonaten, versinkt die überforderte Julieta in Dauerstress und Panik. Immer wieder verwischen die Grenzen, die einen Abstand zwischen den Figuren markieren, bis es zu einem folgenschweren Zwischenfall kommt… Äußerst dicht und beklemmend erzählt Anahí Berneri in ihrem intim beobachteten, sehr intensiven Film von den Kontrollverlusten und Erschöpfungszuständen einer Frau zwischen Verantwortung und vermeintlicher Schuld sowie von den destruktiven Kräften innerhalb einer modernen Familie.

Anahí Berneri, geboren 1975 in Martínez, Buenos Aires, absolvierte eine Produzentenausbildung in Argentinien und besuchte die Filmschule 'Ina' in Paris. Ab 1997 arbeitete sie als Casting-Agentin, Produktionsleiterin sowie als Regie- und Schnittassistentin. Ihr Debütfilm UN AÑO SIN AMOR lief 2005 auf der Berlinale und erhielt den Teddy Award. ENCARNACIÓN gewann 2007 in San Sebastian den ‚Fipresci-Preis’. POR TU CULPA, der in ihrer Wohnung mit ihren beiden Kindern gefilmt wurde, ist ihr erfolgreichster Film.

Der Schreiber dieser Zeilen legte früher auf dem Weg zur Schule jeden Morgen 2 km zurück. Er fürchtete sich dabei vor bellenden Hunden, vor Mitschülern, die einen mal kurz verprügeln wollten oder suchte schüchtern den Kontakt zu Teenager-Schönheiten. Alles kein Vergleich zu Jackson aus Kenia, Zahira aus Marokko, Samuel aus Indien oder Carlito aus Argentinien. Auch ihr Weg ist nicht das Ziel – dieser dauert nur viel länger: hohe Berge und tiefe Täler müssen täglich überwunden werden. Oder es geht gleich mit dem Pferd durch die Steppe. Pascal Plisson hat Kinder dieser Welt auf dem Weg zur Schule begleitet; entstanden ist eine anschauliche, ausgesprochen lehrreiche Dokumentation darüber, was Schule in anderen Teilen dieser Welt bedeutet. Schulvorstellungen in den Morgenstunden zu Sonderpreisen möglich. Bitte kontaktieren Sie: Hermann Ungerer / medienforum@gmx.de / 06221 – 97 89 20

Das WoAndersKino macht Kino anders. 2020 heißt es: Raus aus der Blackbox, Rein in die Stadt! Wir holen Filme an ungewöhnliche Orte, und bringen das Kino direkt in die Stadtteile Heidelbergs, von Rohrbach über Bergheim, in den Pfaffengrund und an den Neckar. Von Juli bis September reisen wir mit Leinwand, Projektor und Soundanlage durch Heidelberg und zeigen, meist unter freiem Himmel, Filme, die auf besondere Weise zum Ort passen. Die Veranstaltungen werden kurzfristig auf unserer Webseite www.woanderskino.de und in den sozialen Medien angekündigt. Beginn ist jeweils nach Sonnenuntergang. Es gilt das „Pay-what-you-want-Prinzip“, das heißt: Jeder bezahlt wie viel ihm/ihr der Kino-Abend wert war.

"Midnight Madness im Hinterhof" ist feinstes Open-Air-Hinterhof-Kino in der Tradition des exzentrischen Mitternachtskinos. Unsere Gäste erwartet eine sorgfältig kuratierte Auswahl von Liebhabern für Liebhaber und alle, die es noch werden wollen: Klassisches, wegweisendes, wahnwitziges, skurriles und nischiges Kino trifft in einem Ritt durch den Action- und Science-Fiction-Film der 70er, 80er und 90er Jahre auf etwas Horror, eine ausgewogene Mischung aus Trash und hochwertiger Unterhaltung und vor allem auf viel Guilty Pleasure. Midnight Madness startet am Fr, 21. August und findet immer freitags und samstags im Hof des Karlstorkinos statt. Filmbeginn im August ist 21.30 Uhr. Die Filme werden auf unserer Webseite und in den sozialen Medien angekündigt.

Eine Tänzerin fällt nach einem Unfall in ein Koma. Ihr aufopfernder Pfleger hat sich in sie verliebt. Parallel erleidet eine prominente Stierkämpferin das gleiche Schicksal. Ihr Freund, ein Journalist, fragt sich nun, wie er mit ihr noch kommunizieren kann. Als dann der Pfleger sich an seiner Patientin sexuell vergeht, kommt es zu einem Drama. Auch in Almodovar- Maßstäben gemessen ist „Hable con ella“ ein Meisterwerk an psychologischer Einfühlung in ein Tabu-Thema und zu ein Bekenntnis zur Humanität. Ein Reifezeugnis des einstigen Regie-Provokateurs.

Ein Mann, ein Apartment, eine Filmkamera: Joe Glassman arbeitet als Psychiater und ist privat von seinen sexuellen Obsessionen beherrscht. Seine Wohnung gleicht darum konsequent einem Versuchslabor, in dem Frauen ihre eigenen erotischen Phantasien ausleben können, manchmal wird auch nur gekifft und geredet. Aber seine Kamera nimmt alles auf. Der Therapeut spielt dabei den distanzierten Beobachter ebenso wie den temperamentvollen Liebhaber. - In kühlem Schwarz-weiß gedreht, strukturiert durch eine genau arrangierte Mischung von Kalkül und Spontaneität, ähnelt "Coming apart" formal bisweilen Andy Warhols "Blue Movie", nimmt aber auch schon Jean Eustaches "La Maman et la putain" vorweg. Andere Kritker erkennen in ihm ein Bindeglied zwischen Jean-Luc Godard und Andy Warhol. Für über dreißig Jahre in der Versenkung verschwunden, wurde "Coming Apart", der stark verdichtet den Geist der späten Sechziger verkörpert, auf keinem Independent-Film-Festival gezeigt. Regisseur Milton Ginsberg machte auch sonst durch keine weiteren Filme von Bedeutung auf sich aufmerksam. Aber jetzt wurde seine Wiederentdeckung anläßlich einer Retrospektive im "Museum of Modern Art" gefeiert: als einer jener Filme, "die ihren Regisseur unsterblich machen." (epd-Film)

Eine junge Arbeiterin in der nordfranzösischen Stadt Boulogne-sur-mer wird entlassen. Sie versucht verzweifelt, an einen neuen Job zu kommen, aber die Arbeitslosigkeit ist hoch und die Personalchefs können es sich darum erlauben, wählerisch zu sein. So beschließt sie, ihr Glück im Süden Frankreichs zu versuchen. Dort kennt sie natürlich zunächst niemanden, und die Chancen dort Arbeit zu finden, scheinen auch nicht besonders zu sein. In einer Bar trifft sie jemanden, dem es nicht anders zugehen scheint als ihr: Ein junger Mann, seltsam wortkarg, fast mürrisch. Wie sich später herausstellt, ist sein Traum geplatzt, Profifußballer zu werden. Als die beiden zu sehen beginnen, daß ihre Lage ähnlich ist, beginnt eine Liebesgeschichte unter dafür ungeeigneten Bedingungen. "En avoir (ou pas)" brachte dem deutschen Kinobesucher den jungen französischen Film mit neuen Gesichtern auf die Leinwand: Hier sind es vor allem Sandrine Kiberlaine und Roschdy Zem. Zudem wandte er sich frisch und offen wieder sozialen Themen zu.

Viele Filme handeln von der Liebe, einige handeln auch vom Theater, aber es gibt wohl keinen Film, der beide Bereiche so souverän zusammenführt wie "Kinder des Olymp". Er spielt im Paris der Restaurationszeit im Jahre 1827 und zeigt die bunte Welt der Gaukler, Gauner und Künstler. Einer von ihnen ist der Pantomime Debureau (Jean-Louis Barrault), der unsterblich in die schöne Garance verliebt ist. Mit von der Partie sind auch der Schauspieler Frédéric und der Verbrecher Lacenaire. Was den "Kindern des Olymp" ihren unsterblichen Platz in der Filmgeschichte zuweist, sind der geradezu überbordende Sprachwitz der Dialoge und die herausragenden Leistungen der Schauspieler. Der Film wurde noch in der deutschen Okkupationszeit in Frankreich gedreht, aber erst nach der Befreiung uraufgeführt. Für viele Freunde und Freundinnen des Kinos gilt "Kinder des Olymp" als einer der schönsten Filme überhaupt.

Regisseur Raoul Peck, geboren 1953 auf Haiti, der als Kind selbst einige Jahre im Kongo lebte, hat dem ersten Premierminister des unabhängigen Kongo bereits 1991 in einem dokumentarischen Filmessay mit Titel "Lumumba - Tod des Propheten" porträtiert. Jetzt gestaltete er das Leben Lumumbas zu einem politischen Spielfilm, eine mittlerweile selten zu sehende Gattung. Peck schildert darin, wie Lumumba zunächst mit 36 Jahren 1960 zum Premierminister des Landes ernannt wird. Nach nur zwei Monaten Amtszeit gestürzt und nach einem Fluchtversuch verhaftet, ermordeten ihn darauf seine in- und ausländischen politischen Gegner, was seinen einstigen Gefolgsmann Mobutu später nicht daran hinderte, seinen darauffolgenden Militärputsch als friedliche Revolution zu verkaufen. Lumumba wird dagegen im Film als Mann des Wortes gezeigt, denn er wagte es, Kolonialherrschaft Unterdrückung, Unabhängigkeit ein Ergebnis des eigenen Kampfes und Freiheit ein Recht zu nennen.

Kurz nach der Intervention sowjetischer Truppen in dem Nachbarland Afghanistan besuchte der DDR-Filmregisseur Volker Koepp das Land, um während eines einmonatigen Aufenthalts diesen Dokumentarfilm zu drehen. Er besuchte Kabul, Mazar-i Sharif und das umgebende Land, auf dem der eskalierende Krieg zwischen Regierungstruppen, Roter Armee und Mudjaheddin bereits unverkennbar Spuren hinterlassen hatte. Der Film, dessen Haltung ebenso objektiv wie von Sympathie mit dem fremden Land getragen ist, zeigt Bilder eines Afghanistan, das trotz aller Anstrengungen, dem großen Teil seiner Bevölkerung ein Mindestmaß an sozialer Fürsorge, Ausbildung, Wohlfahrt zu garantieren, in einer tragischen Wendung seiner Geschichte in Chaos und Zerstörung getrieben wird. Es ist ein Film unwiederholbarer Begegnungen: mit Menschen, die eine hoffnungsvolle Zukunft vor sich zu haben scheinen, mit Orten von seltener Schönheit. Beides wurde auf dem Schachbrett der Weltpolitik gnadenlos geopfert.

Nur noch wenig erinnert im zerstörten Kabul an seine Geschichte. Diese hat viele Kapitel, eines ist besonders bunt, denn Kabul war zu Beginn der 70er Jahre das Mekka der Hippies. Auf dem Weg nach Indien und Nepal, bloß weg aus dem Herrschaftsgebiet des "Consum shit", machten hunderttausende Jugendliche Station in dieser Stadt, um darin ihren Traum von einer friedlichen Welt zu leben. Dieser Traum jedoch endete oft böse. Viele wurden dort ernsthaft krank und fanden insbesondere keinen Ausweg aus dem Teufelskreis der harten Drogen. Mit dem alltäglichen Leben der Afghanis kamen sie dagegen kaum in Berührung. 23 Jahre, nachdem Dieter Matzka das erste Mal nach Afghanistan kam, fuhr er mit der Autorin Wilma Kier (Jahrgang 1964) erneut hin, um ein Porträt dieser Region zu zeichnen. Er dokumentiert das Elend der Bevölkerung, blickt auf die Trümmer. Spuren der Hippiezeit gibt es kaum mehr, aber von denen, die den Weg nach Hause fanden, hört man so manche Story. Prominente waren auch dabei, wie der Sänger und Songwriter Donovan. Ganz besonders jedoch blieb diese Stadt im Bewußtsein von Timothy Leary hängen, der nämlich in Kabul vom CIA verhaftet und an die USA ausgeliefert wurde. "Ein Traum von Kabul" fand beim Internationalen Filmfest München großes Interesse. Wir sind gespannt, wie viele Heidelberger Afghanistan-Fahrer sich nun bei uns einfinden werden

Im Anfang des griechischen oder genauer mazedonischen Kinos stehen die Brüder Manakis. Ein Regisseur (Harvey Keitel), der 35 Jahre lang in den USA war und im Film A. genannt wird - für Angelopoulos, aber auch für "Anfang" -, kommt nach Griechenland zurück, um sich nach der dortigen Premiere seines letzten Films auf die Suche nach drei nicht entwickelten Filmrollen zu begeben, auf denen die Brüder Manakis zu Beginn des letzten Jahrhunderts Aufnahmen über den Alltag auf dem Balkan gesammelt haben. Es ist eine Suche nach dem ersten Bild, dem unschuldigen Blick, und sie führt A. in einer Irrfahrt quer über den Balkan. Unterwegs wird er vier Frauen begegnen, die alle von Maia Morgenstern gespielt werden: Penelope, Kirke, Kalypso und Nausikaa. Der Fil merzählt die Geschichte seiner Odyssee und zeigt zugleich die Geschichte des Balkans, seiner Landschaften, seiner Grenzen und seiner Kriege. Was in den erhaltenen Aufnahmen der Brüder Manakis zu sehen ist, Frauen in Schwarz gekleidet, die weben und spinnen, bleibt, entgegen dem Mythos vom nicht abreißenden Schicksallsfaden der Nornen, ein für allemal Vergangenheit. Am Ende, in Sarajevo angekommen, wo sich die vermißten Filmrollen finden, bietet sich dem Auge nur mehr die Beiläufigkeit des Grauens. "Der 'Blick des Odysseus' versagt dabei den Blick auf die Mörder, weil er alles, was er anschaut, mit Schönheit infiziert. Die Monster verdienen kein Bild." (Andreas Kilb) Gedreht wurde dieser Film, der in Cannes 1995 mit dem "Großen Preis der Jury" ausgezeichnet wurde, an Originalschauplätzen und zum Teil unter den Bedingungen des Krieges.

"Venus, Beauté" nennt sich ein Schönheitssalon in einem Pariser Vorort. Er hat eine große Glasfassade außen, und drinnen ist alles rosa, ganz besonders sind es die drei Heldinnen von Kosmetikerinnen in ihren Kitteln. In ihrem schönen Reich drehen sie Pirouetten auf ihrem Jahrmarkt der Eitelkeit und kämpfen zugleich um und gegen Männer. Regisseurin Tonie Marshall hatte Lust, einen Frauenfilm zu drehen, der in verschiedenen Episoden charmant mit Kitschmotiven wie aus dem Märchen spielt, um sie dann gerne mit hübsch bissigen Pointen zu durchbrechen. Insbesondere schuf sie einen Film für Schauspielerinen wie die schon zu Truffaut-Zeiten berühmte Natalie Baye, weswegen sogleich seitens der Kritik behauptet wurde, dieser Film verkörpere das Lebensgefühl der Forty-und-Fifty-Something-Generation. Jedenfalls gibt es unter Make-up und Maske viel zum Schmunzeln.

Die Geschichte um "Prinzessin Mononoké" läßt sich an der Dynastie der Muromachi-Shogune fixieren, die immerhin von 1333-1568 herrschten. Ein Dorf, bewohnt von den Emishi, den vermeintlichen Ureinwohnern Japans, wird von einem Waldgott in Gestalt eines riesigen Ebers bedroht. Der junge Krieger Ashitaka nimmt den Kampf gegen ihn auf, tötet ihn zwar, wird aber dabei lebensgefährlich am Arm verletzt. Damit die Wunde endlich verheilt, sucht Ashitaka nach einer Medizin und trifft dabei in einem Urwald die Prinzessin San, die von weißen Wölfen aufgezogen wurde und darum ebenso schön wie animalisch ist, ein unbezähmbarer Geist, genannt Mononoké. Sans Gegenspielerin ist Lady Eboshi, die wie eine dominante Femme fatale wirkt und den Wald für sich erobern möchte. Der Kampf ist unvermeidlich. - Regisseur Hayao Miyazaki wird der Kurosawa des Animationsfilms genannt. Davon zeugt auch "Prinzessin Mononoké", er verbindet furiose Kampfszenen mit Passagen wehmütigen Schmerzes, in denen "Animation" schon wieder wortgetreu als "Beseeltheit" zu verstehen ist.

In Fassbinders erstem Langspielfilm, der potentielle Verleiher z. B. mit langen Einstellungen erschreckte und darüber hinaus allgemein höchst improvisiert zustande kam, geht es um Franz, einem Zuhälter, der sich weigert, Gangster zu werden. Darum wird er von einem Syndikat zusammengeschlagen, das danach Bruno auf ihn ansetzt. Doch Franz liebt Bruno, will aber auch seine Freundin mit ihm teilen. Aber Bruno begeht als Berufskiller Morde, die er systematisch Franz anlastet. Schließlich planen sie einen Banküberfall. "Was übrig bleibt, wenn man diesen Film hier gesehen hat, das ist nicht, daß hier jemand sechs Leute ermordet hat, daß es hier ein paar Tote gegeben hat, sondern daß hier arme Leute waren, die nichts mit sich anfangen konnten, die einfach so hingesetzt wurden, wie sie sind, und denen keine Möglichkeit gegeben wurde - die einfach keine haben." (R.W. Fassbinder)

Drei Münchner Polizisten heuern den amerikanischen Berufskiller Ricky an, der ihnen mißliebige Leute beseitigen soll. Ricky erschießt sogleich auftragsgemäß einen Zigeuner, dann ein Mädchen, das mit Pornoheften und Informationen handelt, sowie deren Freund. Abends im Hotel möchte Ricky mit einem Mädchen schlafen, seine Auftraggeber schicken ihm Rosa, die Geliebte eines der drei Polizisten. Rosa verliebt sich in Ricky, doch Ricky erhält danach unvermittelt den Auftrag, sie umzubringen. Ricky zögert nicht. - "Die Gangster haben diesselben bürgerlichen Wünsche wie die Bürger. Darin liegt vielleicht auch der Unterschied zu den amerikanischen Gangsterfilmen, wo die Gangster in manchen Fällen wirkliche Outsider sind, während meine kleinen Gangster und Diebe im Grunde genommen in die Gesellschaft integriert sind." (R.W. Fassbinder)

In einem Hotel am Meer wartet ein Film auf den Regisseur, den Star, das Material und das Geld. Die Stimmung ist so aufgekratzt wie gelangweilt. Als Regisseur und Star endlich eintreffen, beginnt das Chaos, dem der Herstellungsleiter Einhalt gebieten will, es aber damit erst recht vergrößert. Erst als der Regisseur in einer Rebellion des gesamten Teams zusammengeschlagen wird, kann die konstruktive Arbeit beginnen. "Ohne daß Sie es recht merken, ist aus dramatischer Hysterie und klischierter Leidenschaft etwas entstanden, was Sie nie recht greifen konnten, was den Grund ihrer Verwirrung ausmachte, was sie sündigen und beten ließ: der Film, der sie anzieht und sich ihnen entzieht, der Film- eine heilige Nutte." (R.W. Fassbinder)

Das Reinigungsunternehmen "Angel" besitzt im Großraum L.A. eine marktführende Position. Doch das ist nur darum möglich, weil arbeitsrechtliche Vorschriften nicht eingehalten werden und das Personal unterbezahlt wird, zudem weder Urlaub noch Krankengeld bekommt. Bei "Angel" arbeiten Rosa sowie ihre Schwester Maya als Janitors, so werden diese Arbeiterinnen genannt. Maya ist erst seit kurzem dabei, sie kam als Mexikanerin illegal über die Grenze und hat keine andere Wahl. Bald trifft sie auf Sam, einen jungen Gewerkschaftler, der die Mißstände bei "Angel" aufdecken möchte. Maya verliebt sich in ihn und wird zu dessen Gefährtin im kommenden Arbeitskampf, ihre Schwester Rosa will davon überhaupt nichts wissen. Regisseur Ken Loach ("Riff Raff", "Land and Freedom", "My Name is Joe") hat sein Filme-Machen in den Dienst der Arbeiterklassen dieser Welt gestellt. Die Idee zu "Bread and Roses" kam ihm nachts an einer Bushaltestelle, als er den Putzfrauen aus Lateinamerika begegnete, wie sie von der Arbeit kamen. Der Film nahm sich dabei die tatsächlichen Arbeitskämpfe um "Justice for Janitors", die 1990 in Kalifornien ausbrachen, zur Vorlage.

In einem Luxusappartement lebt die erfolgreiche Mode-Designerin Petra von Kant zusammen mit ihrer Assistentin und Dienerin Marlene, die wortlos alle Launen ihrer Chefin und Herrin über sich ergehen läßt. Dann verliebt sich Petra in die zehn Jahre jüngere Karin. Karin wiederum möchte von Petras Geld profitieren, nicht dafür aber ihre Freiheit aufgeben. Als Karins Mann plötzlich auftaucht, kehrt sie wieder zu ihm zurück. Petra verzweifelt, aber beginnt, zu verstehen: "Ich habe Karin gar nicht geliebt, ich habe sie nur besitzen wollen." "Ich bin Frauen gegenüber genauso kritisch wie Männern. Aber mir geht das eben so, daß ich das, was ich über die Gesellschaft sagen will, besser anhand von Frauenfiguren kann." (R.W. Fassbinder)

Lange war es eher still um den aus Georgien stammenden Regisseur Otar Iosseliani ("Günstlinge des Mondes", "Zeit der Schmetterlinge"). Bis er mit "Briganten" und vollends "Marabus" wieder sein seltenes Talent für jene spezifische Mischung aus Poesie und Satire beweisen konnte, wie zum Beispiel auch 1999 als Stargast auf dem "Filmfestival Mannheim-Heidelberg". Einmal mehr nimmt Iosseliani in "Marabus" die High- oder, um im Bild des Tierreichs zu bleiben, Hai-Society auf's Korn, und wenn man es genau nimmt, braucht er das noch nicht einmal, sondern es reicht, sie mit ihren sinnlosen und gleichwohl in der Konsequenz vielfach schwerwiegenden Marotten zu porträtieren. Sie ist dabei nämlich wie der Marabu, ein "Stück Natur, das aussieht, als sei es von der Fantasie erfunden worden." (epd Film) Bunte Vögel und andere hohe Tiere, beflügelt im Geiste Chaplins und Jacques Tatis!

Die sechzigjährige Witwe Emmi, die als Putzfrau arbeitet, lernt in einer Gastarbeiterkneipe den viel jüngeren Marokkaner Ali kennen. Man tanzt miteinander, unterhält sich, geht zusammen nach Hause. Ali zieht bei Emmi ein und heiratet sie. Emmis Kinder, die Nachbarn sowie ihre Arbeitskolleginnen reagieren auf diese Ehe mit äußerster Ablehnung. Als dann jedoch dieser äußere Druck plötzlich nachläßt, werden im Gegenzug die inneren Spanungen zwischen Ali und Emmi deutlich. Schließlich hat Ali wieder Kontakt zu seiner früheren Geliebten, der Wirtin Barbara. Emmi will ihn zurückholen. - "Filme müssen irgendwann einmal aufhören, Filme zu sein, müssen aufhören, Geschichten zu sein und anfangen lebendig zu werden, daß man fragt, wie sieht das eigentlich mit mir und meinem Leben aus." (R.W. Fassbinder)

"Solas" handelt von Maria, einer jungen Frau, die ihrer durch Alkohol und Gewalt zerrütteten Familie in der spanischen Provinz entflohen ist, um in der Stadt nichts anderes zu finden, nämlich Erniedrigungen und die Momente fragwürdigen Glücks, wenn sie sich mit Alkohol berauscht. Unsentimental und gewissenhaft verfolgt Benito Zambranos international mit höchsten Preisen ausgezeichneter Erstlingsfilm die Geschichte eines Menschen, dem sich nahezu alles, was ihm begegnet, ins Unheil verkehrt, dessen Inneres aufgesogen wurde von einer Leere, die im Film allenfalls Gesten mit Hoffnung zu erfüllen vermögen: der Mutter, die, selbst bis zur Erschöpfung abgearbeitet und vom familiären Unheil zerstört, im Vorübergehen Gutes tut; einer Pflanze, die es wagt, in Marias Wohnung zu erblühen. "'Solas' ist ein Filmdebüt, aber es sieht aus wie die Summe eines Lebens." (Heike Kühn, epd-Film)

"Mich ekelt, was ich getan. Aber mehr noch ekelt mich eure Tugend! Weg mit euch! Ich muß leben!" Effi Briest wird mit siebzehn Jahren an den zwanzig Jahre älteren Baron von Innstetten verheiratet, einen hrgeizigen Mann, von dem sie sich nicht geliebt fühlt. Dann lernt Effi Major Crampas kennen, eine Beziehung zwischen Freundschaft und Leidenschaft füreinander entsteht. Sie endet, als Effi mit ihrem Gatten nach Berlin zieht. Doch Jahre später entdeckt dieser Briefe, die Effi von Crampas erhalten hat. Er fordert diesen zum Duell und tötet ihn. Gleichzeitig verstößt er Effi. Ihr Lebenswille erlischt. "Dies ist kein Frauenfilm, sondern ein Film über Fontane, über die Haltung eines Dichters zu seiner Gesellschaft. Es ist kein Film, der eine Geschichte erzählt, sondern es ist ein Film, der eine Haltung nachvollzieht. Es ist die Haltung von einem, der die Fehler und Schwächen seiner Gesellschaft durchschaut und sie auch kritisiert, aber dennoch diese Gesellschaft als die für ihn gültige anerkennt." (R.W. Fassbinder)

Hermann und Maria Braun heiraten mitten im zweiten Weltkrieg. Nach Kriegsende heißt es, Hermann Braun sei gefallen. Maria beginnt ein Verhältnis mit dem schwarzen G.I. Bill. Dann kommt Hermann plötzlich aus der Gefangenschaft nach Hause. Maria erschlägt Bill, Hermann nimmt die Schuld auf sich und geht ins Gefängnis. Maria wird die Geliebte des Fabrikanten Oswald. Als Hermann wieder aus dem Gefängnis entlassen wird, bleibt er bis zu Oswalds Tod dennoch verschwunden, denn beide Mäner haben einst einen Vertrag geschlossen, demnach Hermann zu Oswalds Lebzeiten auf Maria verzichtet, sie beide jedoch danach als dessen Erben eingesetzt werden. Aber es gibt zwischen Hermann und Maria kein glückliches Ende. "Für mich sind Frauen nicht nur dazu da, Männer in Gang zu setzen, diese Objektfunktion haben sie nicht... Ich zeige eben, daß die Frauen mehr als Männer gezwungen sind, zu zum Teil ekelhaften Mitteln zu greifen, um dieser Objektfunktion zu entgehen." (R.W. Fassbinder)

Michel ist ein lieber Kerl, aber fürchterlich gestreßt, denn er will es allen recht machen. Die Ferien haben begonnen, mit Ehefrau und drei Töchtern steht er im Stau auf der Autobahn und hat ein schlechtes Gewissen, weil er seine Eltern nicht besuchen konnte. Auf einer Autobahnraststätte begegnet er einem fremden Mann, der sich als sein alter Schulfreund Harry entpuppt. Harry lebt ganz anders, er hat geerbt und kann tun und lassen, was er will. Ein sonderbarer Typ, der langsam auf Michel Einfluß nimmt, vor allem soll Michel wieder mit dem Schreiben anfangen. Man kann eigentlich nichts dagegen haben, wenn ein alter Freund einem hilft, alte Talente wieder zu entdecken, aber Harry pflegt egomanisch für andere zu entscheiden und Schwierigkeiten aller Art dabei rigoros aus dem Weg zu räumen. - Regisseur Dominik Moll schuf einen ironischen Thriller, der sich in seinen besten Momenten von seinem Vorbild Hitchcock inspiriert zeigt.

Nach dem Vorbild des "Zeitungszaren" Hearst zeigt "Citizen Kane" den unaufhaltsamen Aufstieg eines in seinen Überzeugungen äußerst anpassungsfähigen, aber auch höchst ehrgeizigen Zeitungsverlegers, der die Macht der Presse erkennt und selbst immer mächtiger wird, zuletzt aber völlig vereinsamt in seiner festungsähnlichen Traumvilla stirbt. Erzählt wird diese exemplarische Geschichte vom amerikanischen Traum und Albtraum in einer komplizierten Rückblendentechnik: Ein Reporter recherchiert über Kanes Vergangenheit, um das berühmte Rätsel zu lösen, was sich hinter dem Wort "Rosebud" verbirgt. "Citizen Kane" ist in geradezu jeder Einstellung verewigte Filmgeschichte. Der damals erst 24jährige Orson Welles hat damit den Film endgültig zu dem werden lassen, wovon er heute immer noch zählt, nämlich die exemplarische Kunstform des 20. Jahrhunderts zu sein. Entsprechend rangiert der Film nach wie vor auf Kritikerlisten stets unangefochten an der Spitze der "besten Filme", genauso einsam wie sein historisches Vorbild.

Im Verlauf einer Autofahrt zieht ein beruflich durchaus erfolgreicher Medizinprofessor die bittere Bilanz seines Lebens, seiner persönlichen Niederlagen, der Opfer, die es erforderte. "Wilde Erdbeeren" ist einer der berühmtesten Filme Ingmar Bergmans, gedreht in einem suggestiven, surrealen Stil. Beispielhaft entfaltet er die großen Themen des schwedischen Regisseurs: über die Liebe, den Glauben, den Tod.

"Seine tricktechnischen Leistungen sind die einzige Originalität des inhaltlich epigonalen und uninspirierten Films, der die wirre Erlösergeschichte um falsche Identitäten lediglich ausbreitet, um eine rabiate Action-Maschinerie zu entfesseln." (Lexikon des internationalen Films) Daß dieser Film nicht unbedingt den Beifall der Filmkritik fand, verdient keinen besonderen Kommentar. Bei Comics spricht man auch selten von Meisterwerken von weltliterarischem Rang! Und sei es als gelungener, greller Comic, sei es als Abenteuer film mit intellektuellem Touch oder beides zugleich fand "Die totale Erinnerung" auch unter anspruchsvolleren Freunden der Science fiction seine Fürsprecher. Nach "Blade Runner" wurde hier nämlich erneut der Versuch unternommen - und vielleicht mit mehr Erfolg -, eine Geschichte Philip K. Dicks, jenes unübertroffenen Altmeisters des Genres, zu verfilmen. In ihrem Mittelpunkt steht ein einfacher Bauarbeiter, der seinem müden Dasein entfliehen und um alles in der Welt einmal auf den Mars reisen möchte. Daran hindern ihn nicht allein seine familiären Verpflichtungen, sondern vor allem auch das Geld. So kommt das Angebot einer neu gegründeten Firma, statt der realen Reise einfach die Erinnerung daran zu verkaufen, gerade recht. Doch irgendetwas scheint dabei mächtig schiefzulaufen. Oder werden etwa seine Träume wahr?

U 36 ist abhanden gekommen, mit 36 Insassen, nein, kein U-Boot, sondern eine Metro in Buenos Aires. Alle Suchaktionen bleiben vergeblic. Bis David Pratt, ein Mathematiker, mit den Nachforschungen beauftragt wird. Ihm kommt ein unglaublicher Verdacht: Könnte die U-Bahn in einer Art Moebius-Schleife in eine andere Dimension hinübergewechselt haben? - Eine ebenso philosophische wie politische Fabel, packend inszeniert von einer Filmklasse der Hochschule für Film: U 36 verschwindet an der Haltestell "Plaza de Mayo", und am Ende betritt Pratt die Metro-Station "Jorge Luis Borges", benannt nach dem Altmeister tiefgründiger Labyrinthe.

Aicha ist eine moderne, selbstbewußte Frau, die mit ihrem Mann und den drei Kindern in bescheidenen Verhältnissen auf der tunesischen Insel Djerba lebt. Doch was sie und was aus ihrer Familie geworden ist, mußte sich Aicha in Jahren der Entbehrung und Selbstbehauptung erkämpfen. Der Film geht zurück in die Zeit, in der die achtzehnjährige Aicha mit ihrem Mann Said, den sie liebt, verheiratet wurde, der kein anderes Auskommen sah, als elf Monate im Jahr in der Hauptstadt Tunis als Teppichhändler zu arbeiten. Auf die einmonatige Zeit der Männer folgte die Zeit der Frauen: mit der Schwägerin, deren Mann nach Frankreich ging, um nie wiederzukehren, mit der tyrannischen Schwiegermutter... - Aus der Sicht einer Frau gibt Moufida Tlatli, bekannt geworden bereits durch ihren ersten Spielfilm "Palast des Schweigens", ein Psycho- und Soziogramm der tunesischen Gesellschaft, die, hin- und hergerissen zwischen Tradition und Moderne, ihre Kraft aus starken Persönlichkeiten wie der Hauptfigur dieses Films bezieht.

Ein Reporter, der an seiner Arbeit scheitert, schlüpft in die Identität eines Verstorbenen. Quer durch Europa und Afrika reist er zu dessen Terminen, wodurch er unmittelbar ins Zentrum des internationalen Waffenhandels gerät. Begleitet von einer jungen Frau, die er unterwegs trifft, zieht sich die Schlinge seiner Verfolger immer enger. - In "Beruf: Reporter" gelingt es Altmeister Michelangelo Antonioni, das Thema der Entrfremdung und des Leerlaufs der Zeit in einem hochpolitischen Kontext anzusiedeln. Wie in seinem früheren Film "Blow up" geht es dabei auch um die Frage nach der Darstellbarkeit der Wirklichkeit. So entstand ein "intimistischer Abenteuerfilm", (Antonioni) der aufgrund vieler Szenen, so der siebenminütigen Kamerafahrt am Ende, Aufsehen erregte. "Antonionis schönstes filmisches Gemälde und sicherlich eine der atemberaubendsten optischen Reisen, die je gedreht wurden." (Newsweek)

Der Schriftsteller Andrej Gortschakow reist nach Italien, um Material für eine Oper über Pavel Sosnowskij zu sammeln. Sosnowskij lebte im 18. Jahrhundert und wurde, obwohl Leibeigener, aufgrund seiner musikalischen Begabung von seinem Gutsherrn zum Studium nach Italien geschickt. Von jener spezifisch russischen Form des Heimwehs und einer tiefen Melancholie erfaßt, kehrte er schließlich in seine Heimat zurück, wo er sich später erhängte. Während seiner Reise gerät Gortschakow in die gleiche Gemütsverfassung wie zuvor Sosnowskij. Anlaß dafür wird ihm über seine Fremdheit im Ausland hinaus die Beobachtung der Entfremdung zwischen den Menschen. Einzig die Bekanntschaft mit einem Mann, der sich mit seiner Familie über Jahre hinweg vor aller Welt verschlossen hielt, scheint ihm einen Weg zu weisen. - "Nostalghia" ist der erste Film, den Andrej Tarkowskij außerhalb seiner Heimat drehte, die Passion eines Künstlers inmitten einer materialistischen, sinnentleerten Welt, die vor dem Hintergrund seines eigenen Lebens einen beklemmend-autobiografischen Aspekt gewinnt.

Vorhang auf für die neuesten Heidelberger Produktionen auf Video, unter anderem Norbert Ahlers' und Stefan Friedels Kurzfilm "Tunnelposten", einen knallharten Kriegs- oder besser Antikriegsfilm! Das genaue Programm steht heute noch nicht fest. Wer noch Interesse hat, Filmbeiträge einzureichen, wende sich bitte an unsere Aktive Medienarbeit unter 978920!

Der todkranke Schriftsteller Alexander weiß, daß er, wenn er diesen Tag, wie fest vereinbart, ins Krankenhaus geht, niemals zurückkehren wird. So ordnet er nochmals seine Angelegenheiten, geht mit seinem Hund spazieren, besucht seine Tochter... Doch es ist ein Tag voller berührender Zufälle. Vor allem trifft Alexander bei der Fahrt durch die Stadt einen kleinen albanischen Jungen, der kaum ein Wort Griechisch versteht, sich mit Schwarzarbeit durchschlägt, in ständiger Furcht vor der Polizei. Sowenig Zeit Alexander bleibt, sieht er sich doch plötzlich einer neuen Verantwortung gegenüber, einem letzten Tag, der neu ist wie kaum einer zuvor. "Was zählt am Ende eines Lebens? Würde man die Themen dieses Films benennen, man käme zu ganz allgemeinen Konzeptionen: die Vergänglichkeit des Daseins, die Flüchtigkeit des Glücks, die Schwierigkeit menschlicher Beziehungen. Doch die blassen Begriffe taugen nicht, denn Angelopoulos erforscht diese Themen voller Poesie und ganz konkret. Von seinem Film geht ein Zauber aus, der tagelang anhalten kann." (Karlheinz Oplustil, epd-Film)

Zusätzlich zu den Kurzfilmen, die bei uns in allwöchentlichem Wechsel im Vorprogramm gezeigt werden, schließlich diesen Monat auch den Heidelberg-Filmen vom 20.3. freuen wir uns, Ihnen dank der Initiative der "Film- und Bildstelle" der Erzdiözese Freiburg auch dieses Jahr im März wieder ein besonderes Kurzfilmprogramm vorstellen zu können, 10 ausgewählte, insgesamt knapp zwei Stunden lange Filme, die auf Festivals im letzten Jahr besonders auffielen. Aus Deutschland zu sehen sind "Pas de deux" von Florian Baxmeyer, "Paranoia" von Peter Kocyla, "Das Taschenorgan" von Carsten Strauch, "Nebel" von Matthias Müller, "Neulich 2" von Jochen Kuhn und "Ich muß gehen" von Florian Mischa Böder. Aus der internationalen Produktion stammen "Music for one apartment and six drummers" von Ola Simonsson und Johannes Stjörne Nilsson, Schweden, "Emo - Mutter" von Jyri Kähönen, Finnland, "Echo" von Frédéric Roullier-Gall, Belgien, und "It could be you" von Ed Taifan, Großbritannien. Ein Programm, lustig wie traurig, nachdenklich und furchterregend - vielfältig eben wie es nur ein erstklassiges Kurzfilmprogramm sein kann!

Jonas Mekas, 1922 in Litauen geboren ,lebt seit 1949 in New York, wo er mit seinen Filmen und durch die Herausgabe der Zeitschrift "Film Culture" sowie die Gründung der "New American Cinema Group" zu einem der bedeutendsten unabhängigen Filmemacher der USA und Repräsentanten der Underground-Kultur wurde. Über Jahrzehnte hinweg hat er auf experimentelle Weise Kultur und Alltag in New York auf Film gebannt, immer wieder gerieten Freunde wie Allen Ginsberg oder Andy Warhol vor seine Kamera. "As I was moving ahead", begeistert gefeiert auf der Berlinale 2001, ist dabei wie die Essenz seines Filmschaffens und einer bewegten, verloren erscheindenden Zeit in New York, der Hauptstadt der westlichen Welt, eine wahre "wiedergefundene Zeit". Material aus zwei Jahrzehnten hat Mekas für den Film montiert und mit Kommentaren versehen. Entstanden ist so ein "ultimativer Dogma-Film, lange bevor Dogma ins Leben gerufen wurde." (Jonas Mekas)

Es gibt viele Spielfilme über Künstler und Musiker. Zumeist tritt aber ihr Werk, durch das sie eigentlich Bekanntheit erlangten, hinter den ihrer Biografie entlehnten Konflikten stark zurück. Die "Chronik der Anna Magdalena Bach" ist dagegen der avancierte und stilistisch eigenwillige Versuch zweier maßgebender Regisseure des "Neuen deutschen Films", einen nahezu rein musikalischen Film zu drehen. In der hermetischen Welt eines Musikzimmers entfaltet der Film den Kosmos einer Existenz, die wesentlich in ihrer Musik aufgeht, einer Musik, die Johann Sebastian Bach im Film mühsam den Zeitumständen, vor allem den Anforderungen seiner Arbeitgeber abzuringen hat. Die "Chronik" seiner Frau, aus deren Perspektive der Film gewissermaßen gedreht wurde, ist dabei freilich eine Fiktion. Das "Kuratorium junger deutscher Film" versagte dem Film seinerzeit seine Förderung. Heute steht er als einer der bleibenden Klassiker des westdeutschen Nachkriegskinos in Ansehen.

Ein Künstler, der sich in die Abgeschiedenheit einer schwedischen Insel zurückgezogen hat, erhält anläßlich seines Geburtstages Besuch von Verwandten und Freunden. Doch von Anfang an kommt keinerlei Festtagsstimmung auf, im Gegenteil überwiegt eine beklemmende Stimmung, die sich zunehmend verdüstert. Bis am Abend im Rundfunk plötzlich verstümmelte Nachrichten zu hören sind, von einer Katastrophe, mit der, so präsent sie war, doch kaum jemand gerechnet hatte: vom atomaren Krieg. Gibt es eine Möglichkeit, den Weltuntergang aufzuhalten, ja rückgängig zu machen? - "Opfer" ist weit mehr als ein Appell an die politische Vernunft, vorgetragen zu einer Zeit, in der das Wettrüsten zwischen Ost und West aufgrund des NATO-Doppelbeschlusses in eine neue Runde ging. Auf radikale und poetische Weise stellt dieser Film die Frage, ob nicht die Katastrophe die logische Konsequenz einer Lebensweise ist, wie sie Tarkovskij in diesem letzten Film, den er vor seinem Tod vollenden konnte, in Ibsenscher Unerbittlichkeit vorführt.

Kaum ein Film dürfte sich mehr "Zwischen Zeit und Ewigkeit" - so das diesjährige Thema des Heidelberger Frühlings - bewegen als dieser, einer der meistdiskutierten Filme überhaupt, ein Film, der in jeder Hinsicht, technisch wie formal und dabei nicht nur für das Genre der Science fiction, Grenzen sprengte und Maßstäbe setzte, die über das Jahr 2001 fortdauern. Die Geschichte, die Stanley Kubrick in seinem nahezu monomanischen Epos erzählt, ist dabei nichts weniger als die Menschheitsgeschichte, von ihren frühesten Ursprüngen bis in die Zukunft, ja Unendlichkeit, wie das letzte, rätselhafte Kapitel des Films überschrieben ist, mit dem der Film an seinen Anfang zurückkehrt. "2001" ist dabei nicht allein eine "technische Utopie", sondern zugleich ein Film über die Technik, die in ihm den Menschen zuerst - das Töten erlaubt. Ein Film voller Ironie und Zynismus, nicht zuletzt aber auch ein sehr musikalischer Film, in dem auf meisterhafte Weise Bild, Ton und Musik ineinandergreifen.

Mitten durch Shanghai fließt der Suzhou River, schwer verseucht, da er von den Abwässern und Kloaken der angrenzenden Industriekomplexe Zulauf bekommt. Ein Videofilmer wird nun damit beauftragt, die Menschen an diesem Fluss zu porträtieren, eine Bar beispielsweise, die als Attraktion in einem Aquarium eine blonde Meerjungfrau namens Meimei hat. Unsere rheinische Lorelei lässt grüßen. Der Videofilmer verliebt sich in sie und entwickelt um sie herum eine Geschichte über eine amour fou zwischen einem Motorradkurier und der Tochter eines reichen Schmugglers. Regisseur Ye Lou, Jahrgang 1965, orientierte sich in seinem Film an Godard ähnlich wie an Hitchcock oder an Jean Vigos "L'Atalante". Sein Film wurde in Shanghai gedreht, in Berlin geschnitten, in Peking gemischt, um dann auf dem Rotterdam Filmfestival mit dem ersten Preis ausgezeichnet zu werden. "Ein wunderbares Filmmärchen (epd Film), unbeschwerte Nouvelle Vague aus China.

Samira Makhmalbafs zweiter Spielfilm beginnt mit einer strengen Bildkomposition in Schwarz, Ocker und Blau: Dunkel gekleidete Männer tragen schwere Tafeln durch eine Gebirgslandschaft, darüber klarer Himmel. Es sind zwei Lehrer, die im Grenzland zwischen Iran und Irak nach Schülern suchen. Ein aussichtsloses Unterfangen in Zeiten des Krieges. Darum trifft der eine auf jugendliche Schmuggler, der andere lediglich auf alte Männer, die noch einmal ihr Dorf sehen wollen. Die Schultafeln der beiden Lehrer werden dabei zur Metapher des Films, der sich immer zwischen der grausamen Wirklichkeit und ihrer Überhöhung bewegt. Das Handwerkszeug des Lehrers dient beispielsweise jäh als Schutz gegen Granatsplitter oder dann wiederum als Trage für Alte und Kranke: "ein überwältigender Film, ohne jeden Funken Larmoyanz" (epd Film), bei dem zuletzt die Schönheit zu ihrem Recht kommt.

Gilbert Valence ist ein Nestor der Bühne, prädestiniert für die großen Altersrollen der Theater-Weltliteratur wie zum Beispiel den lächerlichen Herrscher in Ionescos "Der König ist tot.". Michel Piccoli spielt nicht diesen alten Schauspieler, er lebt ihn. Zugleich aber ist Gilbert Valence auch das Alter ego des mittlerweile 92jährigen Regisseurs Manoel de Oliveira. In seinem jüngsten Film zeigt er wie ein alter Mann, der mit dem Leben schon abgeschlossen zu haben scheint, durch einen Schicksalsschlag endgültig aus der Bahn geworfen wird. Nach der Vorstellung teilt man ihm mit, sowohl seine Frau als auch seine Tochter wie auch sein Schwiegersohn seien durch einen Verkehrsunfall ums Leben gekommen. Er hat nur noch seinen Enkel sowie seine Haushälterin. Mit ihnen versucht er sich nun, die ihm noch verbleibende Lebenszeit zu vertreiben. Dann bekommt er ein Angebot, in einer Verfilmung des James Joyce Romans "Ulysses" die Rolle des Buck Mulligan zu spielen. Doch er versagt. "Je rentre à la maison" fällt aus der üblichen Filmproduktion durch die notorische Eigenwilligkeit des Regisseurs heraus. Manoel de Oliveira präsentiert sich wieder einmal darin als beharrlicher Verteidiger der Langsamkeit- es dominieren etwa lange Einstellungen von den Theaterproben- sowie als Virtuose der Beiläufigkeit. "Ein gelungenes Alterswerk" urteilte epd Film, aber das müsste im Fall Oliveira fast für ein Drittel seiner Filme gelten.

"Loco" heißt verrückt. "Loco" heißt aber auch eine besondere Muschelart, nach der die Leute in einer bestimmten Gegend im Süden Chiles verrückt sind.. Dieser Muschel werden aphrodisische Wirkungen nachgesagt. Dies löst eine Jagd nach der Muschel aus...

In einem jüdischen Ghetto irgendwo in Osteuropa zur Zeit der deutschen Okkupation hört Jakob in einem Radiosender, der aber von der Gestapo betrieben wird, daß die "Russen zwanzig Kilometer vor Bezanika stehen." Frank Beyer, einer der profiliertesten Regisseure der DDR, kommentiert: "Die Rote Armee auf dem Vormarsch, das ist eine Nachricht, die neuen Lebensmut geben könnte. Aber die Umstände, unter denen Jakob sie erfahren hat, sind so unwahrscheinlich, daß man ihm nicht glauben würde. So muß Jakob lügen. Er sagt, er besitze ein Radio. Nun verbreitet sich die Nachricht in Windeseile im Ghetto. Jakob gerät in den Mittelpunkt der Aufmerksamkeit. Es beginnt sein tragikomischer Leidensweg. Die Selbstmorde im Ghetto hören auf. Hoffnung breitet sich aus. Und Jakob sieht, daß die Hoffnung unter Umständen wichtiger sein kann als ein Stück Brot." "'Jakob der Lügner', Beyers erste Arbeit in Farbe, ist ein sehr sanfter, stiller Film, der, bar jeder Larmoyanz, den Ghetto-Alltag mit kurzen retrospektiven Glücks-Visionen konfrontiert, bonbonfarbenen Träumen voller Naivität und Sehnsucht. Das reale Grauen der Ghetto-Existenz ist nur sparsam angedeutet und wirkt gerade dadurch besonders intensiv. Die unzerstörbare Menschenwürde: Beyers großes Thema von 'Fünf Patronenhülsen', 'Königskinder' und 'Nackt unter Wölfen' bis hin zu 'Jakob der Lügner'. Beyers Filme sind optimistische Tragödien über das Prinzip Hoffnung in hoffnungslosen Zeiten." (Hans G. Blumenberg) Einer von wenigen deutschen Filmen, die in Hollywood neuverfilmt wurden!

Liebesgeschichten zählen seit jeher zu den unverzichtbaren Bestandteilen nahezu eines jeden Kinofilms, der Popularität verspricht. Gleichwohl sind diesen Geschichten enge Rahmen gesetzt. So sehr Billy Wilder in Hollywood sicher einen großen Kinofilm und auch -erfolg auf den anderen drehen konnte, so sehr setzte er sich zugleich immer wieder gerne ironisch über die Grenzen der Traumfabrik hinweg und verletzte ihre Tabus - beispielhaft in "Ariane". Im Mittelpunkt des Films steht die nette und hübsche Ariane Chavasse, aus bester Familie und entsprechend in Liebesdingen völlig unerfahren, koboldhaft verkörpert von Audrey Hepburn. Die Liebe fällt ja bekanntlich hin, wohin sie will, und so geschieht es, daß Ariane sich ausgerechnet in Frank Flannagan verliebt, einen in die Jahre gekommenen und dabei durchaus desillusionierten Playboy, hervorragend "fehlbesetzt" (Lexikon des internationalen Films) durch Gary Cooper. Flannagan hat gewiß alles andere im Sinn, als sich auf ein Mädchen einzulassen, das seine Tochter sein könnte. So spielt Ariane die erfahrene Lebedame, gewaschen mit allen Wassern. Herrlich schillert der überaus komische und unterhaltsame Film zwischen Frivolität und Romantik, Märchen und Provokation...

Der Sunset Boulevard, so der Originaltitel des Films, ist eine der bekannteren Straßen von Los Angeles, da sich auf ihr die Größen des Hollywood-Kinos mittels Plaketten verewigt finden. Dabei haben die USA tatsächlich kaum ein historisches Gedächtnis, zumindest nicht in Filmdingen, und so ist es durchaus üblich, daß die Stars von einst völlig unerkannt inmitten der Lebenden weilen, wie Gespenster, Schattenbilder ihrer einstigen Größe. So Norma Desmond, authentisch dargestellt von der ehemaligen Stummfilmdiva Gloria Swanson, deren Stern mit der Erfindung des Tonfilms tatsächlich ebenso verblaßte wie der von Erich von Stroheim, de Mille und vor allem Buster Keaton, weiteren Protagonisten dieses Films. Doch Norma Desmond träumt unerschütterlich von ihrem Comeback, und als sie den jungen Drehbuchautor Joe Gillis trifft, scheint ihr dies zum Greifen nah. - Daß dieser Film nicht gut ausgeht, dies zu verraten heißt bei "Boulevard der Dämmerung" keineswegs, sein Ende vorwegzunehmen, ist er doch im Rückblick und aus der Perspektive - eines Toten erzählt.

Ein britischer Flieger landet nach Kriegsende eines Abends in einem Hamburger Nachtklub oder was die Bomben davon übriggelassen haben. Dort trifft er eine extrem attraktive Sängerin, in die er sich verliebt und die er mit nach England nimmt und heiratet. So könnte man diesen Film zu erzählen versuchen. Oder: Ein Londoner Staranwalt wird mit der Verteidigung in einem ganz außergewöhnlichen Mordfall beauftragt, in dem vor allem die Frau seines Mandanten "irgend etwas im Schilde zu führen scheint", wie er gleich beim ersten Treffen bemerkt. Aber eigentlich verbietet es sich völlig, irgendwie die Handlung des Films nachzuerzählen, denn das Drehbuch mit seinen aberwitzigen Wendungen und Pointen ist mehr als brillant. So möchten wir darum nur betonen, daß wir mit "Zeugin der Anklage" neben Billy Wilder auch an den legendären Charles Laughton erinnern möchten und dann natürlich vor allem an Marlene Dietrich, ganz sie selbst und jenseits von Vilsmaier.

"Jud Süss" beruht auf einer Novelle Wilhelm Hauffs von 1827, die bereits selbst einige antisemitische Elemente aufweist, und gibt vor, die authentische Geschichte des Juden "Süss" Oppenheimer am Hof Karl Alexanders von Württemberg zu erzählen. Süss, so wird es dargestellt, habe die Emanzipation der schwäbischen Juden mit Geldern erkauft, die lediglich der aufwendigen Hofführung des Herzogs dienten. Zugleich habe er großen, uzw. Selbstverständlich negativen, Einfluß auf die Politik des Landes gehabt. Daneben stellt der Film Oppenheimer als einen moralisch tief fragwürdigen Menschen dar. - "Jud Süss", von vornherein als Propaganda-Film konzipiert und vom historischen Vorbild so weit entfernt, daß man eher von einer reinen Fiktion sprechen sollte, war eine verhängnisvolle Weise einer der erfolgreichsten Filme der NS-Zeit. Man nimmt an, daß mindestens ein Drittel der damaligen Bevölkerung "Jud Süss" gesehen hat. Der Mannheimer Filmexperte Peter Bär gibt eine ausführliche filmhistorische Einführung zu diesem Film.

Stephen Frears wurde mit "Mein wunderbarer Waschsalon" bekannt und berühmt durch seine Verfilmung der "Gefährlichen Liebschaften". Mit "Liam" wagte er einen Film ganz aus der Perspektive eines Kindes. Ursprünglich eine Fernsehproduktion, entwickelt sich dieser aus dem verzerrten Blickwinkel entsprechend der Körpergröße des siebenjährigen Liam. Dieser wohnt in einer Arbeitersiedlung in Liverpool. Es sind die dreißiger Jahre, sein Vater wird arbeitslos, die Familie verarmt. Liam selbst hat Angst vor dem Religionsunterricht, der ihn auf seine Erstkommunion vorbereiten soll. Die Familie wird endgültig innerlich zerstört, als der Vater sich der "British Union of Fascists" anschließt und sich an Terrorakten gegen die jüdische Bevölkerung in Liverpool beteiligt. - "Liam" wurde mit großem Erfolg auf der vorletzten Berlinale und auf dem Filmfestival von Venedig 2001 gezeigt.

Schnell, schneller am schnellsten eilt der Coca-Cola-Generalvertreter MacNamara (James Cagney) auf der Suche nach neuen Absatzmärkten durch ein von der Mauer noch ungeteiltes Berlin. So schnell, daß ihm entgeht, wie die Tochter seines Chefs, auf die er nebenbei aufpassen soll, sich in einen Kommunisten verleibt. Schon ist das Paar getraut - da meldet obendrein der Papa aus Atlanta seinen baldigen Besuch an. - "Eins, zwei, drei" ist die wohl turbulenteste Komödie von Billy Wilder, und auch um den Film herum überschlugen sich die Ereignisse: vor allem der plötzliche Bau der Mauer ließ das Berlin des Films bald der Vergangenheit angehören, und angesichts von verzweifelt in den Westen flüchtenden DDRlern wurde Wilders Spott eher als Hohn empfunden. Erst die Neuaufführung Mitte der achtziger Jahre brachte dem Film Erfolg beim Kinopublikum.

Auf den Trümmern des Palastes, von dem aus Alfred Hugenberg in den zwanziger und dreißiger Jahren den größten Teil der Verlage, Filmgesellschaften und dergleichen mehr lenkte, erhebt sich heute der Axel-Springer-Verlag, ein Vertreter der großen Konzerne, die gegenwärtig die Medien nicht nur eines Landes, sondern zunehmend gleich weltweit bestimmen - und manchmal auch gleich die Politik. Hier liegen Parallelen auf der Hand. So wie etwa mit Silvio Berlusconi (um nur einen Namen zu nennen) Neofaschisten und andere Rechtsradikale in Italien an die Regierung gelangten und nun, nach dem Untergang des Kirch-Imperiums, vollends auch in Deutschland wortwörtlich nach dem Sagen streben, so war nämlich der unersättliche Hugenberg einer der Hauptverantwortlichen an der Machtergreifung der Nationalsozialisten, Hitler sein Ziehkind. Grund genug, sich die Geschichte des deutschen Medienzaren zu vergegenwärtigen!

Baron de Chanterelle möchte seinen Neffen Lancelot verheiraten. Er annonciert, und 40 Jungfrauen melden sich. Zuviel der Weiblichkeit, Lancelot flüchtet in einKloster. Dort sind die Mönche, und sie sind geldgierig. Sie wollen an die Mitgift und überreden Lancelot tollkühn, er möge doch statt einer richtigen Frau eine Puppe heiraten. Und Lancelot gehorcht. Aber diese Puppe ist so gut gelungen, weil sie in Wirklichkeit die Tochter des Puppenmachers ist! - Der Film geht gut aus. Ernst Lubitsch schuf seine Filmoperette aufgrund einiger Motive von E.T.A. Hoffmann und A.E. Willners "Eine lustige Geschichte aus einer Spielzeugschachtel". "Die Puppe" geriet ihm märchenhaft und komisch zugleich, eine turbulente Pappmachéphantasie!
Der Stummfilm wird live begleitet von Markus Tyroller und seinem Ensemble "Sir Vival's Dance Garden of Music" - um rechtzeitige Voranmeldung unter 978918 wird gebeten!

Francis Veber's Bühnenstück diente bereits 1973 als Vorlage für die französische Komödie "Die Filzlaus" mit Lino Ventura und Serge Gainsbourgh. Billy Wilder wagte 1981 eine Amerikanisierung. Wieder treffen sich in einem Hotelzimmer ein Kleinbürger, der sich aus Verzweiflung das Leben nehmen will, und ein Killer, der einen Kronzeugen umzubringen hat. Sie kommen sich in die Quere, und dann begehen sie den Mord gemeinsam. Jetzt kommen sie nicht mehr voneinander los. Eine tempogeladene schwarze Komödie, getragen von den schauspielerischen Leistungen der beiden US-Starkomiker.

Sie lebt im Kokon ihrer Jugend, aus dem vielleicht niemals ein Schmetterling schlüpft, und alles, was sie macht, macht sie aus Trotz. Lynn ist 22 Jahre alt und läßt sich mit ihren Gefühlen durchs Leben treiben, ohne sich über die Konsequenzen ihres Tuns den Kopf zu zerbrechen. Sie eckt überall an, eine Rebellin ohne Grund, die andere brüskiert, weil sie selbst verloren ist. "In den Tag hinein" ist der erste Film der jungen Filmemacherin Maria Speth, sie drehte die einzelnen Szenen in einer fast schlafwandlerischen Beiläufigkeit, in einem Berlin, das in einen Dämmerzustand bläulichen Lichts getaucht ist und in dem sich Tag und Nacht fast völlig einander gleichen. Sie schuf dadurch einen Film, der ganz aus der Innenwelt der Hauptfigur gemacht ist.

1943 wurden die American Forces Networks gegründet, ein Sender, gemacht, um die Soldaten bei Laune zu halten, im Zweiten Weltkrieg, während der Luftbrücke nach Berlin, später in Korea und Vietnam. Zwar war die Aufgabe von AFN die Propaganda, aber sie brachten auch die US-amerikanische Musik, zunächst den Swing, dann den Jazz, später vor allem natürlich den Rock 'n Roll, überall dahin, wo die GIs stationiert waren, so auch nach Deutschland. Hannes Karnick und Wolfgang Richter konnten schon mit "Martin Niemöller" einen eindrucksvollen, vor allem auch für das Kino gedachten Dokumentarfilm vorlegen, für "Radio Star" haben sie einiges an unbekanntem Archivmaterial ausgegraben und damalige DJs interviewt. Interessant war für sie auch die Frage nach etwaiger Zensur, ein Song wie Eric Burdons "We've Gotta Get Out Of This Place" etwa war zu gewagt für die Vietnamkämpfer, sie mußten schon bleiben wo sie waren!

Die Filme von Oliver Stone, könnte man vielleicht sagen, stellen den "amerikanischen Albtraum" dar, ohne im Grunde die Grenzen des kommerziellen Kinos zu verlassen. Mehr noch als etwa die Filmbiographie "The Doors" stellt "Talk Radio" dabei auch den Zwiespalt zwischen Kommerzialität auf der einen Seite, zu der die meisten Medien nicht nur in den USA heute gezwungen sind, und Medienfreiheit, Grundbedingung von Kritik und Innovation, selbst in den Mittelpunkt. Ausgangspunkt seiner Handlung ist eine Erscheinung, die sich auf diese Weise freilich im hiesigen Rundfunk noch selten findet: ein "Konfrontations-Radio", bei dem der Sprecher einer kleinen Radiostation hemmungs- und gnadenlos die spießbürgerlich-faschistische Mentalität der Anrufer aus seinem Publikum enthüllt. Worte können zwar nicht töten, sie können aber sehr stark verletzen...

Gemeinsam mit Jean Rouch sowie Robert Gardner zählen Judith und David MacDougall zu den wichtigsten und namhaftesten ethnographischen Dokumentarfilmern. Ihr Werk, auch und vor allem die Filmtrilogie "Turkana Conversations", ist ein gelungenes Beispiel für Dokumentarfilme im ethnologischen Umfeld und die Umsetzung ethnologischer Feldforschungsmethoden im filmischen Prozeß. Bereits die Bezeichnung "Conversations" ist unmittelbarer Ausdruck ihres filmischen Ansatzes. Weit davon entfernt, feststehende "objektive" Realitäten darzustellen, sind ihre Filme dynamische Produkte, deren Bedeutung sich einerseits in einer Kommunikation zwischen Filmemacher, Gefilmten sowie Zuschauern erschließt und die andererseits die soziale und kulturelle Verwurzelung der Filmemacher ausdrücken. In diesem Sinne bedienen sie sich in ihren Filmen einer hybriden Ästhetik, die sich nicht in herkömmliche Schablonen beobachtender Filme zwängen läßt. Mit ihrem Stil der "teilnehmenden" bzw. "nicht-privilegierten Kamera" überwanden sie das Konzept der beobachtenden Kamera des "Direct Cinema" sowie der erklärdokumentaristischen Dokumentarfilme und übertrugen die Methode der teilnehmenden Beobachtung auf den Prozeß des Filmemachens in der Ethnologie.
Ab 13.00 Uhr zeigen wir mit Filmen aus Afrika, Europa, Australien und Indien eine breite Auswahl des Schaffens von Judith und David MacDougall und freuen uns sehr, daß beide ab ca. 18.00 Uhr im Karlstorkino anwesend sind!

13.00 Uhr To live with herds, USA/Uganda 1974, 70?, s/w
14.30 Uhr Lorang?s way, USA/Kenia 1974, 70?, Farbe
15.45 Uhr Photo Wallahs, Aus/Indien 1991, 60?, Farbe
17.00 Uhr Tempus de Baristas, GB/Italien 1993, 100?, Farbe
18.45 Uhr Diya, Aus/Indien 2000, 55, Farbe
20.00 Uhr With morning hearts, Aus/Indien 2001, 110?, Farbe

"Ich werde versuchen, hinzuschauen und zuzuhören: den alltäglichen Schmerzen Afrikas." Von Juli 1993 bis Februar 1996 reiste Raymond Depardon durch Afrika. Aus dieser Reise ging dieser auf internationalen Filmfestivals vielbeachtete Dokumentarfilmessay hervor. Depardon traf Nelson Mandela, der nach 20 Jahren Haft aus dem Gefängnis entlassen wurde. Oder er begleitete zwei Frauen in Äthiopien, die für ein Feuer ein paar dürre Äste kilometerweit tragen müssen. Er zeigt Kinder, die Reiskörner auffangen, die von der Pritsche eines LKWs rieseln, und er suchte Laiendarstellerinnen eines Spielfilms wieder auf, den Depardon einige Jahre zuvor in der südlichen Sahara drehte. -"Ich bin der Meinung, daß wir unser Afrika-Bild von Grund auf revidieren müssen." (Raymond Depardon)

Albert Camus nannte ihn verstört einen "genialen Gymnasiasten": Isidor Ducasse, der sich Comte de Lautréamont nannte, verfaßte mit 23 Jahren das Poem "Les chants de Maldoror", um nur ein Jahr später in Paris zu sterben. Lange Zeit war nicht einmal ein Foto von ihm bekannt. Es waren vor allem die Surrealisten, die ihn der Vergessenheit entrissen. "Les chants de Maldoror", eine Phantasmagorie, die etwa davon erzählt, daß Gott nur eine scheußliche Kreatur auf einem Thron aus Gold und Exkrementen ist, fand nun in einer bunt zusammengewürfelten Gruppe junger Super-8-Filmer jene Unerschrockenen, die sich an eine filmische Umsetzung heranwagten. Die zwölf Kapitel der Gesänge wurden von zwölf Filmern und Filmerinnen verfilmt, primär eine deutsch-britische Koproduktion, die "Filmgruppe Chaos" aus Kiel traf auf "Exploding Cinema" aus London. Selbstverständlich entstand daraus ein äußerst disparates Filmprodukt, ein Strudel aus Blut und Samen, aus Poesie und Obsession oder eben ganz einfach wahres Underground-Kino, dessen Ästhethik seinen Schöpfern aus der Independent-Szene alle Ehre macht. Geht noch Mehr? Ja, denn "The Residents", bekannt aus dem Film über Thomas Pynchon, lieferten die Musik dazu, und kein geringerer als Feridun Zaimoglu rezitiert den juvenilen Meister.

"Dôlé" ist der erste Film seit 1978, der in Gabun gedreht wurde, das Debüt von Imunga Ivanga, geboren 1967 in Libreville, gedreht mit Laienschauspielern, die im wesentlichen sich selbst spielen. "Ich wollte von der Jugend und der Adoleszenz in einem urbanen Umfeld reden. Der Film versucht, das Schicksal dieser Jugendlichen in ihrem Alltag zu erfassen. Wenn die Jungs, die in Schwierigkeiten stecken, für sie auch Lösungen finden, über die man sicher streiten kann, so entwickeln sie doch auch ihre großen Projekte," meint zuversichtlich Imunga Ivanga über seinen Film, der von Mougler und seiner Bande handelt, Rappern und Kleinganoven allesamt, die stehlen, weil Mougler Geld für seine Mutter braucht. Es kommt die große Chance, denn im Kiosk müßte viel Geld sein, da die ganze Stadt von einem neuen Lotteriespiel träumt, dessen Erlös aber dort von einem bewaffneten Mann bewacht wird, der zudem in die charmante Ladeninhaberin verliebt ist. Eine schwierige Aufgabe...

"Alphaville" kann man zwar nacherzählen, aber stets unter dem Vorbehalt, daß Handlung das mindeste ist, aus dem dieser mitreißende Film in seiner komplexen Montage aus Bild, Text und Ton besteht. "Alphaville" ist eine "intelligente Mischung aus Science fiction und 'Schwarzer Serie" (Lexikon des internationalen Films) und zugleich ein Essay, in dem es um keineswegs ferne Welten, sondern um die Gegenwart geht. Wenig mehr ist in ihm zu sehen als das Paris der mitsechziger Jahre, das Jean-Luc Godard mit Leichtigkeit in eine Albtraumwelt verwandelt, deren filmische Darstellung noch nach drei Jahrzehnten nicht antiquiert wirkt. Sie erscheint nicht nur plausibel, sie wird darüber hinaus von der Logik selbst, genauer dem Computer "Alpha 60" regiert, der den Menschen jegliche Gefühle verbietet, ihre Äußerung mit dem Tod ahndet und ihre Namen vergessen macht. Bis eines Abends der von Action-Film-Star Eddie Constantine verkörperte Geheimagent Lemmy Caution alias Iwan Johnson, Reporter der Figaro-Prawda, nach Alphaville gelangt und, die Automatik, eine Kodak und zwei Bände Gedichte von Éluard und Cocteau stets griffbereit, die Herausforderung durch den selbstgeschaffenen Diktator annimmt. "Die These Godards ist schön, simpel und sentimental: Rettet die Poesie und die Liebe, sonst ist alles aus." (Uwe Nettelbeck, Filmkritik)

"Walkabout" meint ein Ritual der australischen Aborigines, bei dem ein jugendlicher Eingeborener in der Wüste ausgesetzt wird, damit er lernt, aus eigener Kraft zu seinem Stamm zurückzufinden. Einem solchen Jugendlichen begegnet in der Wüste Australiens ein junges Geschwisterpaar, das sich ebenfalls allein durchschlagen muß, nachdem der Vater tödlich verunglückt ist. Der Aborigine kann den beiden zwar viel über die Wüste beibringen, macht sich selbst aber seinem Glauben gemäß unrein, da er durch die beiden Geschwister mit der Zivilisation berührt wurde. Eine Begegnung, die den Geschwistern zwar die Rückkehr ermöglicht, aber das komplizierte Lebensgefüge ihres Retters zerstört. - Nicholas Roeg, der vor allem mit seinem Psychothriller "Wenn die Gondeln Trauer tragen", Filmgeschichte schrieb, gelangen in seinem zweiten Film suggestiv montierte Bilder eines Traumes vom Leben in der unberührten Natur.

Zu diesem Film gibt es eine vielleicht nicht ganz wahre, aber hübsche Geschichte, die schon viel über diesen Film sagt: Als der für die Rolling Stones zuständige Plattenboß "One plus one" erstmals sah, war er sogleich enttäuscht, daß der so berühmt-berüchtigte Song "Sympathy for the Devil" ("Every cop is a criminal, and all the sinners saints" etc. ) im Film niemals ganz gespielt, sondern lediglich bruchstückhaft während der Bandproben zu hören ist, mal eben nur den Gesang, mal nur den Bass. Er beschwerte sich sogleich bei Regisseur Godard. Sarkastisch organisierte dieser einen Plattenspieler und baute ihn vor dem Kino auf, in dem der Film soeben lief. Nun, jetzt könne er wohl endlich den Song ruhig in ganzer Länge genießen, meinte er trocken. Zum Bandporträt montierte Godard noch einige Statements des Black-Power-Movements hinzu und drehte eine Szene, in der in einem Sex-Shop jemand einen wahrhaft pornographischen Text vorträgt, Hitlers "Mein Kampf". "One plus One" ist mit einer der radikalsten Filme Jean-Luc Godards, mit ihm nahm er gründlich Abschied vom Erzählkino, um erst 1980 mit "Sauve qui peut (la vie)" zu ihm zurückzukehren.

"Jules und Jim" ist ein ungewöhnlicher Liebesfilm, der nach einer wahren Geschichte von der Liebe zweier Männer zu derselben Frau erzählt. Der eine, Jim, ist Franzose, der andere, Jules, sein deutscher Freund, frei gestaltet nach dem Bild des Schriftstellers Franz Hessel. Sie, Catherine, heiratet Jules und zieht mit ihm nach Deutschland. Doch weder dies noch auch der Erste Weltkrieg vermag die drei zu trennen... - "Jules und Jim" gab nicht nur eine Glanzrolle für Jeanne Moreau ab, deren Talent nach Truffauts Ansicht zuvor in zu vielen unpersönlichen Rollen verschwendet wurde, sondern auch für den in Deutschland bis dahin vor allem als Shakespeare-Darsteller hervorgetretenen Oskar Werner. Truffauts eigene Einschätzung des Films, die eher pessimistisch ausfiel, konnte nicht verhindern, daß "Jules und Jim" zu einer seiner bekanntesten Arbeiten, ja geradezu zu einem Kultfilm wurde. Eine berühmte Szene nach der anderen folgt aus heutiger Sicht in dem seinerzeit mit seinem Off-Erzähler und den Zeitsprüngen auch formal durchaus unkonventionellen Film, vom Wettlauf auf der Eisenbahnüberführung über das Morgenerwachen auf dem Land und das unverdrossene Briefeschreiben im Schützengraben bis hin zu seinem jähen Ende.

"Curfew" porträtiert eine palästinensische Großfamilie im von Israel besetzten Ghaza-Streifen aus der Sicht eines zehnjährigen Jungen. Vor versammelter Familie liest der kleine Radar gerade den Brief des Bruders aus Deutschland vor, als plötzlich Lautsprecher des israelischen Militärs eine Ausgangssperre ausrufen. Die Türen fallen ins Schloß, die Familienmitglieder sind gezwungen, tagelang im geschlossenen Raum ihres Hauses zu verweilen. Die Frauen teilen die knappen Vorräte ein, die Männer spielen Backgammon, mit den Nachbarn hat man nur über den Hinterhof Kontakt. Die Familie droht, wegen der angestauten Probleme, die nun offen zu Tage treten, zu zerbrechen, während draußen die Situation eskaliert. - Regisseur Rashid Masharawi war während des Golfkriegs immer wieder von Ausgangssperren betroffen, dadurch kam ihm die Idee zu diesem Film, der während der Dreharbeiten selbst an einer Ausgangssperre zu scheitern drohte. In "Curfew" verzichtet Regisseur Rashid Masharawi zugunsten einer Einheit von Handlung und Atmosphäre auf eine grobe Abgrenzung von Tätern und Opfern. Sein Film gewann die "Goldene Pyramide" von Kairo, den "Unesco-Preis" sowie den Jury-, Kritiker- und Publikumspreis von Montpellier.

Die Regisseurin Azza al-Hassan wurde 1971 in Jordanien geboren, mußte aber nach dem Massaker der dortigen Armee an den Palästinensern mit ihrer Familie nach Beirut fliehen. Nach dem israelischen Einmarsch 1982 kehrte sie jedoch nach Amman zurück, um später in Glasgow Film und Soziologie zu studieren. 1996 ging sie nach Ramallah und drehte eine Vielzahl von Dokumentarfilmen. Ihr Film "News Time" zeigt, wie sie in Ramallah eine Crew für ihren neuen Film zusammenstellen möchte. Doch die zweite Intifada hat gerade begonnen, und darum bekommt sie immer wieder zu hören: "Jetzt ist keine Zeit für Filme, jetzt ist Zeit für Nachrichten!" So zieht sie es vor, den Alltag dieser Region zu dokumentieren und dies den Nachrichten, die aus dem wohl meistgefilmten Krisengebiet der Welt über die Bildschirme der Welt flimmern, gegenüberzustellen. Während Kampfhubschrauber die Stadt beschießen, läßt sie etwa ihren Vermieter und dessen Frau die Geschichte ihrer Liebe erzählen. Als jedoch das Paar Ramallah verläßt, macht die Regisseurin mit ihrem halbfertigen Film aus ihrer Not eine Tugend und konzentriert sich in ihrer filmischen Aufmerksamkeit nun auf vier Jungen aus ihrer Nachbarschaft. "Es steckt die Essenz des Dokumentarischen in diesem Film. Das leidenschaftliche und wache Erzählen vom Leben der Menschen anderswo," urteilt die Süddeutsche Zeitung.
Jahrgang 1961, wuchs Sobhi az-Zobaidi in einem Flüchtlingslager in der Nähe von Ramallah auf. Er konnte dann jedoch nach New York gehen, um Film zu studieren. 1996 kehrte er nach Palästina zurück und gründete dort eine eigene Produktionsfirma, nebenher schreibt er. Sein Film "Looking Awry" handelt von einem palästinensischen Filmemacher, der im Auftrag einer US-amerikanischen Organisation eine Dokumentation über Jerusalem als Stadt der Liebe und der Toleranz drehen soll. Bilder von Soldaten und Gewalt sind tabu. Aber die zweite Intifada beginnt. Der Filmemacher gerät in Situationen, die ihm immer deutlicher zeigen, daß er einen solchen Film nicht drehen kann. Vieles in "Looking Awry" beruht dabei auf wahren Begebenheiten. 1994 wurde der Regisseur von einem Institut in Washington tatsächlich um ein solches Filmprojekt gebeten, und er sah bald ein, wie unmöglich es zu verwirklichen ist. Diese Erfahrungen kulminieren in "Looking Awry" zu einem "Dramadocula", wie es Sobhi az-Zobaidi selbst nennt, einer Mischung aus Drama, Dokumentation und Dracula - gemeint sind damit die Dinge, die aus einem das Leben heraussaugen. Als die Zuschauer in Ramallah seinen Film das erste Mal sahen, erfreuten sie sich zunächst einmal an den vielen lokalen Anspielungen, mit denen Sobhi az-Zobaidi dem Klischee von den Palästinensern als einer undurchsichtigen, finster dreinblickenden Menge entgegenarbeitete.

"kanalB" ist ein nichtkommerzieller Berliner Fernsehsender, der seine Sendungen vor allem über das Internet ausstrahlt. Im März diesen Jahres besuchte ein Team von "kanalB" Argentinien, seit dem spektakulären Zusammenbruch des dortigen Finanzsystems das Symbol einer äußerst fragwürdigen Globalisierung. Die Dokumentarfilmer besuchen Landbesetzer, die sich am Rande der Stadt Buenos Aires unter katastrophalen Bedingungen durchschlagen - besseren immerhin, als sie vielen Menschen auf dem Land geblieben sind -, verfolgen die Proteste von Privatisierungsgegnern und Opfern der langen Militärdiktatur, die die Bestrafung der damaligen Verbrechen fordern. Dem Team gelang es, die Brutalität zu bezeugen, mit der das "demokratische" Regime seine Ausplünderungspolitik gegen allen Widerstand durchsetzt, und es nimmt sich Zeit, intime Kenner der argentinischen Politik ausführlich zu Wort kommen zu lassen. Nach dem etwa einstündigen Film besteht Gelegenheit zur Diskussion. Tanja von Dahlern, Mitarbeiterin von kanalB, ist eingeladen!

Vor dem Mythos spröde Fakten: Ludwig II., geboren 1845, wurde 1864 König von Bayern. Das Regieren jedoch überließ er bald seinen Ministern, die politischen Umwälzungen seiner Zeit, vor allem die deutsche Reichsgründung, liefen an ihm vorbei, denn er war pathologisch menschenscheu und damit regierungsunfähig. Er liebte dafür die Künste, förderte insbesondere Richard Wagner in Bayreuth, trieb aber infolge großer Bautätigkeit - nicht zuletzt in Neuschwanstein - Bayern in große Verschuldung. !886 wurde er, nachdem man seine Geisteskrankheit medizinisch nachgewiesen hatte, entmündigt. Einige Tage später ertrank Ludwig II. aus nicht ganz geklärten Gründen im Starnberger See, der Mythos war geboren. Sein Leben und Sterben waren mehrfach Stoff für Verfilmungen, bekannt wurde etwa die von Helmut Käutner von 1954 mit O.W. Fischer in der Hauptrolle. Luchino Viscontis Verfilmung überragt alle anderen durch die schauspielerischen Leistungen, allen voran mit Helmut Berger als Ludwig, dann aber auch Romy Schneider in der Rolle der Sissi oder Trevor Howard als Richard Wagner nebst Silvana Mangano als Cosima. Darüber hinaus konnte sich Visconti in der Ausstattung des Films in seinem typischen Stil noch einmal überbieten. Auf adäquate Weise gelingt ihm das Bild einer Epoche, die das Verschwinden, zu dem sie verdammt war, überaus glanzvoll inszenierte. Der Film liegt nun in einer längeren rekonstruierten Fassung vor.

Im Stadtzentrum von Hebron befindet sich in der Shuhada-Straße ein Haus genau auf der Grenze zwischen israelischem und palästinensischem Gebiet. Seine Vorderseite steht unter israelischem Kommando, während die Palästinenser die Rückseite überwachen. Das Haus ist aber nicht nur voller Soldaten, sondern zudem nach wie vor bewohnt, und zwar von den drei palästinensischen Witwen Najwa, Nawal und Shiam mitsamt ihren elf Kindern. Sie dürfen weder die eine noch die andere Grenze übertreten, weswegen sie von Bewohnern zu Gefangenen ihres Domizils - oder soll man besser sagen: der Nahost-Politik? - geworden sind, eine Situation, die mit dem Wort "absurd" nur unzutreffend beschrieben ist, an die sich aber die drei Witwen gewöhnt haben, weil sie es mußten. Anat Even und Ada Ushpiz, zwei israelische Filmemacherinnen, haben in einjähriger Arbeit das Leben dieser drei Frauen porträtiert. Sie zeigen uns diese palästinensichen Frauen nicht nur in ihrem Leid unter der Besatzung, sondern auch mit ihren Problemen innerhalb ihrer eigenen palästinensischen Gesellschaft. "Asurot" war bislang vor allem auf Festivals zu sehen, wo er großes Interesse und Anklang fand.

Der Hafen von Casablanca ist das Zuhause von Ali, Kouka, Omar und Boubker. Sie sind Straßenkinder, leben um zu überleben, ohne Ziel und ohne einen Ort, an den sie sich zurückziehen können. Die vier bilden eine Gang, denn Freundschaft ist ihre einzige Chance. Diese wird auf eine harte Probe gestellt. Ali, der davon träumt, eines Tages als Seemann um die Welt zu fahren, wird bei Auseinandersetzungen mit einer rivalisierenden Straßenbande getötet. Seine Freunde möchten ihn nicht einfach so liegen lassen, sondern wollen ihm ein "königliches" Begräbnis organisieren. Dazu müssen sie eine Insel mit zwei Sonnen finden, von der Ali ihnen immer erzählt hat. - Regisseur Nabil Ayouch hatte die Idee zu seinem Film, als er Najat M'jid kennen lernte, die Leiterin der Hilfsorganisation Bayti, die sich den Kampf gegen die Ausgrenzung von Straßenkindern zu ihrem Ziel gemacht hat. Dadurch kam Ayouch in Kontakt mit deren Streetworkern und erhielt Zugang zur Welt der Straße, zur Welt dieser Kinder und ihrer Art, miteinander umzugehen und zu denken. Dabei fand er auch die Darsteller für sein Filmprojekt, das alles andere ist als eine Dokumentation, sondern in ein städtisches Märchen übergeht. - Mit "Mektoub" drehte Ayouch vor wenigen Jahren bereits einen politischen Film, der zugleich als erster marokkanischer Film für einen Oskar nominiert wurde. Auch "Ali Zaoua" repräsentierte Marokko bei der Oskar-Wahl, und mit seinen vielen Auszeichnungen auf internationalen Festivals, so in Mannheim-Heidelberg, Montreal, Brüssel oder auf dem Panafrikanischen Filmfestival in Ouagadougou, dürfte er einer der höchstprämierten Filme der letzten Jahre überhaupt sein.

Haifa ist ein Palästinenser. Für manche ein wenig verrückt, verbringt er seinen Tag damit, seine zahlreichen Bekannten zu besuchen. Darum weiß er alles. Besonders enge Kontakte hat er zu dem Polizisten Abu Said und dessen Familie. Deren ältester Sohn wird demnächst aus dem Gefängnis entlassen. Seine Mutter plant schon dessen anschließende Heirat, während die jüngeren Geschwister entweder rebellieren oder vor sich hin träumen. - In seinem zweiten Film plaziert Regisseur Rashid Masharawi seine Schilderungen aus der Privatsphäre einer Familie vor dem Hintergrund der politischen Veränderungen, der palästinensischen Hoffnungen auf Autonomie, einer Situation der Ungewißheit. "Ein unspektakuläres, subtiles Dokument der Skepsis," urteilte das Berliner Magazin "Tip".

Im Fernsehen sieht man Palästinenser meist dann, wenn sie Steine werfen oder Flaggen verbrennen. Taufiq Abu-Wael, geboren 1976 in Um al-Fahim und freier Filmemacher seit 1997, zeigt dagegen Palästinenser, die vor allem warten. Worauf? Sallah ad-Din, hier meist Saladin genannt, mag die Chiffre dieses Wartens sein. Der legendäre Sultan der Fatimiden war im 12. Jahrhundert der Schrecken der Kreuzfahrer, einte die arabischen Stämme und befreite Jerusalem. Die Idee zu seinem Film hatte Taufiq Abu-Wael, als er einmal damit Geld verdienen mußte, in Ost-Jerusalem Kinderbücher von Tür zu Tür zu verkaufen. Er riet damals den Leuten, ihr Geld lieber für Essen auszugeben, denn er sah, wie arm sie waren. Und es blieb ihm auch nicht verborgen, daß hinter jeder Tür, die sich ihm öffnete, eine Geschichte stand. Darum porträtiert er exemplarisch vier Personen aus Ost-Jerusalem in diesem Wartezustand: einen Künstler, der seine eigene Theatergruppe gegründet hat, eine Frau, die auf der Straße Gemüse verkauft, einen Mann, dessen Haus zerstört wurde und dessen Sohn verschwunden ist, zuletzt einen Arbeitslosen, der seinen Sohn losschickt, Geld zu verdienen.
"My very private Map" von Sobhi az-Zobaidi ist ein Film-Kaleidoskop aus Erinnerungen und Gegenwartsszenen, ein Porträt aus Musik, Gedichten und Interviews von Widerstandskämpferinnen, gedreht zum 50. Jahrestag der Naqba, der Vertreibung der Palästinenser aus ihrer Heimat Für seinen Film erhielt der Regisseur 1998 bei der "Biennale du Cinéma Arabe" in Paris einen Preis für die beste Kurzdokumentation..

Ein Herausgeber einer literarischen Zeitschrift beginnt auf einer seiner Geschäftsreisen ein Verhältnis mit einer Stewardeß. Über einen längeren Zeitraum versucht er, dies vor seiner Ehefrau und seinem Bekanntenkreis zu verbergen. Doch als er seiner Geliebten schon überdrüssig geworden ist, kommt seine Frau durch Zufall doch noch hinter sein Geheimnis... -" La Peau douce" ist im Vergleich zu anderen Werken Truffauts nicht so ironisch und leicht, sondern härter und schonungsloser. Ja, fast könnte man sagen, daß die unaufdringliche Perfektion, die die Filme Truffauts berühmt machte, sich hier gerade auch an einem ernsten Thema beweist und diesem umso besser kontrastiert. Szenen wie die von der Katze, die sich nach dem Hotelfrühstück über das Tablett hermacht, sind dabei berühmt geworden. "Truffaut entwickelt den melodramatischen Stoff zur kritisch-analytischen Beschreibung männlicher (und bürgerlicher) Verhaltensweisen zwischen Realitäts- und Lustprinzip," meint etwas verklausuliert auch das Lexikon des Internationalen Films.

Traum oder Albtraum? Mann stelle sich vor: die eigene Beerdigung - und nur Frauen am Grab. Und alle haben eines gemeinsam, Mann liebte sie aufrichtig, und ebenso herzlich erwiderten sie die Leidenschaft! Und Mann stelle sich weiter vor: Sie alle waren keine Opfer des Machismo, sondern "herrliche Wesen, die mit ihren Beinen einem Zirkel gleich den Erdball umschreiten," wie Truffaut gern paraphrasiert wurde. So gesehen ist seine Utopie über die Liebe eines Mannes visionärer als mancher Science-fiction oder Fantasy-Film, aber sie spielt in der schnöden Gegenwart: Dort lebt ein Mann von eher mittlerer Attraktivität, der sein Leben den Frauen geweiht hat. Das ist auch der Grund seines vorzeitigen Todes, aber das Leben davor wird schön gewesen sein. Dank Charles Denner gelang Truffaut mit seiner typisch komödiantischen Leichtigkeit einer seiner geistreichsten Filme, der viele andere Zelluloidwerke über die Liebe als stumpfsinnige Beziehungskistenfilme dastehen läßt.

"Starbuck" ist der Name des Steuermanns der "Pequod", jenes Walfangschiffs, mit dem Captain Ahab sich in Herman Melvilles Roman "Moby Dick" auf die Jagd nach dem weißen Wal macht. "Starbuck" war auch der Deckname von Holger Meins, Mitglied der RAF der ersten Generation, der am 1. Juni 1972 in Frankfurt verhaftet wurde und am 9. November 33jährig im Hungerstreik starb. Eigentlich wäre Holger Meins beinahe Filmemacher geworden, er war 1966 einer der ersten zwei Dutzend Studenten an der Berliner Film- und Fernseh-Akademie, zusammen etwa mit Harun Farocki oder eben Gerd Conradt, auch ein Filmstudent der ersten Stunde und damals an der Hochschule ein guter Freund von Holger Meins. Conradt blieb dabei, Filme zu machen, und rekonstruierte aus Originalmaterialien und Interviews mit Weggefährten und ehemaligen Mitstudenten den keineswegs geradlinigen und vorgezeichneten Weg von Holger Meins in den bewaffneten Kampf. "Entweder du bist ein Teil des Problems oder ein Teil der Lösung. Dazwischen gibt es nichts. So einfach ist das und doch so schwer". (Holger Meins)

"Tirez sur le pianiste" meint eigentlich eine ironische Redewendung, demnach Angriffswütige sich doch einfach das nächstbeste Ziel suchen sollen, wie eben den Pianisten, für alle im Lokal sichtbar und nur auf seine Musik konzentriert. Präventiv findet sich so auch in vielen Western das Schild: "Schießen sie nicht auf den Pianisten!" Truffauts zweiter abendfüllender Spielfilm handelt nun genau von einem solchen Barpianisten, einem besonders schüchternen und unauffälligen, der sich nur für sein Klavierspiel interessiert. Aber auch er gerät in eine Geschichte, denn er verfällt einer mysteriösen Frau und wird durch dunkle Machenschaften in ein Verbrechen mit hineingezogen. Erzählt wird dies mit liebevollem Blick auf das Bar-Milieu, versehen mit einer poetischen Gabe für schwarzen Humor und der teilnahmsvollen Melancholie für einen, der seinem Verhängnis nicht entfliehen kann. Truffaut verzichtet im Gegenzug dabei auf jede Psychologie. "Ich maße mir nicht das Recht an, über meine Gestalten zu urteilen. Ich meine, daß jedermann seine eigenen Gründe für sein Verhalten hat". Charles Aznavour in der Hauptrolle des Pianisten vollendet mit seiner Schauspielkunst diesen kleinen, aber dafür umso raffinierteren französischen Krimi.

Hiermit würdigen wir anläßlich seines 125. Jubiläums einen Schriftsteller, den manche Germanistikstudenten eher belächeln - oder vielleicht eher ihre Professoren? Aber Hermann Hesse, Nobelpreisträger und Säule des Suhrkamp-Verlages, war ein Autor, der nicht nur Millionen Jugendlichen etwas sagte, sondern gilt darüber hinaus als der erfolgreichste deutsche Schriftsteller überhaupt! Besonderen Erfolg hatte er dabei bekanntlich in den USA. So gelang auch dem stark von der dortigen Hippie-Bewegung inspirierten Regisseur Conrad Rooks einer der besten Filme nach Hesse. Seine Verfilmung des "Siddhartha" wurde dabei mit indischen Stars an "Originalschauplätzen" gedreht.

Die unlängst verstorbene Niki de Saint-Phalle war eine der sicher bekanntesten, aber auch vielschichtigsten Künstlerinnen der Gegenwart. Sie wurde 1930 geboren und wuchs in den USA auf. Furore machte sie mit dem für das "Centre Pompidou" geschaffenen "Stravinsky-Brunnen" und natürlich mit den Nanas, jenen bunten Riesenfrauen, wie sie beispielsweise in Hannover installiert wurden. Peter Schamoni, der bereits dieses Happening dokumentiert hatte, schuf mit "Niki de Saint Phalle" ein umfassendes Porträt ihres Werks und ihrer Zusammenarbeit mit ihrem 1991 verstorbenen Ehemann, dem Schweizer Nonsense-Maschinenbauer Jean Tinguely.

Woody Allen in der Ära von "Krieg und Frieden": In "Die letzte Nacht des Boris Gruschenko" parodiert Woody Allen religiösen Fatalismus und versetzt der Heiterkeit einen traurigen Nachgeschmack. Für den Filmkritker Hans Günther Pflaum konkretisiert er damit lediglich, was Immanuel Kant über das Lachen dachte, daß es nämlich ein "Affekt" ist, der "aus der plötzlichen Verwandlung einer gespannten Erwartung in nichts" entsteht. Für Woody Allens Boris Gruschenko zeigt sich das so: "Was ist ein Wunder? Ein brennender Busch, wie sich das Meer vor mir teilt, wie mein Onkel eine Rechnung bezahlt."